Westway To The World

Westway To The World,Don Letts,GB,2000,The Clash.

Rockumental que nos acerca la historia de uno de los grupos más importantes e influyentes del pasado siglo a través de imágenes de archivo y entrevistas a los miembros del cuarteto londinense.Con información de primera mano consecuencia de la contribución del propio Letts en los albores del punk(fue disc jockey del mítico local The Roxy-epicentro del seísmo- y amigo personal de muchos protagonistas del movimiento) y la complicidad de los Clash al completo,el documental siguiendo parámetros clásicos permite conocer la trayectoria vital del grupo.Para quien no conoce a The Clash ésta es una muy buena carta de presentación(a pesar de no poderse escuchar ninguna de las canciones íntegramente).Para los seguidores de la banda siempre está bien recrearse con las imágenes de conciertos y si además podemos tener los testimonios de Strummer(a quien le hubiera gustado seguir como se desprende del tono con el que cuenta la ruptura),Jones,Simonon y Headon(el cual pide perdón por haber sido una de las causas de la separación) de manera directa(la complicidad con Letts es evidente) tenemos como resultado una hora y media de entretenimiento garantizado.

Para quien tenga un mínimo de curiosidad musical Westway To The World es un documental obligado así como también lo es para los miles de seguidores de The Clash...a lo largo del metraje se van desgranando las impresiones de los integrantes de la banda en todos los acontecimientos importantes que vivió(origen,proceso creativo y grabación de sus trabajos discográficos,ruptura,experiencias personales,opiniones políticas y sociales) y se escuchan casi todos los grandes temas que dejaron para disfrute nuestro;sirva de homenaje para Joe Strummer fallecido poco después del rodaje del documental.

Satanás

The Black Cat, Edgar G.Ulmer, 1934, EEUU, Boris Karloff, Bela Lugosi, David Manners.

La primera película que reunió a los dos "monstruos" del género de terror Lugosi (Drácula) y Karloff (Frankenstein) está considerada como el primer film de terror psicológico y se convierte en un ejercicio de estilo perturbador firmado por el director de culto europeo Edgar G.Ulmer, realizador que se tuvo que refugiar en la Serie B por el veto que sobre él ejerció el poderoso productor Carl Laemmle con motivo, al parecer, de un asunto de faldas.

La experiencia de Ulmer, uno de los miembro de la oleada de directores europeos que emigraron a los EEUU por aquellos tiempos, en el movimiento expresionista alemán como director artístico (El Golem, Metropolis, M) y en los propios USA (Amanecer) y su extraña sensibilidad confieren a esta Satanás una atracción singular. El producto resulta desigual probablemente a causa de los cortes y añadidos por imperativo de los productores pero provoca cierta fascinación por los temas sugeridos (necrofilia, satanismo, incesto) y el modo en que se sugieren (utilización de las luces y sombras, de los decorados, trabajo de cámara), sin olvidarnos de las soberbias interpretaciones de Karloff y de Lugosi; el primero en actitud rígida constante dotando a su Hjalmar Poelzig de un carácter amenazante y el segundo encarnando al Doctor Vitus Werdegast, un papel atípico de héroe en su filmografía plagada de villanos.

Esta historia incómoda y austera que se produjo al rebufo del filón del cine de monstruos supuso un éxito en taquilla para la Universal y a pesar de su final convencional es una película extraña con elementos comerciales (alusión a la psiquiatría tan en boga en los años 30, introducción del culto a Satán) pero con una honda reflexión sobre los efectos devastadores de las contiendas bélicas (en concreto sobre la I Guerra Mundial) y es un extraordinario retrato de la maldad humana a través de los medios cinematográficos (el decorado en el que destaca el castillo futurista, aséptico y lineal que contrasta con la oscuridad del alma del arquitecto y del doctor, por ejemplo) en el que los personajes juegan con el futuro de las personas cuál partida de ajedrez.

El excelente uso de los decorados y la iluminación dota a la cinta de una realidad "artificial" que provoca en el espectador desazón, aumentada por la persistente banda sonora de Heinz Eric Roemheld y la constatación de la "monstruosidad" humana ya que aquí los "monstruos" son personas y el héroe interpretado por Lugosi se nos expone con terribles matices que nos asustan (véase la famosa escena del despellejamiento).

