IMPRESCINEDIBLE

La Extraña Pasajera

2012-02-18T11:37:00.007+01:00

Now,Voyager,Irving Rapper,1942,EEUU,Bette Davis,Paul Henreid,Claude Rains.

Melodrama,melodrama,melodrama...La Extraña Pasajera es la quintaesencia de este género cinematográfico que integra en sus argumentos la novela romántica,el relato breve destinado al público femenino y el folletín victoriano.Y además,y como mandan los cánones,con absoluto protagonismo de la mujer cuyo sufrimiento sentimental es el foco principal de la narración y,encima,la fémina es encarnada por Bette Davis,posiblemente,la Reina del melodrama.

Sirva la introducción anterior de aviso para navegantes,estamos ante un producto que colmará las expectativas de los seguidores de la Davis y de los aficionados al género, sin olvidar a los "fans" de un Paul Henreid que da una más que correcta réplica a la diva.No obstante,el resto de personal debe tomar este filme con precaución pues su relevancia queda certificada,básicamente,por ser epítome melodramático y por las notables interpretaciones.Además de estos dos aspectos también son dignos de mención tanto la aportación de Orry-Kelly,el diseñador de vestuario más prolífico y reconocido de la Warner como la partitura del compositor que,probablemente,mejor comprendió el sentimentalismo exaltado del género,Max Steiner.Más allá de estos valores y de un par de creaciones que han pasado a formar parte del imaginario colectivo del cinéfilo como son la metáfora de las relaciones sexuales planteada con los cigarrillos y la frase final del filme,La Extraña Pasajera presenta una línea argumental que,en su segunda parte,se puede tildar,cuando menos,de forzada sino de rocambolesca,todo en aras de seguir deshenebrando y ahondando en los padecimientos románticos de la transformada Charlotte Vale.

No hay duda del acierto popular conseguido por la propuesta de Hal B. Wallis,uno de los grandes productores de la era del sistema de estudios,pues la película cosechó réditos en taquilla y fue nominada a tres Oscar,alzándose con uno por la banda sonora de Steiner(las dos nominaciones fueron para la misma Bette Davis y para Gladys Cooper por su papel de autoritaria matriarca) y,por supuesto,la obra ha pasado a los anales del género lacrimógeno.La historia de la transformación de la hija(o tía solterona) reprimida que acaba como todo un modelo de "glamour" y modernidad(no hay más que fijarse en el peinado precursor de Grace Jones que luce),cumple con todos los requisitos del melodrama y tiene en la actualidad una legión de admiradores,ahora bien,recomiendo a los que no se consideran muy afines a los postulados del género,se abstengan de acercarse a esta muestra de él.

En fin,drama sentimental solo para aficionados a este tipo de historias y ello pese a contar con un buen diseño de producción y una adecuada dirección de corte clásico a cargo de Irving Rapper además de las destacadas actuaciones,factores todos ellos que explican,en parte,la fama de la que disfruta esta producción excesiva en su propuesta sentimental y que,incluso,presenta una bochornosa imagen "cómica" en la figura del taxista brasileño,una muestra del estereotipo con el que el cine norteamericano ha despachado,mayormente,a otras culturas o países durante mucho tiempo.Lo dicho,sólo para amantes del género o de Bette Davis,una de las actrices más carismáticas,dentro y fuera de las pantallas,de la historia del cine.

Las imágenes se han encontrado en la red tras búsqueda con Google y se utilizan simplemente con fines de ilustración.Los derechos están reservados por sus creadores.

La Vida Privada de Sherlock Holmes

2012-02-14T17:23:00.011+01:00

The private life of Sherlock Holmes,Billy Wilder,GB,1970,Robert Stephens,Colin Blakely,Geneviève Page.

Aunque para muchos se cuente entre lo mejor de la filmografía de Wilder e incluso para algunos sea su mejor película,aportando estos con ello cierta originalidad o,quizás,demostrando el conocimiento sobre la obra del célebre realizador,La Vida Privada de Sherlock Holmes dista bastante de ser un film redondo pese a su prometedor inicio y queda lejos de obras como El Apartamento,sin ir más lejos.

Concebida por el director como una producción cercana a las cuatro horas-él mismo bautizó el proyecto como su sinfonía-,la película fue mutilada en la fase de postproducción,circunstancia muy a tener en cuenta a la hora de valorar y analizar la propuesta.Puede que en un momento de crisis generalizada de la industria cinematográfica-la United,distribuidora de esta película,cerró el año de producción de este filme con unas pérdidas récord de 45 millones de dólares,por ejemplo-,los hermanos Mirisch,productores que habían trabajado con cierta regularidad con Wilder,no se atrevieran a lanzar al mercado una película de las características pensadas por el director y decidieron ejecutar esta reducción en el metraje que lo deja en las dos horas escasas en su versión final,sensiblemente menor a la prevista por Wilder.Pese a ello,o quizás por ello,el filme se convirtió en mayúsculo fracaso en taquilla,circunstancia agravada por su costo total,en torno a los 10 millones de dólares.Estamos ante una de las películas que,junto con Chitty Chitty Bang Bang y La Batalla de Inglaterra,causó la reducción de la inversión que la United Artists emprendió en la década anterior en Gran Bretaña.

La humanización del famoso detective creado por Conan Doyle que aquí consigue Wilder nos ofrece otra perspectiva del mito pero queda lejos de ser la investigación profunda sobre el personaje que,según el mismo realizador,buscaba alcanzar.Las explicaciones fáciles a la misoginia con que se caracteriza al investigador y con las que se despacha su presunta homosexualidad no ayudan a lograr la meta impuesta.Aún así,es cierto que el relato se tiñe de cierta melancolía al descubrir a un Holmes terrenal y falible que reduce la eficacia de su mente racional cuando se ve envuelto sentimentalmente en el caso a investigar y,en este sentido,Wilder logra mostrar el lado humano del personaje especialmente al principio de la historia y en su conclusión.Sin embargo,el retrato pudiera haber sido más trascendente sino se hubiera optado por seguir una línea argumental centrada en una aventura de misterio que pese a contar con elementos prometedores como una mujer amnésica,unos enanos desaparecidos y el monstruo del Lago Ness no acaba de funcionar quedando el filme a caballo entre una aventura "holmsiana" sin demasiado interés y una potencial representación honda del detective.

Esta película,revalorizada con el paso del tiempo hasta alcanzar una enorme reputación en el mentidero cinematográfico,despliega una exuberante y magnífica ambientación corriendo el diseño de producción a cargo del gran Alexandre Trauner(la recreación del conocido piso que Holmes y Watson comparten en Baker Street guarda notable parecido con el apartamento que C.C.Baxter prestaba a sus jefes para que estos mantuvieran sus citas extramatrimoniales,obra también del francés),colaborador en algunas películas de Wilder como también lo era,de manera habitual desde mediados de los 50,el guionista I.A.L.Diamond quien ayuda al director a escribir esta comedia que no despliega la acostumbrada acidez de ambos,quedando la supuesta subversión de los temas relevantes propuestos(la adicción a la solución de cocaína y la orientación sexual del detective) como antigua,incluso para los tiempos en que se rodó el filme.

