Let's Get Lost

Let's Get Lost,Bruce Weber,1988,EEUU,Chet Baker.

Documental nominado al Oscar y ganador en el Festival de Venecia sobre la trompeta más melancólica de la historia del Jazz dirigido por el prestigioso fotógrafo de moda y documentalista Bruce Weber;esta aproximación a Chet Baker a través de él mismo,sus mujeres,compañeros de profesión,etc intercala imágenes en el estudio de grabación con entrevistas,apariciones en famosos shows televisivos y material rodado en el último año de la vida del genial trompetista(imágenes un tanto incómodas en las que se puede ver a Chris Isaak o a Flea acompañandole).

Chet Baker uno de los máximos representantes del "cool jazz" de la Costa Oeste y personaje amoral,es el sujeto del documental de Weber quien deja de lado la musica para rendir culto a la imagen del musico retratando su tremendo deterioro físico:de ser una suerte de James Dean en los 50 pasó a ser una mezcla de personaje de peli de Peckinpah y vagabundo,en parte y sobretodo por su historia de drogadicción;aún así el legado musical de Baker conecta al "chico guapo" con el "yonqui":su manera de tocar la trompeta plena de melancolía y su modo de cantar con un frágil susurro la conservó hasta su muerte...la extraña sensibilidad le acompañó siempre a pesar de que el documental nos lo muestra como una silueta fantasmal desconectada de la realidad y viviendo el instante en la postrera etapa de su vida.

El documental rodado en un excelente blanco y negro seductor,romántico y crepuscular(la fotografía corre a cargo de Jeff Preiss),está narrado de forma no lineal con una atmósfera de cine negro y una profusión de primeros planos con la que parece que Weber pretende adentrarse en el alma de Baker y consiguiéndose al fin un aire a película casera,y si bien cuenta con una cierta complicidad por parte del personaje objeto del film éste no deja de prestar su imagen y su musica pero parece que en torno a su interior,a su alma,erige un sólido muro mostrándose como un ser misterioso y magnético que marca a las personas de su entorno.

Poema onírico en el que no se juzga a Chet Baker sino que se expone su amoralidad y su capacidad para ganarse la simpatía de la gente y que muestra al mito hablando con nostalgia,con esfuerzo,en el ocaso de su vida,Let's Get Lost está enfocado desde la perspectiva de un admirador(Weber es un fan confeso del musico),atracción que se plasma con un estilo que recuerda a Cassavetes y demuestra la fascinación que provoca el detrioro físico sufrido por el atormentado trompetista.

King Kong

King Kong, Merian C.Cooper & Ernest B. Schoedsack, EEUU, 1933, Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot.

Verdadero hito del séptimo arte que contiene imágenes que forman parte de la conciencia colectiva del siglo XX King Kong se erige en mito e icono de la cultura popular desde su atalaya de auténtica obra maestra de la historia del arte y eso independientemente de todas las lecturas metacinematográficas que se han realizado sobre el film que han ido desde "freudianas" hasta sociales (tono racista, fenómeno de la inmigración en EEUU) pasando por interpretaciones simbolistas (lucha de la naturaleza contra la civilización). Según el alma mater del proyecto, el aventurero y documentalista Merian C.Cooper -cuyo álter ego es encarnado en el personaje de Carl Denham- el objetivo era realizar una película de aventuras y no hay duda de la consecución de este fin, como tampoco la hay en que éste quedó sobrepasado alcanzándose cotas insospechadas que quedan atestiguadas por la intemporalidad de la que hace gala la obra.

Espectáculo visual antológico con un ritmo ágil y una historia entretenida que combina misterio, erotismo, fantasía y, en definitiva, aventura, coronado con un final grabado en la retina de cualquier aficionado al cine King Kong es una de las mayores contribuciones al séptimo arte siendo prueba de ello la concepción actual del cine de Hollywood respecto a la primacía de los efectos especiales sobre cualquier otro aspecto de una producción o la influencia también ejercida sobre el gran Harryhausen, Spielberg, Lucas o Jackson, así como la continuación del concepto en el subgénero encuadrado en el terreno de la ciencia-ficción de monstruos,  tanto japonés como americano.