El primer film que utilizó el nombre de Poe (aunque poco o nada tiene que ver con su relato de título homónimo al original) es una historia neo-expresionista, a veces inconexa y tan solo sugerida, de venganza y traición que da muestras del poder creativo de Edgar G. Ulmer, un director al que vale la pena conocer.

Punk:Attitude

Punk:Attitude,Don Letts,GB,2005,Henry Rollins,Chrissie Hynde,Mick Jones.

Documental musical presentado en el Festival de Tribeca del año 2005 que ofrece una visión completa de la gestación y evolución del movimiento Punk,no en vano está dirigido por Don Letts quien vivió inmerso en el cogollo del asunto ejerciendo de DJ en el legendario Roxy,epicentro del terremoto en que se convirtió esta corriente musical que sobretodo en Inglaterra adquirió tintes de movimiento social.

Sin duda el punto fuerte del trabajo de Letts es la participación de un sinfin de figuras legendarias de la escena punk(David Johansen,Mick Jones,John Cale,Siouxsie Sioux) no solo en el campo musical sino en el cinematográfico o literario que dan buena cuenta de su filosofia,de su forma de enfrentar la vida,modo de actuar que según nos transmite el director sigue vigente a pesar de la fagocitación por parte del sistema de la musica punk;importante también es la cantidad de material de archivo grabado por el propio Letts en plena efervescencia del fenómeno y que incluye en el docu y también los directos que podemos ver a lo largo del metraje.

Don Letts realiza un buen trabajo de campo rastreando las posibles influencias ejercidas sobre el Punk desde los años 50(Salvaje con Marlon Brando,Jerry Lee Lewis),la genésis con grupos como The Velvet Underground o MC5,la primera ola legendaria con The Clash,The Ramones o The Sex Pistols,su inmersión en el circuito comercial con la New Wave ochentera o su continuación anticomercial con grupos underground que radicalizaron el sonido,para acabar enlazando con el fenómeno Nirvana;es decir,bucea en los origenes,rinde tributo a la época de esplendor y apunta la evolución post-punk para demostrar que el movimiento es algo más que corriente musical,peinado y modo de vestir:se trata de una actitud respecto a la vida.

Somero repaso al punk(es impresionante la cantidad de grupos que se reseñan o se pueden escuchar además de los citados:Fugazi,Television,The Slits,The Stooges,Suicide,New York Dolls y un largo etcétera) en este documental-guía que expone el impacto cultural que supuso el fenómeno y que no se detiene en la musica sino que también analiza la figura de la mujer dentro del movimiento,las tendencias en la forma de vestir,la literatura(fanzines) originada y,en definitiva,todas las expresiones del fenómeno ofreciendo al espectador la oportunidad de conocer el Punk y representarse una idea bastante detallada sobre este y,por supuesto,disfrutar de la banda sonora.

Wattstax

Wattstax, Mel Stuart, 1973, EEUU, Isaac Hayes, Rev.Jesse Jackson, Richard Pryor.

Documental nominado al Globo de Oro proyectado en el Festival de Cannes y recuperado en 2003 por el de Sundance que trasciende el tema musical para centrarse en el comentario social y político, hecho que se puede intuir en el título y en el subtítulo ("The Living Word").

El documental tiene como telón de fondo el conocido como Woodstock Negro, un concierto de más de siete horas de duración que la casa discográfica por antonomasia del Soul (con permiso de la Motown) Stax Records organizó para recaudar fondos benéficos a invertir en el barrio Watts del sur de Los Angeles y en conmemoración de los disturbios callejeros más importantes acaecidos en EEUU hasta los de 1992 con el caso Rodney King; el saldo de la revuelta de Watts comenzada el 11 de Agosto de 1965 tras la detención de un joven afroamericano por, presuntamente, conducir en estado de embriaguez da una perspectiva de lo acontecido en esta barriada: más de una treintena de muertos, millares de heridos y un enorme impacto económico. Casi todas las estrellas del mítico sello discográfico desfilan a lo largo del metraje el cual intercala sus actuaciones con escenas de la vida cotidiana de Watts, opiniones de los habitantes del suburbio y monólogos del cómico afroamericano Richard Pryor que sirven para estructurar el filme. Además, se pueden ver un par de actuaciones musicales fuera del concierto, las de The Emotions cantando un espiritual en una iglesia, el gran Johnnie Taylor interpretando su clásico Jody's Got Your Girl and Gone en un night-club y un embrión de video-clip de Little Milton.