La sinfonía "wilderiana" incompleta que nos ha quedado está interpretada por un actor de enorme prestigio en el teatro británico,y que está extrañamente maquillado,Robert Stephens,cuya trayectoria teatral queda patente,para otorgar matices,en su encarnación de un Sherlock Holmes afectado y diferente,sin duda,a las más de doscientas caracterizaciones que se han hecho de él a lo largo de la historia del cine.

Las imágenes se han encontrado en la red tras búsqueda con Google y se utilizan simplemente con fines de ilustración.Los derechos están reservados por sus creadores.

Un Marido Rico

2012-02-08T23:46:00.008+01:00

The Palm Beach Story,Preston Sturges,1942,EEUU,Claudette Colbert,Joel McCrea,Rudy Vallée.

Unos originales,reconocidos y comentados títulos de crédito que se desarrollan al son de una revisión de una ópera de Rossini,dan inicio a esta comedia alumbrada por Preston Sturges,uno de los realizadores más singulares que ha dado Hollywood,un director que en apenas un lustro,desde 1940 a 1944,concibió una serie de películas que atacaban los cimientos de la sociedad estadounidense y que supo crear,sin duda,un estilo particular aunque se moviera en plena época del sistema de estudios.El control creativo del que disfrutó-al menos hasta este filme-,originado por el enorme prestigio cimentado en la década de los 30 por su labor como guionista,le permitió desarrollar una lista de comedias en el quinquenio mencionado que lo catapultan a la condición de clásico del género y ello pese a que su obra deja un tanto dislocado al espectador.

Aunque su estatus la sitúe por debajo de Los Viajes de Sullivan,la producción inmediatamente anterior de Sturges,Un Marido Rico pasa por desarrollar muchos de los elementos presentes en el Libro de Estilo del director y guionista y es,por tanto, una buena opción para adentrarse en el universo del mismo:la sátira hacia la cultura de su país,el ritmo desenfrenado o la aparición de excéntricos personajes son marca de fábrica,entre otros aspectos,del cine peculiar de este hombre también curioso (un rápido vistazo a su biografía nos desvela sus pinitos como inventor y el transcurso de su adolescencia a caballo entre Europa y los EUA,rodeado de las amistades de su bohemia madre).La maestría en presentar y poner en evidencia totems de la sociedad estadounidense como el matrimonio o en retratar el papel que juega el sexo en la misma,queda patente en los primeros minutos de este filme.Y es que Sturges poseía una rara habilidad para exponer temas importantes de manera sutil,cualidad que le permitía,asimismo,hilvanar historias eludiendo el largo tentáculo de los censores.En esta ocasión,la narración ofrece una mirada cáustica,quizá basada en la experiencia propia del realizador,sobre el matrimonio (es clarificador a este respecto el título que pretendía poner Sturges a la película,Is Marriage necessary?) pero también respecto a la búsqueda del dinero como base de la obtención de la felicidad y a la utilización del sexo como motor de intercambio para conseguir ese confort material,en definitiva,la película pone sobre el tapete el poder del parné y de la carne;asuntos de capital importancia que se desenvuelven bajo la apariencia de una alocada comedia.

La subversión que Sturges ejecutara en Las Tres Noches de Eva respecto a la inversión de los roles de género de la sociedad patriarcal,sigue produciéndose en Un Marido Rico y otra nota característica de su idiosincrasia como es el retrato que ofrece de las clases altas las cuales son presentadas como gente ociosa y frívola alejada de la realidad,también está presente en esta historia.Sobre este particular quizás se pueda rastrear cierto elemento autoparódico ya que el propio Sturges pertenecía a una familia acomodada y podía saber de primera mano los usos y costumbres de tipos como John D. Hackensaker III,el millonario que encarna de manera magnífica,descubriendo su vis cómica,el primer crooner oficial,Rudy Valée.También aparece en esta película el sentido homenaje que suele incorporar Sturges al mudo introduciendo dosis de slapstick además de otro elemento muy característico del director como es la creación de personajes estrambóticos que en ocasiones resultan,incluso,excesivos al igual que ciertas situaciones absurdas desarrolladas con ellos que pueden derivar en envejecidas y forzadas.No podemos dejar de mencionar la fidelidad que este realizador predicaba respecto a un grupo de actores a los que solía emplear en sus películas entre los que se cuentan William Demarest,Franklin Pangborn y Esther Howard y que aquí también aparecen como no podía ser de otra manera.

Un Marido Rico puede verse como muestra representativa de la obra de Sturges,un cineasta al que cualquier aficionado al cine que se precie debe acercarse alguna vez y eso teniendo presente que las películas que concibió,especialmente en aquel período de hiperactividad,es recomendable visionarlas más de una vez para poder apreciarlas,dando cuenta este detalle de la originalidad y el ingenio de sus propuestas que,por otra parte,hacen tambalearse los pilares básicos sobre los que se sustenta la sociedad norteamericana.

Las imágenes se han encontrado en la red tras búsqueda con Google y se utilizan simplemente con fines de ilustración.Los derechos están reservados por sus creadores.

Tierra de Faraones

2012-02-02T21:24:00.008+01:00

Land of The Pharaohs,Howard Hawks,1955,EEUU,Jack Hawkins,Joan Collins,James Robertson Justice.

Cinta de aventuras que se enmarca en el período en el que el cine intentaba hacer frente a la amenaza de la televisión utilizando de manera decidida y definitiva recursos como la pantalla panorámica o el color.Batalla,por otra parte,que el Séptimo Arte ha seguido librando con ese u otros enemigos y que ha permitido la búsqueda de reclamos constantes para atraer al público,a este respecto veáse el reciente "nuevo boom" de las producciones 3-D que también estaban en boga por aquellas fechas.Para ilustrar la situación comentada no hay nada mejor que recordar algunas de las innovaciones que la Warner,el estudio que distribuyó este film,intentaba poner en liza a mediados de los años 50 del siglo pasado:en 1953,estrenó cuatro producciones en 3-D(por cierto,que el interés tridimensional duró bien poco en aquella ocasión pues Crimen Perfecto,rodada un año más tarde,ya se proyectó principalmente en versión normal dado el poco éxito comercial del producto);además,y sólo estamos refiriéndonos a un estudio(eso sí,un "major"),la Warner puso en liza su nuevo procedimiento estereofónico-WarnerPhonic- y desarrolló el Warner Color a partir del Eastman Color.Aunque es cierto que la joya de la corona fue el Cinemascope,pese a durar, también,más bien poco,de hecho el estudio abandonó este formato en 1956,concentrando en un par de años todas las producciones en las que lo utilizó con mayor o menor resultado en taquilla.De todas formas,la compañía pese a su relativo éxito con el Cinemascope(Ha Nacido Una Estrella) o el 3-D (Los Crímenes del Museo de Cera),obtuvo mejores beneficios con sus incursiones televisivas que se iniciaron a mediados del decenio reseñado ya que la filmación de estos programas de televisión basados en películas de propiedad propia como Casablanca,era barata y rentable.