Sin duda la participación de Willis O'Brien (maestro del citado Ray Harryhausen) fue una de las claves para entender el tremendo éxito del film: sus miniaturas y su trabajo con la técnica de animación "stop-motion", que ya empleó anteriormente en la adaptación de la novela de Conan Doyle, El Mundo Perdido (libro de notable y evidente influencia en la concepción de King Kong), combinadas con efectos ópticos consiguieron (y consiguen) transmitir al público la personalidad del gigantesco gorila, exponiendo su miedo, su curiosidad y su pena, conmoviéndose así al espectador hasta el punto de sentir una extraña empatía hacia Kong, extraña por cuanto podemos observar como ejecuta actos terribles, derivando en una relación publico-simio digna de estudio antropológico.

Aventura romántica de proporciones colosales e historia de "amour fou" con una carga sexual implícita King Kong es un mito, un icono, una revisión lejana de la fábula de La Bella y La Bestia, una reflexión sobre el mundo del espectáculo y del comercio en la que se expone la lucha por la supervivencia y la destrucción de la naturaleza simbolizada en el enfrentamiento final de Kong con los aviones (el mundo primitivo contra el mundo moderno). Siguiendo con posibles lecturas es destacable el paralelismo entre La Isla de la Calavera en la que el gigante gorila reina y disputa con bestias prehistóricas y Manhattan, otra isla salvaje en la que Kong lucha contra bestias mecánicas...como se escribió más arriba las interpretaciones de la película son variadas y se constatan en la gran cantidad de literatura que ha deparado esta aventura así como su tremendo impacto cultural y comercial se confirma con el sinfín de "merchandising", versiones y "remakes".

Magna obra que también puede recibir críticas como el poco desarrollo de los personajes ya que la caracterización de Kong es la única rica y compleja o el ser el embrión de la corriente contemporánea de películas que privilegian los efectos especiales e, incluso, por el arcaismo de los FX de O'Brien, unas críticas que pueden subvertirse o rebatirse puesto que la personalidad del simio contribuye al éxito del film con esa terrible empatía generada en la audiencia, la defensa de la posibilidad de disfrutar de un cine escapista (y más en coyunturas de crisis económica como la de principios de los años 30 e, incluso, la actual) resaltando que King Kong no deja de lado ni mucho menos otras facetas: cuenta con una historia cuidada, un ritmo rápido y la considerada como primera banda sonora original de la historia del cine (Max Steiner compuso una partitura original para el film de tal modo que la música acompañara a la acción como un todo unitario). Respecto al envejecimiento del trabajo de O'Brien solo cabría decir que sin él el mundo de los efectos especiales sería bien diferente, por no recordar los medios de los que se disponían en aquella época y que, si esto no convence a los escépticos, quizá reflexionar sobre el aura de fantasía mágica que le dan los efectos artesanales a la película sí lo haga.

La música, los efectos, Kong, los gritos de la "scream-queen" Fay Wray, el halo de fantasía, el terror sembrado en Manhattan...bienvenidos al CINE...IMPRESCINDIBLE.

Scott Walker,El Hombre del Siglo 30

Scott Walker,30 Century Man,Stephen Kijak,2006,EEUU/RU,Scott Walker,David Bowie,Johnny Marr.

Documental destinado al fracaso comercial al tener por sujeto del mismo a uno de los artistas malditos del siglo XX,Scott Walker,musico que lleva sin pisar un escenario desde hace 30 años,que tiene un ritmo de producción de trabajos discográficos cercano a la decena de años y que no concede entrevistas...eso sin hablar de su extraña musica:oscura,gótica,siniestra,de cine de horror o Lovecraftiana,experimental,vanguardista,innovadora,enigmática,en fin los calificativos se agotan cuando se trata de hablar de la obra de este musico que no deja indiferente y que alcanzó hace tiempo status de figura de culto.