Minimizada la parte musical al interrumpirse el concierto a lo largo de todo el metraje (aun así constatamos la inmensa voz de Mavis Staples, la ascendencia de Rufus Thomas y el poder magnético de Isaac Hayes-uno de los más grandes creadores de la historia de la música afroamericana en particular y de la música en general- y vemos u oímos a una pléyade de buenos artistas) el film se centra en el comentario social y en el momento histórico de la comunidad negra de los EEUU, retratando el barrio de Watts y, por ende, los barrios negros del país y mostrando el estilo de vida negro (como dijo Al Bell uno de los productores del film y de la Stax) expuesto en las imágenes y en los diálogos que mantienen los habitantes de la barriada en los que tratan temas como la religión, la infidelidad y/o el Blues desde su punto de vista.

Documental testigo de una expresión exultante de identidad propia por parte de una comunidad que ya no aceptaba su discriminación y que gozaba de un sentimiento de orgullo plasmado en su música y en su vestuario que buscaba reforzar su dignidad Wattstax expone la determinación de un pueblo por reivindicar sus derechos a través del reconocimiento de su identidad y de la búsqueda de la unidad...la Stax se encargó de poner sonido a la conciencia.

Let's Get Lost

Let's Get Lost,Bruce Weber,1988,EEUU,Chet Baker.

Documental nominado al Oscar y ganador en el Festival de Venecia sobre la trompeta más melancólica de la historia del Jazz dirigido por el prestigioso fotógrafo de moda y documentalista Bruce Weber;esta aproximación a Chet Baker a través de él mismo,sus mujeres,compañeros de profesión,etc intercala imágenes en el estudio de grabación con entrevistas,apariciones en famosos shows televisivos y material rodado en el último año de la vida del genial trompetista(imágenes un tanto incómodas en las que se puede ver a Chris Isaak o a Flea acompañandole).

Chet Baker uno de los máximos representantes del "cool jazz" de la Costa Oeste y personaje amoral,es el sujeto del documental de Weber quien deja de lado la musica para rendir culto a la imagen del musico retratando su tremendo deterioro físico:de ser una suerte de James Dean en los 50 pasó a ser una mezcla de personaje de peli de Peckinpah y vagabundo,en parte y sobretodo por su historia de drogadicción;aún así el legado musical de Baker conecta al "chico guapo" con el "yonqui":su manera de tocar la trompeta plena de melancolía y su modo de cantar con un frágil susurro la conservó hasta su muerte...la extraña sensibilidad le acompañó siempre a pesar de que el documental nos lo muestra como una silueta fantasmal desconectada de la realidad y viviendo el instante en la postrera etapa de su vida.

El documental rodado en un excelente blanco y negro seductor,romántico y crepuscular(la fotografía corre a cargo de Jeff Preiss),está narrado de forma no lineal con una atmósfera de cine negro y una profusión de primeros planos con la que parece que Weber pretende adentrarse en el alma de Baker y consiguiéndose al fin un aire a película casera,y si bien cuenta con una cierta complicidad por parte del personaje objeto del film éste no deja de prestar su imagen y su musica pero parece que en torno a su interior,a su alma,erige un sólido muro mostrándose como un ser misterioso y magnético que marca a las personas de su entorno.

Poema onírico en el que no se juzga a Chet Baker sino que se expone su amoralidad y su capacidad para ganarse la simpatía de la gente y que muestra al mito hablando con nostalgia,con esfuerzo,en el ocaso de su vida,Let's Get Lost está enfocado desde la perspectiva de un admirador(Weber es un fan confeso del musico),atracción que se plasma con un estilo que recuerda a Cassavetes y demuestra la fascinación que provoca el detrioro físico sufrido por el atormentado trompetista.

King Kong

King Kong, Merian C.Cooper & Ernest B. Schoedsack, EEUU, 1933, Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot.