Situada Tierra de Faraones en el contexto apuntado,es obligado recordar que aquellos años estuvieron dominados asimismo por un retorno a las epopeyas bíblicas o de época que tanto popularizó el pionero Cecil B. DeMille en el cine mudo,tipo de films que el propio DeMille seguiría desarrollando con la llegada del sonoro y que en el decenio de los cincuenta tuvieron otro ciclo glorioso como se apunta.Así pues,esta película se inserta,por un lado,en un entorno de innovaciones y,por otro,en un,podríamos llamar,resurgir de las aventuras épicas en el cine,con el fin ambas coordenadas de recuperar afluencia de espectadores en las salas.

Pieza extraña y un tanto olvidada o,si se quiere,menospreciada en la filmografía de uno de los directores más versátiles de todos los tiempos,Howard Hawks,este relato que nos acerca al Egipto de los faraones y las pirámides constituyó un fracaso mayúsculo en el momento de su estreno quizás por incluir un único duelo a espada en lo que se supone es una película de aventuras o,pudiera ser,por su ritmo lento,tan impropio de Hawks,un realizador que se caracterizaba por la rapidez que imprimía a sus películas.Sea por lo que fuere,la propuesta de Tierra de Faraones que combina el género de aventuras con las intrigas palaciegas perdió en torno a cuatro millones de dólares.

Realmente Hawks,que aún sería capaz de rodar posteriormente filmes tan interesantes como El Dorado o Su Juego Favorito,apenas puede esbozar en el desarrollo del soso guión,trazos de algunos de los elementos que dan vida al conjunto de su obra,poblada ésta de monumentos al valor de la amistad(aquí de manera pálida se plantea en la relación del faraón con su sacerdote) o por la que desfilan personajes femeninos activos y vitales.De hecho con la entrada en la narración de la Princesa Nellifer,la película cobra algo más de dinamismo,elevándose su ritmo de manera notable en el último tercio y asemejándose más al habitual del realizador.No obstante parecer encorsetado por las exigencias del Scope y las obligaciones de mostrar la ingente cantidad de extras utilizados para rodar(la Warner presumía de emplear en algunas escenas cerca de 10000),Hawks consigue realizar una epopeya bastante más liviana que otras más reconocidas y recordadas hoy en día,también rodadas en aquellos años.

En fin,un Hawks menor,relativamente entretenido y bastante alejado de sus presupuestos estilísticos dirige una aventura que avanza con lentitud,recreándose en los aspectos inherentes a este tipo de superproducciones de época que destacaban por aquellos tiempos en el cine de Hollywood,hasta su parte final en la que los acontecimientos se desencadenan con un ritmo más acorde al género de aventuras y al propio estilo dinámico del director.Y esto ocurre,precisamente,cuando otra de las constantes vitales "hawksianas" puede hacer acto de presencia e insuflar hálito a la narración:la fuerza del personaje femenino que,en esta ocasión,encarna la joven y voluptuosa-pese al maquillaje-Joan Collins con un papel que preludia su más famosa caracterización de Alexis Carrington/Colby en la exitosa serie de televisión Dinastía.

Las imágenes se han encontrado en la red tras búsqueda con Google y se utilizan simplemente con fines de ilustración.Los derechos están reservados por sus creadores.

¡Qué Verde era mi Valle!

2012-01-28T14:57:00.011+01:00

How green was my valley,John Ford,1941,EEUU,Walter Pidgeon,Maureen O'Hara,Donald Crisp.

La polémica histórica que acompaña a este filme por su consecución del Oscar a la Mejor Película en el año en el que participaba la ínclita Ciudadano Kane y/o,sin ir más lejos,el mito fundacional del género negro,El Halcón Maltés,no es óbice para reconocerla como una muestra del genio de uno de los grandes directores que ha dado el cine.El universo "fordiano",pleno de una apabullante sensibilidad visual,se despliega con naturalidad en esta historia que adapta la exitosa novela homónima de Richard Llewellyn,material que permite a Ford explorar muchos de los elementos característicos de su filmografía,entre otros, las relaciones entre el hombre maduro y el joven (niño,en este caso),el peso de la familia y la lucha contra la adversidad que tienen que librar muchos de sus personajes.Sin duda que esta película podría ser una de las mejores elecciones para acercarse al trabajo de este realizador famoso por sus Westerns(algo de lo que estaba especialmente orgulloso si consideramos como se autopresentaba:"Me llamo John Ford y hago películas del Oeste") pero cuya trayectoria sobrepasa ese género y lo confirma como uno de los grandes maestros del medio.

Rodada en un período que podríamos definir como de llegada a la madurez del realizador quien había dirigido el año anterior Las Uvas de la Ira y dos años antes La Diligencia,¡Qué Verde era mi Valle! descolla por su emotivo poder visual,volviendo a poner de relieve la profunda sensibilidad del director,capaz de crear composiciones que podrían configurar una exposición fotográfica pero a las que generalmente añade una carga emocional significativa,superando el mero ejercicio técnico.El aspecto visual del filme no es,ni mucho menos,el único ingrediente del cine "fordiano" que nos encontramos aquí ya que es acompañado por otras características que aparecen en el conjunto de su obra,algunas de las cuales ya han sido nombradas más arriba,y de entre las que me gustaría destacar la habilidad del director en describir y transmitir el sentimiento de comunidad,yendo más allá del trazado de un cuadro costumbrista (que él mismo había desplegado años antes en El Juez Priest,por ejemplo),estado emocional difícil de lograr y que Ford consigue con aparente pasmosa facilidad.

Es cierto que el relato,en ocasiones,adolece de un sentimentalismo exagerado,algo explicable,quizá en parte,por su carácter de superproducción émula de Lo Que El Viento Se Llevó,condición ésta truncada por la II Guerra Mundial que imposibilitó el rodaje en las localizaciones previstas en Gales y originó el descarte de utilizar el color para abaratar costes por parte de la Fox.No obstante la presencia de elementos excesivamente dramáticos en momentos puntuales,el aura de nostalgia evocadora que impregna todo el relato,capital para el desarrollo del mismo,es conseguida por Ford de manera excelsa expresando el sentimiento de añoranza sin edulcorantes sentimentales y dotándolo de una presencia etérea y constante.A quien le parezca almibarada esta añoranza sólo cabría preguntarle si alguna vez ha escuchado a sus abuelos.