Respetado y venerado por infinidad de artistas,por el documental desfilan desde Bowie(quien financia el proyecto)hasta Radiohead,pasando por Brian Eno,Johnny Marr(la mitad de The Smiths),Jarvis Cocker(Pulp),etc,Scott Walker comenzó su carrera artística a fines de los 50 para pasar a formar parte del exitoso trío de la escena musical británica sesentera The Walker Brothers quienes tocaron el cielo con unas baladas en las que destacaba una rica orquestación y la voz de Scott quien empezó a sobresalir y decidió tras la ruptura del grupo proseguir su carrera en solitario como cantante de pop melancólico.Como quiera que Scott ya habia hecho sus pinitos en la composición de algunas canciones del grupo demostrando sus inquietudes creativas y artísticas,en sus primeros discos en solitario aparecían canciones propias mezcladas con versiones(en especial de Jacques Brel,su reconocida influencia e inspiración)que lo mantuvieron con cierto éxito comercial hasta llegar a Scott 4(su cuarto álbum),un rotundo fracaso en ventas que era su trabajo más personal(todas las composiciones son propias)y que constituyó un punto de inflexión ya que Scott a pesar de seguir grabando trabajos contractuales se retiró de la creación de canciones durante cerca de una década.

A mediados de los setenta,los Walker Brothers deciden reunirse y consiguen un relativo éxito hasta llegar a Nite Flights(último disco del trio) en el que destacan las cuatro canciones compuestas por Scott las cuales influencian hasta a la escena punk imberbe y presagian un sonido muy personal y oscuro,botón de muestra de lo que vendría cerca de 20 años después con Tilt o tres décadas más tarde aproximadamente con The Drift,los últimos trabajos del creador.

Precisamente el documental de Kijak intenta plasmar la evolución de Walker desde idolo teen hasta gurú de la musica experimental(inclasificable:electrónica,clásica,cinematográfica)pero a la vez nos da a conocer a Scott Walker,explicando su imagen de ermitaño o recluso social y mostrandonoslo como un tipo perfeccionista,nada pretencioso,absorbido por su mundo creativo(él mismo explica en parte su aislacionismo por este motivo),sensible y accesible gracias a las imágenes exclusivas del proceso de grabación en el estudio de su último trabajo discográfico y a la entrevista central del film.

En la película Kijak se centra en el proceso creativo y en la linea evolutiva seguida por Walker dejando de lado aspectos personales amarillistas(alcoholismo)y consigue que la musica "hable" del artista,un artista que ya en la época de los Walkers Brothers estaba interesado en la creación y que es capaz de citar a Camus en la contraportada de un disco,que lleva camino de fusionar cine y musica con sus muros de sonido cinematográficos ya que no parece que sus últimos discos estén integrados por canciones sino más bien por sonidos...este documental encantará a los fans de Walker y para los que no lo conozcan es una aproximación directa al mito aunque es cierto que su musica es extraña y no deja indiferente,es muy difícil de escuchar,no deja impasible y esto es debido a que es la exorcización del interior de una persona que intenta trasladar lo abstracto en trabajos de sonido concretos.

La escasa existencia de imágenes de Walker hace decaer un tanto el documental en su parte final a pesar de que este handicap se intenta resolver con diseños y gráficos visuales aunque como contrapartida podemos ver por primera vez la forma de trabajar del creador en el estudio y es de destacar el acierto de Kijak a la hora de presentar algunos temas de Walker a través de las emociones que se reflejan en los musicos que escuchan los mismos a la par que el espectador del film.

Documental recomendable para acercarse al universo singular de un hombre cuya obra obliga a posicionarse,una obra extraña e imposible de clasificar pero para mi interesante y bella por momentos a pesar de su dificultad.

Los Estados Unidos contra John Lennon

The US vs John Lennon,David Leaf&John Scheinfeld,EEUU,2006,John lennon,Yoko Ono.

Combinando un extenso y en su mayoria novedoso material de archivo con entrevistas a políticos,activistas,periodistas,intelectuales,funcionarios de la Administración Nixon y por supuesto a Yoko Ono,los expertos directores en documentales musicales y conciertos para TV Leaf y Scheinfeld,desvelan uno de los episodios más desconocidos de la vida del legendario ex-Beatle John Lennon:el intento de deportación de los EEUU instigado por el gobierno de Richard Nixon.

Este documental permite observar la metamorfosis de Lennon desde su imagen de ídolo juvenil hasta alcanzar su posición de icono pacifista,además de ofrecer de modo meridiano una visión sobre el movimiento antibélico de fines de los sesenta y de la tumultuosa época que se vivía en los USA por aquél entonces.