Verdadero hito del séptimo arte que contiene imágenes que forman parte de la conciencia colectiva del siglo XX King Kong se erige en mito e icono de la cultura popular desde su atalaya de auténtica obra maestra de la historia del arte y eso independientemente de todas las lecturas metacinematográficas que se han realizado sobre el film que han ido desde "freudianas" hasta sociales (tono racista, fenómeno de la inmigración en EEUU) pasando por interpretaciones simbolistas (lucha de la naturaleza contra la civilización). Según el alma mater del proyecto, el aventurero y documentalista Merian C.Cooper -cuyo álter ego es encarnado en el personaje de Carl Denham- el objetivo era realizar una película de aventuras y no hay duda de la consecución de este fin, como tampoco la hay en que éste quedó sobrepasado alcanzándose cotas insospechadas que quedan atestiguadas por la intemporalidad de la que hace gala la obra.

Espectáculo visual antológico con un ritmo ágil y una historia entretenida que combina misterio, erotismo, fantasía y, en definitiva, aventura, coronado con un final grabado en la retina de cualquier aficionado al cine King Kong es una de las mayores contribuciones al séptimo arte siendo prueba de ello la concepción actual del cine de Hollywood respecto a la primacía de los efectos especiales sobre cualquier otro aspecto de una producción o la influencia también ejercida sobre el gran Harryhausen, Spielberg, Lucas o Jackson, así como la continuación del concepto en el subgénero encuadrado en el terreno de la ciencia-ficción de monstruos,  tanto japonés como americano.

Sin duda la participación de Willis O'Brien (maestro del citado Ray Harryhausen) fue una de las claves para entender el tremendo éxito del film: sus miniaturas y su trabajo con la técnica de animación "stop-motion", que ya empleó anteriormente en la adaptación de la novela de Conan Doyle, El Mundo Perdido (libro de notable y evidente influencia en la concepción de King Kong), combinadas con efectos ópticos consiguieron (y consiguen) transmitir al público la personalidad del gigantesco gorila, exponiendo su miedo, su curiosidad y su pena, conmoviéndose así al espectador hasta el punto de sentir una extraña empatía hacia Kong, extraña por cuanto podemos observar como ejecuta actos terribles, derivando en una relación publico-simio digna de estudio antropológico.

Aventura romántica de proporciones colosales e historia de "amour fou" con una carga sexual implícita King Kong es un mito, un icono, una revisión lejana de la fábula de La Bella y La Bestia, una reflexión sobre el mundo del espectáculo y del comercio en la que se expone la lucha por la supervivencia y la destrucción de la naturaleza simbolizada en el enfrentamiento final de Kong con los aviones (el mundo primitivo contra el mundo moderno). Siguiendo con posibles lecturas es destacable el paralelismo entre La Isla de la Calavera en la que el gigante gorila reina y disputa con bestias prehistóricas y Manhattan, otra isla salvaje en la que Kong lucha contra bestias mecánicas...como se escribió más arriba las interpretaciones de la película son variadas y se constatan en la gran cantidad de literatura que ha deparado esta aventura así como su tremendo impacto cultural y comercial se confirma con el sinfín de "merchandising", versiones y "remakes".

Magna obra que también puede recibir críticas como el poco desarrollo de los personajes ya que la caracterización de Kong es la única rica y compleja o el ser el embrión de la corriente contemporánea de películas que privilegian los efectos especiales e, incluso, por el arcaismo de los FX de O'Brien, unas críticas que pueden subvertirse o rebatirse puesto que la personalidad del simio contribuye al éxito del film con esa terrible empatía generada en la audiencia, la defensa de la posibilidad de disfrutar de un cine escapista (y más en coyunturas de crisis económica como la de principios de los años 30 e, incluso, la actual) resaltando que King Kong no deja de lado ni mucho menos otras facetas: cuenta con una historia cuidada, un ritmo rápido y la considerada como primera banda sonora original de la historia del cine (Max Steiner compuso una partitura original para el film de tal modo que la música acompañara a la acción como un todo unitario). Respecto al envejecimiento del trabajo de O'Brien solo cabría decir que sin él el mundo de los efectos especiales sería bien diferente, por no recordar los medios de los que se disponían en aquella época y que, si esto no convence a los escépticos, quizá reflexionar sobre el aura de fantasía mágica que le dan los efectos artesanales a la película sí lo haga.

La música, los efectos, Kong, los gritos de la "scream-queen" Fay Wray, el halo de fantasía, el terror sembrado en Manhattan...bienvenidos al CINE...IMPRESCINDIBLE.

Scott Walker,El Hombre del Siglo 30

Scott Walker,30 Century Man,Stephen Kijak,2006,EEUU/RU,Scott Walker,David Bowie,Johnny Marr.