La capacidad de conmover puesta en liza por Ford y la maestría que despliega en hacer comprender al espectador los sentimientos de los personajes,todo ello utilizando los recursos del medio cinematográfico,quedan logradas en esta historia humana de pérdida de la inocencia.La narración expone una época de cambios sociales a través de la desintegración familiar y permite introducir pilares temáticos básicos del director como el amor a la tierra o el protagonismo de la familia y otros aspectos temáticos recurrentes en la filmografía "fordiana" como las referencias a cuestiones político-sociales (emigración,sindicalismo) que aunque aquí no se desarrollen en toda su potencionalidad quedan apuntadas.Aspectos primordiales del corpus "fordiano" que se complementan con la intensa sensibilidad estético-visual del realizador que consigue construir,mediante la cuidada composición de las imágenes,la sensación de cohesión en la comunidad,por una parte,y ,por la otra,tiñe el relato de remembranza melancólica.

El apabullante dominio de los mecanismos de expresión del medio del que hace gala Ford se corroboró con las positivas críticas recibidas (culminadas con la consecución del Premio de la Crítica de Nueva York) mientras que el éxito de público se remató con la obtención de cinco galardones Oscar,entre ellos,el nombrado al principio de Mejor Película.

El sello personal de John Ford domina esta producción en la que también destacan los magníficos decorados de Richard Day:la creación de un aura onírica y/o de "cuento" que irradian deviene ideal a la evocación del tiempo pasado y al aura de añoranza que sobrevuela la narración.Por otra parte,la poesía visual de Ford se apoya en el brillante trabajo del operador Arthur C. Miller y ,como curiosidad,no se puede olvidar la irrupción de Roddy Mc Dowall(al que muchos recordarán como Cornelio en El Planeta de Los Simios) en el papel que lo presentó al gran público.

Las virtudes de ¡Qué Verde Era Mi Valle! sobrepasan a sus deméritos de manera holgada y ni el exagerado sentimentalismo de algunos momentos,ni el considerarla como una película menor con respecto a Ciudadano Kane (sino quiere ser uno tildado de hereje) pueden dejar de desaconsejar la visión de este filme,prueba del talento de uno de los directores más importantes de la historia del Cine,para evocar sentimientos y conmover.

El Increíble Hombre Menguante

2012-01-15T11:36:00.013+01:00

The Incredible Shrinking Man,Jack Arnold,1957,EEUU,Grant Williams,Randy Stuart,April Kent.

Absoluto clásico de la ciencia-ficción que traspasa los limites del género para constituirse como verdadera obra maestra del cine,imperecedera y de total vigencia.Una demostración de la capacidad para superar las limitaciones presupuestarias a través de la imaginación y la creatividad,combinadas con el dominio de ciertos elementos técnicos que,en ocasiones,posee la serie b y que permite concebir y acabar filmes tan grandiosos como este desde sus modestos parámetros.

La confluencia de dos de las personalidades más reconocidas en el campo de la fantasía científica cinematográfica,el director Jack Arnold y el escritor Richard Matheson,posibilitan sin duda el éxito final del producto.El primero,digno heredero en la década de los 50 en la Universal del mismísimo James Whale,firmó además de esta cima del género otras películas de culto (La Mujer y El Monstruo,Tarántula) y respecto al segundo...Richard Matheson es una figura legendaria y de magna influencia en el ámbito de la ciencia-ficción,uno de los grandes creadores del campo cuyo genio está detrás de algunas obras capitales en el devenir de este género,como la que nos ocupa,por ejemplo, y esto sin olvidar sus contribuciones en el campo del terror.A este respecto no hay más que recordar sus novelas Soy Leyenda o La Casa Infernal,su colaboración en series míticas de la TV (En Los Límites de la Realidad) o hacer referencia a sus guiones cinematográficos(El Diablo sobre ruedas-Spielberg le estará eternamente agradecido-,La Comedia de los Terrores).Para El Increíble hombre Menguante,el mismo escritor se encarga de adaptar su novela,obviando algunos aspectos más o menos relevantes de la trama,cuento terrorífico con reminiscencias kafkianas que a través de la lente de Jack Arnold se convierte en una alucinante y extraordinaria aventura de ciencia-ficción especialmente en su segunda parte.Antes,en la primera,la recreación del paranoide miedo a la era atómica que se sentía en aquella época en el seno de la sociedad estadounidense sirve para mostrar la fragilidad de la clase media americana y desnudar su espectro psicológico,funcionando el empequeñecimiento del protagonista como metáfora de emasculación y representación de pérdida de funcionalidad -productiva-para la comunidad.La conclusión metafísica del relato que en la película se enmascara,por expreso deseo de Arnold,bajo un manto religioso,incluye la sensación de peligro,antes citada,respecto a la radiactividad que experimentaba la sociedad americana;sin duda,esta neurosis unida a la histeria frente al comunismo fue pilar fundamental en el desarrollo del género "fantacientífico" el cual vivió entre las décadas de los 50 y 60 su momento de máximo esplendor.

En la cúspide de este género se sitúa la historia de Scott Carey cuya aventura se construye desde una asombrosa puesta en escena y está repleta de notables trucos de fotografía (aunque es cierto que hoy en día el espectador está acostumbrado a niveles excelsos de FX y puede detectar en demasía las exposiciones) y un grandioso juego con las perspectivas de los objetos y decorados,si bien en este aspecto en cierto momento del filme quedan un tanto desproporcionadas (detalle que se agrava con el doblaje al castellano puesto que existe una diferencia importante-alrededor de 30 centímetros más- en la estatura que mide el protagonista según la versión doblada respecto a la original),pequeño desliz que se compensa por la excelencia que alcanzan los elementos que aparecen en la segunda parte del relato.El diseño de producción,desde los mencionados elementos hasta el característico blanco y negro conseguido pasando por la eficiente partitura,logra un acabado maravilloso que eleva aún más la calidad del guión de Matheson.

El relato que parte de una premisa argumental totalmente alejada de la realidad y que se inscribe dentro del subgénero de las mutaciones (radiactivas),contiene temas morales básicos y universales como la relación del ser humano con su entorno o la posición que las personas ocupamos en o respecto de la Naturaleza.La increíble peripecia del hombre que mengua el cual sufre la pérdida de su lugar en la sociedad,consecuencia de su privación funcional-productiva al no poder trabajar y,por tanto,dejar de ser el cabeza de familia,emplazamiento social que solo parece poder recuperar como especie de atracción de feria,se ha entendido en su primera mitad como radiografía de la clase media -blanca- norteamericana pero es su espectacular y excitante segunda parte la que la catapulta hacia su condición de Obra de Arte y deviene en una de las mejores aventuras de la ciencia-ficción jamás rodadas.