Lennon,portavoz de toda una generación utilizó su fama y fortuna en pos de conseguir la paz y sus acciones,actuaciones,apariciones,discursos y su acercamiento a círculos de activistas radicales lo pusieron en el punto de mira de la Administración Nixon que sabedor del enorme carisma del musico lo comenzó a concebir como una amenaza real.

Las imágenes retrospectivas utilizadas a lo largo del metraje nos ponen en situación para comprender y comprobar el contexto sociopolítico en el que se desarrolló esta otra guerra entre el gobierno norteamericano y el musico inglés y nos permiten hacer un paralelismo entre lo que se nos cuenta y la situación reciente de la Guerra de Irak y la Administración Bush...como botón de muestra de esta simetria,la serie de conciertos que Lennon quería llevar a cabo para movilizar al electorado con vistas a las elecciones de 1972 lo llevó a término en 2004 un grupo de musicos encabezados por Bruce Springsteen(Dixie Chicks,Pearl Jam,etc)pero,eso si,con un mensaje más "light",no en vano Lennon estaba rodeado de Abbie Hoffman,Jerry Rubin o Bobby Seale,palabras mayores en cuanto a intelectuales/activistas de los años sesenta como atestiguan los incendiarios discursos mostrados en el documental.

Probablemente la única crítica que se le pueda hacer a este film documental es la condescendencia con la que se trata la figura de Lennon que por aquellos tiempos compuso How do you sleep(claro ataque a Paul Mc Cartney)curioso tema cuando intenta emitir un mensaje de concordia o que pasó una temporada en California a la que él mismo denominó "Lost Weekend" pero nadie es perfecto y tampoco se trata de una biopic sino más bien de analizar como llegó a ser considerado un peligro por Nixon y su gobierno y la estratagema utilizada por éste para eliminarlo de la circulación,objetivo que la película cubre con creces con la inestimable aportación de un sinfin de personalidades importantes en la historia de los EEUU como Chomsky,Mc Govern(candidato democráta derrotado en las elecciones de 1972),Angela Davis,Walter Cronkite,Mario Cuomo y un largo etcétera.

Documental imprescindible para los fans de Lennon y para todo aquél interesado en comprender la historia y la política del pais norteamericano,de la lucha por los derechos civiles y del movimiento antibélico o pacifista...además cuenta con una buena banda sonora compuesta casi en su totalidad por canciones del propio Lennon y reflexiona implícitamente sobre el asesinato de este mito del siglo XX.

La Reina Cristina de Suecia

Queen Christina, Rouben Mamoulian, 1933, EEUU, Greta Garbo, John Gilbert, Ian Keith.

El regreso de Greta Garbo después de un año y medio sin rodar ningún film es un drama romántico que no funcionó en taquilla dirigido por uno de los clásicos artesanos de Hollywood, Rouben Mamoulian, director que nunca dejó el teatro en el que comenzó. Precisamente, uno de los aciertos incontestables de la película que nos ocupa además de la presencia de "La Divina" es el gusto por los decorados y el vestuario tan teatral de Mamoulian, así como su brillante dirección de actores y su buen trabajo con la cámara.

Este vehículo para el lucimiento de la Garbo está inspirado y basado de manera lejana en la homónima Reina sueca del siglo XVII que abdicó para convertirse al Catolicismo y es muestra de la tremenda fascinación que la cámara sentía por la actriz de origen sueco. Greta Garbo domina la película de principio a fin y nos deleita con una interpretación plena de pasión, elegancia y energía...el magnetismo de Greta Garbo en todo su esplendor. Para quien no la conozca esta es una buena aproximación para comprender el mito creado en torno a esta mujer; no en vano, para muchos de sus seguidores ésta es su mejor película.

Es de destacar la interpretación del galán del cine silente John Gilbert en su penúltimo film, presencia impuesta por Garbo (ya habían colaborado anteriormente en tres películas) ya que la diva, según contrato, podía elegir los miembros del reparto y del equipo técnico (también escogió a su director de fotografía predilecto, William H.Daniels). Gilbert, máxima estrella muda que no pudo conseguir con éxito el paso al sonoro (dicen que algo tuvo que ver en esto su enfrentamiento con el todopoderoso productor Louis B.Mayer), le da buena réplica a "La Divina" y sus escenas juntos desprenden química, quizás porque habían protagonizado uno de los romances más sonados de la época.