Documental destinado al fracaso comercial al tener por sujeto del mismo a uno de los artistas malditos del siglo XX,Scott Walker,musico que lleva sin pisar un escenario desde hace 30 años,que tiene un ritmo de producción de trabajos discográficos cercano a la decena de años y que no concede entrevistas...eso sin hablar de su extraña musica:oscura,gótica,siniestra,de cine de horror o Lovecraftiana,experimental,vanguardista,innovadora,enigmática,en fin los calificativos se agotan cuando se trata de hablar de la obra de este musico que no deja indiferente y que alcanzó hace tiempo status de figura de culto.

Respetado y venerado por infinidad de artistas,por el documental desfilan desde Bowie(quien financia el proyecto)hasta Radiohead,pasando por Brian Eno,Johnny Marr(la mitad de The Smiths),Jarvis Cocker(Pulp),etc,Scott Walker comenzó su carrera artística a fines de los 50 para pasar a formar parte del exitoso trío de la escena musical británica sesentera The Walker Brothers quienes tocaron el cielo con unas baladas en las que destacaba una rica orquestación y la voz de Scott quien empezó a sobresalir y decidió tras la ruptura del grupo proseguir su carrera en solitario como cantante de pop melancólico.Como quiera que Scott ya habia hecho sus pinitos en la composición de algunas canciones del grupo demostrando sus inquietudes creativas y artísticas,en sus primeros discos en solitario aparecían canciones propias mezcladas con versiones(en especial de Jacques Brel,su reconocida influencia e inspiración)que lo mantuvieron con cierto éxito comercial hasta llegar a Scott 4(su cuarto álbum),un rotundo fracaso en ventas que era su trabajo más personal(todas las composiciones son propias)y que constituyó un punto de inflexión ya que Scott a pesar de seguir grabando trabajos contractuales se retiró de la creación de canciones durante cerca de una década.

A mediados de los setenta,los Walker Brothers deciden reunirse y consiguen un relativo éxito hasta llegar a Nite Flights(último disco del trio) en el que destacan las cuatro canciones compuestas por Scott las cuales influencian hasta a la escena punk imberbe y presagian un sonido muy personal y oscuro,botón de muestra de lo que vendría cerca de 20 años después con Tilt o tres décadas más tarde aproximadamente con The Drift,los últimos trabajos del creador.

Precisamente el documental de Kijak intenta plasmar la evolución de Walker desde idolo teen hasta gurú de la musica experimental(inclasificable:electrónica,clásica,cinematográfica)pero a la vez nos da a conocer a Scott Walker,explicando su imagen de ermitaño o recluso social y mostrandonoslo como un tipo perfeccionista,nada pretencioso,absorbido por su mundo creativo(él mismo explica en parte su aislacionismo por este motivo),sensible y accesible gracias a las imágenes exclusivas del proceso de grabación en el estudio de su último trabajo discográfico y a la entrevista central del film.

En la película Kijak se centra en el proceso creativo y en la linea evolutiva seguida por Walker dejando de lado aspectos personales amarillistas(alcoholismo)y consigue que la musica "hable" del artista,un artista que ya en la época de los Walkers Brothers estaba interesado en la creación y que es capaz de citar a Camus en la contraportada de un disco,que lleva camino de fusionar cine y musica con sus muros de sonido cinematográficos ya que no parece que sus últimos discos estén integrados por canciones sino más bien por sonidos...este documental encantará a los fans de Walker y para los que no lo conozcan es una aproximación directa al mito aunque es cierto que su musica es extraña y no deja indiferente,es muy difícil de escuchar,no deja impasible y esto es debido a que es la exorcización del interior de una persona que intenta trasladar lo abstracto en trabajos de sonido concretos.

La escasa existencia de imágenes de Walker hace decaer un tanto el documental en su parte final a pesar de que este handicap se intenta resolver con diseños y gráficos visuales aunque como contrapartida podemos ver por primera vez la forma de trabajar del creador en el estudio y es de destacar el acierto de Kijak a la hora de presentar algunos temas de Walker a través de las emociones que se reflejan en los musicos que escuchan los mismos a la par que el espectador del film.

Documental recomendable para acercarse al universo singular de un hombre cuya obra obliga a posicionarse,una obra extraña e imposible de clasificar pero para mi interesante y bella por momentos a pesar de su dificultad.