Sirve de corolario al sólido y consistente guión y a la eficaz narración cinematográfica,la ejemplar descripción de los estadios mentales por los que atraviesa el protagonista tras su contaminación,claves para comprender su odisea y evolución.Dichas etapas se deslizan desde la extrañeza inicial,la negación posterior,el aislamiento voluntario y/o forzado dominado por la resignación que desemboca en ira,hasta su término en la segunda mitad del relato,después de un breve paréntesis de esperanza-con un guiño fabuloso a Tod Browning-,consistente en el más puro horror que siente el hombre empequeñecido,abocado a una nueva condición en la que se halla despojado de toda protección posible y enfrentado a un desconocido,nuevo y hostil mundo en el que debe aprender como desenvolverse.Algo que aprende,como conclusión final,gracias a una determinación que lo lleva a aceptar con un halo de esperanza el nuevo escenario de su vida y su posición en el universo.El soliloquio existencialista que concluye el filme parece afirmar el relativismo del ser humano en el cosmos y/o respecto de la Naturaleza (incluso con/a pesar de la mencionada inclusión del mensaje religioso-conservador).

En esta absolutamente imperecedera película justo es acordarse de todas aquellas personas que llevaron a término el magnífico diseño de producción en el que descollan los extraordinarios decorados pero también destacan los trucos fotográficos o la misma fotografía o la eficaz partitura.Todo el personal involucrado en el proyecto logra aumentar la calidad del ya de por si elevado material que concibió Matheson.Asimismo es notoria la aparición,con un rol significativo en la trama,de la estrella felinaOrangey,que años después repetiría con un guión del mismo autor(la citada más arriba La Comedia de los Terrores).Una gran película de ciencia-ficción que consigue captar la atención del espectador,que deja imborrables imágenes para el recuerdo y que es reivindicada por su ingente legión de seguidores como verdadera pieza maestra de la ficción fantástica y que,por fin,podemos encontrar desde Agosto del año pasado en formato dvd.Obra de culto e,indudablemente,parada obligatoria no ya únicamente del género sino,también,del cine.

Las imágenes se han encontrado en la red tras búsqueda con Google y se utilizan simplemente con fines de ilustración.Los derechos están reservados por sus creadores.

Los Viajes de Sullivan

2012-01-10T11:11:00.015+01:00

Sullivan's Travels,Preston Sturges,,1941,EEUU,Joel McCrea,Veronica Lake,Robert Warwick.

Durante la primera mitad de los años cuarenta del siglo pasado Preston Sturges alumbró una serie de comedias cuyas situaciones se desarrollan con gran celeridad y pobladas de personajes excéntricos,películas que satirizan la sociedad estadounidense de la época y que,hoy día,son consideradas como absolutos clásicos del género.Para quien nunca se haya adentrado en el universo de Sturges hay que advertir que éste es dislocado y,en ocasiones,desorienta al espectador-llegando incluso a subvertir los parámetros del subgénero screwball como en Las Tres Noches de Eva,para muchos su obra maestra- pero siempre captura una radiografía de la cultura de su país con inteligencia mordaz.Sturges fue una de las personalidades creativas más importantes y famosas de aquella época y su éxito al rodar sus propias historias-harto de que los directores no utilizaran su material como él consideraba que debían rodarlo- desbrozó el camino para que otros como Wilder,Huston y Mankiewicz lo siguieran y dieran el paso a la dirección.En este sentido a Sturges hay que reconocerle su condición de pionero ya que pasó de reputado guionista a reconocido director de sus guiones,convirtiéndose por ello,en uno de los primeros autores del sistema de estudios.

La brillante Los Viajes de Sullivan,un filme de una inteligencia pasmosa,es una buena muestra para acercarse al mundo de este realizador que murió en el olvido y cuya obra ha gozado de una revalorización relativamente reciente,pues en este film se dan cita muchos de los elementos que componen el "corpus" de su filmografía desde el estupendo trazo con que define a los personajes secundarios hasta las disparatadas situaciones planteadas punteadas algunas de ellas con dosis de slapstick,así como también están presentes las constantes referencias ingeniosas y alusiones al "modus vivendi" americano y/o a su cultura.Sin duda,en esta película confluyen en mayor o menor medida y con mejor o peor fortuna (la escena del más puro humor físico de la caravana no ha envejecido bien),los ingredientes que condimentan los platos servidos por Sturges y entre ellos siempre ha ocupado lugar preeminente la ambivalencia de la cual este peregrinar emprendido por el álter ego del realizador,John L. Sullivan,está colmado ya que su mensaje escapista parece meridiano pero,si enfocamos con otro prisma,la tonalidad del filme parece dominada por un resignado pesimismo.Los Viajes de Sullivan se conforma como defensa del escapismo pero también como cine social hecho sin solemnidad,toda una demostración de la habilidad de su director y guionista para esbozar un semblante de la pobreza sin ningún atisbo de pretenciosidad.Para algunos puede resultar un ejercicio frívolo y sin profundidad,pero es innegable que las miserias de la sociedad americana quedan expuestas y la posición de aquellos que pretenden hacer arte de ellas queda retratada con suave agudeza por lo que la película alcanza una dimensión que sobrepasa el hedonismo al uso.De paso la crítica ácida se expande hacia el mismo "mundillo" de Hollywood que es descrito,de manera elegante,como veleidoso y ávido de rédito económico.Como vemos la dicotomía a la que se enfrenta el protagonista de la historia,disfraza un campo de batalla que va mucho más allá del enfrentamiento "cine comercial" vs. "cine artístico" y trasciende el simple ejercicio de (pretendida) autojustificación por parte de Sturges hacia su propia carrera cinematográfica,con el que podríamos despachar esta extraña comedia,tan característica de este realizador.

En la divertida y conmovedora película no únicamente conviven la comedia y el drama sino que Sturges introduce segmentos de muchos otros géneros con lo que se confirma el tipo de cine tan personal que concebía.Escritor brillante con gran habilidad para sortear a la censura (los personajes principales se acuestan y duermen juntos pese a que según el estado civil de ambos- él está casado-no estaba permitido por el Código Hays) y dotado de una terrible y particular inventiva(el nombre del autor del libro que quiere adaptar Sullivan es un revuelto del de los escritores "sociales" John Steinbeck y Sinclair Lewis) que le permite reflexionar con acidez sobre la moral y los valores de su país,Preston Sturges homenajea a los grandes cómicos de la historia con esta película y,además,desmonta el sueño americano al constatar el hermetismo entre las clases sociales en los EUA ya que,según nos dice,a los pobres y desheredados sólo les queda la risa como recurso.El cine puede convertirse en instrumento para alcanzar ese efímero estado de felicidad o,cuando menos, de olvido de las miserias diarias.¿Defensa del más puro escapismo y mantenimiento del "status quo" o confirmación de un resignado pesimismo frente a una situación que parece inamovible?.

La travesía de Sullivan responde de manera ambivalente al interrogante planteado pero esto no es óbice para disfrutarla como buen ejemplo de cine ingenioso,fresco y sorprendente,digna representación del estilo de Sturges quien siempre presta una cuidada atención al detalle e introduce unos ricos personajes secundarios que completan la irreverente sátira de la sociedad estadounidense escondida bajo la apariencia del más liviano de los apólogos.