La Reina Cristina de Suecia es recordada por dos escenas que han pasado a formar parte de la memoria colectiva de los cinéfilos: la primera en la que la Garbo acaricia todos los objetos de la habitación que comparte con Gilbert para retener en su memoria el momento de felicidad que está viviendo y la escena final en la que un primer plano de la actriz nos la muestra oteando el horizonte y su futuro.

Invasores de Marte

Invaders from Mars, William Cameron Menzies, 1953, EEUU, Jimmy Hunt, Helena Carter, Arthur Franz.

Clásico de la Edad de Oro del género de ciencia-ficción que no puede entenderse sin conocer el contexto político USA de la época y muestra de cine de Serie B emocionante aunque irregular, Invasores de Marte es una pequeña joya a revisitar cada cierto tiempo o a descubrir, según el caso.

Con la Guerra Fría como telón de fondo, la posesión de la bomba atómica por parte de la URSS desde 1949, el advenimiento en el poder de Mao ese mismo año en China y la recién terminada Guerra de Corea, sin olvidar la famosa Caza de Brujas instigada por el senador Mc Carthy, el americano medio estaba sumido en una suerte de paranoia que el género de ciencia-ficción supo trasladar a la pantalla, plasmando el subconsciente colectivo a través de invasiones alienígenas sutiles, no violentas, en las que los extraterrestres alienaban a los terrícolas, eliminando y tomando la voluntad de estos; es fácil extraer la metáfora y situar al peligro comunista como ser venido de otro planeta y a los habitantes de la Tierra como americanos...independientemente de la lectura política, estamos ante un tipo de cine realizado con bajo presupuesto y mucha imaginación, emocionante y en algunos casos muy brillante (La Invasión de los Ladrones de Cuerpos, por ejemplo). El exponente de este cine que nos ocupa no llega a las cotas de la película citada pero sí se constituye como un producto recomendable y que impresiona, en especial si se visiona de joven (seguro que gente que la ha visto en su infancia recuerda la película en la que un niño observa el aterrizaje de un platillo volante una noche de tormenta, las marcas en la nuca de los poseídos, etcétera).

Obviando la factura que le ha pasado el tiempo en cuanto a los efectos especiales, la caracterización de los mutantes (unos gigantones que visten una especie de pijamas) controlados por los súper-inteligentes marcianos, el minimalismo de los decorados de la nave espacial y el poco interés de la segunda parte de la historia resuelta de manera anodina y simplista, el film es un producto interesante (más que ello, si alguien siente debilidad por la ciencia-ficción) que demuestra el original sentido visual de Menzies, director artístico de enorme prestigio (ganador de 3 Oscar), pionero del uso del color y colaborador, autor o escenógrafo de los decorados de El Ladrón de Bagdad, Lo Que el Viento Se Llevó o la escena del sueño de Recuerda, sin olvidar su participación en Duelo al Sol y su debut en la realización en otro clásico de la ciencia-ficción (La Vida Futura). Sin duda el talento de Menzies es el valor añadido de Invasores de Marte...el aterrador sendero con su cerca y los árboles extraños, el largo pasillo de baldosas blancas y negras de la comisaría, elementos que beben del expresionismo y que sugieren una atmósfera surrealista y de pesadilla que domina la primera parte de la película, con una sensación de amenaza inexorable, de tensión cercana al terror y el uso de primeros planos (un alarde de economía puesto que señalan a los poseídos sin necesidad de invertir en maquillaje para caracterizarlos) nos demuestran el control sobre el lenguaje cinematográfico que poseía este realizador y la importancia que puede tener la escenografía para transmitir (en Menzies, tanto o más que la historia).

Lástima que la segunda parte de la película en la que parece que el poderío militar estadounidense es lo único que se quiere mostrar con reiterativas imágenes de archivo y que, además, cuenta con un "flash-back" final de puro "relleno", lastre el producto final resultando éste como meritorio y entretenido sin más, aunque tenga estatus de culto (no hay que olvidar el remake de Tobe Hooper de 1986).