Nota:Las imágenes aquí reproducidas así como las utilizadas en las demás páginas de este blog,se han encontrado en la red tras búsqueda con Google y se utilizan simplemente con fines de ilustración.Los derechos están reservados por sus creadores.

¿Fauna autóctona o bestiario medieval?

2012-01-06T00:07:00.006+01:00

La noche del cazador de Charles Laughton es, sin duda, una creación fílmica sorprendente, entretenida y muy elaborada. Entre los muchos aspectos que ponen de manifiesto el cuidadoso detalle con que fue gestada, destaca el uso abundante y acertado de la iconografía cristiana. La fuerte religiosidad de su guionista y probablemente su naturaleza narrativa con un lenguaje fantástico a modo de cuento para niños (en realidad, no tan niños) dotan a esta historia de un marcado carácter moral con moraleja incluida sobre la apariencia y la autenticidad de la bondad y la maldad.

Más allá de que su protagonista, Robert Mitchum, encarne a un predicador, quien encuentra en el lado más arcaico de la religión la justificación de sus actos, y que su alter ego, Lilian Gish, represente la vertiente humana, comprensiva y filántropa propia de la verdadera moral cristiana, el filme se encuentra lleno de guiños visuales a las representaciones propias del arte y la literatura cristianas (tómese como ejemplo la imagen virginal con la que se muestra la inocencia y martirio de la madre una vez convertida en esposa del predicador).

Ahora bien, entre estos aspectos nos resulta interesante resaltar la presencia de la iconografia del bestiario medieval en la escena del viaje en barca por el río que emprenden nuestros protagonistas. Al menos, ésta interpretación tiene a nuestro parecer.

Siguiendo el modelo del Physiologus, los bestiarios medievales se concebían como narraciones reales o de ficción en las cuales se insertaba historias y fábulas a modo de las parábolas que Cristo transmitió en los evangelios. En estos libros los animales se nos presentan formando parte de un universo creado por Dios, es decir, sagrado, de manera que su aspecto físico y su comportamiento se corresponden con un significado religioso y moral. Estos animales, signos divinos, nos ayudan pues a descifrar su poder y seguir el camino de la salvación. Y es precisamente este camino el que recorren en barca John y Pearl, huyendo de la maldad encarnada por el persistente reverendo Powell y dirigiéndose, aún sin saberlo, hacia los brazos salvadores de Lilian Gish quien les enseñará los valores para crecer adecuadamente siguiendo los pasos mostrados en los textos bíblicos.

En el primer viaje, la barca se arrastra corriente abajo custodiada por seis tipos distintos de animales: la araña, el sapo, la lechuza, la tortuga, la liebre y el cordero. Frecuentemente la crítica ha observado en esta escena una simple muestra de la flora y fauna autóctona del lugar en el que se desarrolla la acción. Nosotros hemos querido echar un vistazo a la interpretación que en los bestiarios se hace de cada uno de estos animales. La araña, animal emblemático en muchas culturas y generalmente asociado a los demonios femeninos, se vincula al mundo de la magia obscura. Los sapos, seres también demoníacos, representan la avaricia, pecado que llevará al predicador hasta su fatal destino. Por el contrario, las lechuzas, así como los búhos, representan a Cristo quien adora la obscuridad de la noche porque desea que los pecadores se conviertan mientras huye de la luz entendida como vanagloria. En cuanto a la tortuga, se la relaciona con la pereza (John dormita en la barca no consiguiendo alejarse lo suficiente de su cazador) y a la liebre con el conjunto de animales impuros. Finalmente, volveríamos a encontrar a Cristo en la figura del cordero vigilante.

Por otra parte, podemos cuestionarnos si es casual que este viaje se recorra precisamente en barca, elemento simbólico básico en la mitología como nos ejemplifican Perseo, Osiris, Sargón, Caronte o Karna. También en el mundo cristiano se encuentra su paralelismo en las figuras de Noé o Moisés, este último citado varias veces por la anciana protectora como un modelo de conducta. Además, debemos tener presente que para el simbolismo, el agua representa el nacimiento y la regeneración. En La noche del cazador, a través del viaje por el río los niños, especialmente John, emprenden un camino hacia la maduración y el conocimiento, estando más preparados al desembarcar para entrar a formar parte del mundo de los adultos (no olvidemos, por otra parte, que estamos hablando de un cuento de hadas fílmico).

Pero volviendo a la idea del viaje, recordemos que tras un primer intento de huida nuestros protagonistas desembarcan en una granja, lugar en el que ven - a través de un preciosísimo plano- un pájaro,que a pesar de estar enjaulado, les invita con su canto a descansar tranquilos. Si de un jilguero o gorrión se tratase, simbolizaría según los bestiarios la esperanza. Curiosa y hábilmente el guionista acompaña la escena con la pregunta de Pearl a su hermano:"¿Vamos a volver a casa?". Ahora bien, este momento de reposo se turba cuando John otea de nuevo desde el granero acercarse la figura del predicador y, asustado, decide de nuevo huir regresando a la barca. En este segundo viaje, los niños se cruzan con una rabosa, de nuevo un animal impuro asociado a la maldad, aunque su imagen queda pronto cubierta por el canto de un gallo cuya voz matinal nos despierta del sueño como Cristo triunfante nos libera de las tinieblas de la noche.

Por fin, los pequeños llegan a la orilla donde pronto encontrarán la fuerza para vencer al mal y la paz para crecer honradamente, convirtiéndose en "discípulos" de la bondadosa y auténtica creyente interpretada notablemente por Lilian Gish, cuya visión de la mujer y su "extraña" afición por las manzanas nos darían pie para otras tantas líneas pero que, de momento, os dejamos para la reflexión y, para aquellos que todavía no la habéis visto, para el disfrute.

Lío en Río

2012-01-05T20:17:00.006+01:00

Blame It on Rio,Stanley Donen,1984,EEUU,Michael Caine,Joseph Bologna,Valerie Harper.

Vapuleada por la crítica norteamericana,la despedida de la gran pantalla de Stanley Donen,realizador recordado y reconocido especialmente por sus musicales(Cantando Bajo La Lluvia,Un Día en Nueva York) pero también por sus comedias(Charada),sí obtuvo un pequeño éxito comercial.Es posible que el tema escogido y su desarrollo,poblado con un relativamente alto contenido sexual,escandalizara a la puritana sociedad americana;en este sentido,se incluye una escena con un desnudo frontal protagonizado por la voluptuosa Michelle Johnson,actriz que ha seguido una irregular trayectoria en producciones de Serie B y en la TV.La sospechosa influencia de la temática en la hostil recepción del filme de Donen en su país se corrobora con la igualmente fría acogida que tuvo la película francesa de Claude Berri en la que se basa,producida pocos años antes.

El tema propuesto como base del enredo que origina las situaciones más o menos divertidas de esta comedia quizá sea demasiado serio para tratarlo en clave de farsa pero es innegable el saber hacer de Donen que eleva la calidad del endeble guión,co-escrito por Larry Gelbart y Charlie Peters,con su sentido de la comedia clásica americana.Antes de la forzada conclusión-aunque interesante ya que plantea posibilidades maduras de perdón-la película desgrana momentos graciosos servidos mayormente por la dupla protagonista Caine-Bologna que componen sus personajes con acierto.

La última película de Stanley Donen se maneja en un terreno por el que el director tiene gusto y dominio y añade un perfil "ochentero" con los desnudos que aparecen a lo largo del metraje,a los que la localización en Río de Janeiro les sirve de pretexto ideal.Pese a no ser una excelente comedia y tener algunos defectos como las,en ocasiones, forzadas reacciones de los personajes que imponen resoluciones artificiales o el enrevesado y precipitado final,Lío en Río consigue entretener a través de la creación de algunas situaciones graciosas por las que vale la pena acercarse a ella. La dirección escogida en este filme es explorar la vis cómica y no ahondar en las consecuencias del suceso,por ello se destacan,sin profundizar en otros aspectos,el tono alegre y divertido de las situaciones que se desenvuelven bajo el colorido manto de la urbe brasileña aunque la gravedad del objeto tratado que se mece en las turbias aguas del adulterio,agravado con relaciones de amistad y sujetos pre-adultos,pueda herir las sensibilidades de algunos o hacer que nos enfrentemos a la película desde posiciones alejadas de la comedia.Donen se retira del cine con una propuesta en tono de comedia ligera pero que resulta amena.

El Último Refugio

2012-01-01T21:49:00.008+01:00

High Sierra,Raoul Walsh,1941,EEUU,Humphrey Bogart,Ida Lupino,Joan Leslie.

Película de encrucijada que nos sitúa entre el cine de gansteres y el cine "noir",este conciso ejercicio del experto en acción y aventuras Raoul Walsh,consigue su importancia por la innegable influencia que ejerce sobre el género que estaba a punto de eclosionar.Y no ya sólo por la presencia de personalidades que devendrían,en mayor o menor medida,de capital significación en el desarrollo del cine negro(desde el coguionista John Huston,hasta el coproductor prematuramente desaparecido Mark Hellinger,pasando por el mito de la interpretación Humphrey Bogart) sino por adelantar ciertos elementos consustanciales al género tales como una complejidad narrativa de mayor calado que la del pretérito cine de gánsteres, alcanzada a través de la introducción de personajes más ricos o la potente presencia del peso del destino;los protagonistas de estas ficciones estarán marcados por su pasado y sobre ellos caerá el más absoluto fatalismo(simbolizado aquí en el premonitorio perro).

El enérgico estilo del veterano Walsh,realizador que comienza su trayectoria cinematográfica en el silente,se ajusta como anillo al dedo a los thrillers en blanco y negro y de bajo presupuesto que la Warner producía hacia principios de los 40 y logra,en esta ocasión,hilvanar un relato que concentra casi toda su acción en su último tercio en el que se sucede una persecución automovilística que el cine comercial actual continua explotando,coronada con el famoso final en las excelentes localizaciones naturales del Monte Whitney.Antes,en sus dos primeras partes,la película se toma su tiempo en construir al personaje encarnado por Bogart,un anti-héroe que pertenece a otro tiempo y que,por tanto,se encuentra aislado en un entorno en el que no encuentra su sitio.Sin duda que la riqueza en la construcción de la personalidad de Roy Earle,el granjero que se convirtió en gánster,lo aleja de Tom Powers o Tony Camonte.Es el personaje de Earle el que permite a Bogart alejarse para siempre de los papeles secundarios "negativos" a los que se encontraba abocado,los "Baby Face" Martin,James Frazier o George Hally quedaban definitivamente atrás,algo que corroboraría su representación de Sam Spade pocos meses después.Y es Roy "Mad Dog" Earle,premonición que nos avisa sobre muchos tipos que vendrían más adelante,con la vida también señalada por un pasado maldito y dominada por el peso de un destino que los condena sin posibilidad de redención.Individuos que se desenvuelven en una línea difusa que apenas distingue el Bien y el Mal y que al igual que sucede con Earle son duros que esconden su corazoncito la mayoría de veces.

Así pues,las bases del negro se asientan en esta adaptación de una novela de W.R.Burnett que él mismo guionizó con la inestimable colaboración del citado más arriba Huston,ya que la introducción del criminal que desde el punto de vista moral resulta hasta decente,presagia las características de la mayoría de(anti)héroes del género.Es obvio que esta especie de nobleza del gánster que va recogiendo abandonados a lo largo del relato(Marie,la chica interpretada por la pionera Ida Lupino,una de las primeras directoras de Hollywood,Pard,el perro que al parecer era la mascota de Bogart en la vida real) demuestra la generosidad del personaje y otorga a su arrinconamiento de la sociedad un tono desgarrador y lírico.La famosa conclusión no hace sino ahondar en esta profundidad emocional.Y ello a pesar del envejecimiento patente de algunas situaciones y no me refiero a las notables secuencias de montaje,tan habituales en Walsh (Violentos Años Veinte,por ejemplo) por otra parte,en las que se muestra la tecnología punta de aquella época,sino en aquellas en las que se desarrolla la subtrama romántica.Aunque es evidente la funcionalidad narrativa y la relevancia de este elemento en el filme pues apoya la sensación de separación del protagonista respecto al mundo y lo acerca hacia su destino,alterna instantes de gran belleza con otros no tan bien resueltos respecto a la relación que mantiene Earle con la tullida Velma.

El Último Refugio es parada imprescindible para los aficionados al género negro y podría ser la primera elección para quien quiera iniciar un ciclo de Bogart al ser Roy Earle su primer rol protagónico.Pero además,el estupendo libreto de Huston y Burnett,es ejecutado por Raoul Walsh con su habitual energía y dinamismo,sin olvidar el punteado social que muestra la corrupción del sistema con el indulto del gobernador al inicio del filme o la migración de los granjeros de Oklahoma que tan bien narrara Steinbeck y retratara Ford en Las Uvas de La Ira.Vamos a obviar el estereotipo a lo Stepin Fetchit de los afroamericanos que también aparece en esta interesante película cuya importancia radica en cuestiones diametralmente distintas y que se han intentado enumerar en las líneas anteriores.

Sospecha

2011-12-26T21:59:00.008+01:00

Suspicion,Alfred Hitchcock,1941,EEUU,Cary Grant,Joan Fontaine,Sir Cedric Hardwicke.