La ultima incursión de Menzies en el campo de la ciencia-ficción es la exposición de la paranoia anticomunista norteamericana, caracterizada por la sospecha y la ansiedad retratadas con el temor al lavado de cerebro y el miedo a la amenaza que se esconde bajo una apariencia normal, desde un punto de vista político pero, desde el prisma artístico, cuenta con una primera parte notable cuyas notas denominadoras son el misterio, la intriga y el suspense acercándose al género de terror, sobresaliendo el halo de fantasía que le confieren los escasos decorados (extraordinariamente aprovechados) y el empleo de recursos cinematográficos como los efectos de sonido de la buena banda sonora de Raoul Kraushaar.

Sopa de Ganso

Duck Soup, Leo McCarey, 1933, EEUU, Groucho Marx, Chico Marx, Harpo Marx.

La última película del período Paramount de los hermanos Marx y última también en la que se contaba con la aparición de Zeppo Marx es la quintaesencia del humor "marxiano", un humor irreverente, surrealista y frenético. Plagada de innumerables gags y diálogos absurdos Sopa de Ganso es para muchos, entre los que me incluyo, la obra maestra del clan familiar.

Dirigida por Leo McCarey, realizador con experiencia en el campo de la comedia pues no en vano dirigió varios cortos de Laurel y Hardy con anterioridad y que supo granjearse una sólida trayectoria en los albores del cine sonoro (hasta ganó el Oscar a la Mejor Dirección por La Pícara Puritana en 1937), quien supo encauzar el torrente "marxiano" dotando a la obra de un valor añadido del que carecían las anteriores películas de los Marx, pero que, sin embargo, no evitó que el film cosechara pobres críticas y se constituyera en un fracaso comercial que posibilitó, en otro orden de cosas, la marcha de los hermanos a la Metro del avispado productor Irving Thalberg, el cual reorientó la carrera del irreverente clan hacia un tono más "normalizado" que los encumbraría tanto profesional como comercialmente, aunque sin llegar a los niveles de hilaridad de Sopa de Ganso, salvo quizás en Una Noche en la Ópera y algunos momentos puntuales de varios films.

Posiblemente el fracaso en taquilla de Sopa de Ganso se explique en el contexto de la época en que se realizó la película: crisis económica (Depresión) y política, con ascensión de regímenes totalitarios e implementación del New Deal y todo su sentimiento nacionalista que no casaban en absoluto con frases como la que le espeta Groucho a Harpo cuando éste tiene que salir del cuartel (algo así como: "mientras tu estés ahí fuera nosotros estaremos aquí tranquilamente pensado lo estúpido que eres"). Por suerte, en los años sesenta la película se re-descubrió y se situó en el lugar que merece...quizá la audiencia de tres décadas antes no estaba preparada para un humor tan crudo y salvaje como el que proponían los Marx y no fue hasta la "dulcificación" de este sentido de la comedia, ya en su período MGM, cuando consiguieron el fervor del público ya que aunque sus películas Paramount cosecharan por norma buenos dividendos no llegaron a recaudar las cantidades que sí consiguieron las que rodaron bajo el manto de Thalberg.

Esta mezcla de comedia física y de diálogo es una sátira sobre los totalitarismos y los dictadores (Mussolini la prohibió en Italia) que se convierte en farsa política de cariz antibélico y en crítica a la sociedad que no deja títere con cabeza: ni la diplomacia (relaciones internacionales), ni el sistema legal o judicial se salvan de las flechas del humor "marxiano".

Es de destacar la plena integración en la historia de los números/parodias musicales característicos de los Marx, a diferencia de lo habitual en sus films para la Metro en los que los solos musicales suelen ser anticlimáticos, así como la ausencia del sub-argumento romántico que también se convirtió en marca de fábrica en la etapa MGM de los hermanos.

La última película con absoluto protagonismo de los Marx (aparecen en casi todas las escenas, no hay sub-tramas con otros personajes) sirve de referencia para Woody Allen o los dibujos animados de Bugs Bunny y deja en la retina grandes momentos como la archifamosa escena del espejo (tomada del cómico francés Max Linder y de un corto de Laurel y Hardy dirigido por el propio McCarey) y un sinfín de situaciones y diálogos divertidos, además de emplear innovaciones tan interesantes respecto a, por ejemplo, el campo de los efectos especiales como el tatuaje del perro que cobra vida o, en el terreno del montaje, las imágenes de la movilización para entrar en la contienda bélica.