La segunda película "inglesa" de Hitchcock en Hollywood tras Rebeca,así definida por el propio realizador por su ambiente,el elenco de intérpretes de origen de aquel país que aparece y el mismo libro en el que se basa,escrito este por Frances Iles,seudónimo del escritor de novelas de misterio Anthony Berkeley Cox,es una pieza menor en la obra del reconocido director y,sin duda,es recordada por su famoso final.Desenlace criticado por la mayoría de aficionados e historiadores y que,según parece,constituyó una imposición de la productora,la RKO,temerosa del posible daño que pudiera tener la conclusión original en la figura de su estrella Cary Grant y del consecuente impacto comercial en la carrera de este y,por ende,sobre el propio estudio.Así pues,cuando se habla de Sospecha es inevitable hacer referencia a su final.Un remate en el que no solo su descoordinación con el resto del relato es notable sino que también es un alarde del ingenio técnico de Hitchcock y de su dominio cinematográfico pues construye la escena del célebre vaso de leche mediante un juego con la iluminación de forma que consigue su propósito:el espectador fija su atención en el susodicho objeto -al que el director mandó poner una luz dentro- mientras Johnnie Aysgarth lo transporta subiendo las escaleras en sombras.De todos modos y a pesar de la posición que pudiera adoptar el estudio,la novela original termina de manera contraria a las directrices del Código Hays,así que Grant nunca hubiera sido...bueno,eso.

El relato transita desde la comedia romántica hacia el thriller psicológico según avanza y pese a algunos detalles del genio de Hitchcock como el citado vaso de leche luminiscente o el anagrama que resulta en asesinato/asesino, no ha envejecido muy bien y su tensión emocional no resiste sucesivos visionados.Aspecto,este último,en consonancia con el polémico final que no hace sino desvirtuar la construcción de toda la ficción en general y del personaje encarnado por Cary Grant,en particular.Actor que, dicho sea de paso,aprovecha para demostrar su amplio registro y ofrece una interpretación bipolar notable que eleva el conjunto del producto junto con el resto del correcto reparto en el que destacan Auriol Lee y, por supuesto, Joan Fontaine, con su apocada y vulnerable composición reminiscente de su Señora de Winter (dicen los entendidos que el galardón de la Academia conseguido por su actuación en Sospecha no fue más que una compensación por no haberlo recibido el año anterior).

De nuevo,como sucediera en Rebeca,Hitchcock nos presenta a una protagonista envuelta en una relación romántica con un hombre que la lleva a una situación en la que el asesinato sobrevuela la misma pero en esta ocasión el resultado es bastante desigual y el misterio queda adulterado en el desenlace de la ficción.No obstante algunos momentos en la construcción del suspense llevan la firma del Maestro que no pudo redondear un proyecto para el que se apoyó en colaboradores muy cercanos ya que tanto su esposa,Alma Reville,como su secretaria personal,Joan Harrison, participaron en la elaboración de un guión que también contó con la participación del habitual de Lubitsch,Samson Raphaelson.En Sospecha,pese a no contarse entre lo mejor de Hitchcock,podemos encontrar ciertos elementos inherentes a la filmografía de este importante realizador quien siempre supo dotar a sus films de un particular sentido del humor,de una aura romántica y del más puro suspense,aspectos todos ellos presentes,en mayor o menor medida, en esta obra.

Dumbo

2011-12-11T12:28:00.013+01:00

Dumbo,Ben Sharpsteen (Supervisor),1941,EEUU,Dibujos Animados.

Prevista como corto y alargada hasta convertirse en el cuarto largometraje de Disney,la historia del elefante de las grandes orejas,una aproximación/revisión del cuento de El Patito Feo de Andersen,consiguió el objetivo principal que se marcó el estudio pero también permitió vislumbrar el derrotero por el que se moverían las ulteriores producciones de la casa.

Tras el fracaso de sus proyectos anteriores,Pinocho y Fantasía,por diversos motivos entre los que se pueden citar los elevados costes de producción y la restricción del mercado europeo por el estallido de la II Guerra Mundial,Disney se enfrentaba a una situación muy complicada desde el punto de vista económico y necesitaba con urgencia ingresar dinero en sus maltrechas arcas.Y surgió este producto modesto (más aún si lo comparamos con sus anteriores tres filmes que sobrepasaron los 2 millones de dólares de coste cada uno,por contra,Dumbo no llegó a los 900.000) que acertó de pleno con el propósito y generó cuantiosos beneficios.La historia del elefante antropomorfo (y ello sin tener línea de diálogo alguna), basada en un libro infantil de Helen Aberson ilustrado por Harold Pearl,permitió al estudio sobrevivir a una situación delicada y abrió la puerta de manera indirecta a las marcas de fábrica propias del mundo Disney,exacerbadas en las posteriores producciones de la casa,ya que en esta ocasión se exhibe,aunque de modo recatado, un viraje hacia el sentimentalismo más comercial.Aún así,en esta película el elemento no es nada empalagoso,todo lo contrario,eleva la calidad emocional del resultado final.Aún así,probablemente nos encontramos ante la primera película familiar al uso de Disney.

Un ejercicio de economía,de menor atención al detalle con respecto a los tres largos producidos con anterioridad por el estudio,que consiguió acercarse mucho más al mundo de las Silly Simphonies configurándose en más dibujo animado(sólo hay que recordar el mapa de Estados Unidos visto desde el cielo) pese a desarrollar su ficción en un escenario más contemporáneo y menos imaginario.De hecho es el primer largo de la Disney en el que la acción transcurre en una época que bien podría ser la actual o los mismos tiempos en los que se produjo el filme.

Con esta historia que forma parte de la cultura popular y de la mitología colectiva de nuestra sociedad,Walt Disney consigue,a través de la expresividad de los personajes,un tono emocional elevado,de resultados directos sobre el espectador y alejado del mundo principesco,además mediante la simplicidad narrativa y visual que domina al relato es capaz de erigir una fábula contra los prejuicios frente a lo diferente.Tipo henchido de contradicciones,Walt Disney tuvo que hacer frente a una huelga de animadores en el seno de su estudio durante la producción de este film,protesta que él mismo tildó de inspiración bolchevique en concordancia con su opinión de feroz anticomunista.

En cualquier caso la sinceridad emocional del relato está fuera de toda duda y alcanza un impacto inmediato en el público que llega a su cenit con la visita del protagonista a su encarcelada madre (en el siguiente largo del estudio,Bambi,la cosa va un paso más allá) siendo este el momento más recordado del filme junto con la extraordinaria alucinación que sufren el pequeño elefante y su amigo el ratón(una amistad que hace clara referencia al supuesto miedo de los paquidermos hacia los roedores),una magnífica escena que raya en la psicodelia y que contiene una brillante alusión a las visiones de elefantes rosas derivadas de la ingestión de bebidas alcohólicas,no hay que decir que este momento es una nota discordante respecto a la tonalidad del resto del film.Muy divertida es también la construcción y ejecución de la rutina de los payasos con un buen puñado de gags desplegados en ella.Y mención aparte merece la labor de Bill Tytla-el creador para Fantasía del demonio Chernabog-,encargado de animar al personaje principal al que dota de una humanidad absoluta jugando con las expresiones faciales y el lenguaje corporal.

En definitiva,Dumbo significó para Disney la conjunción del éxito artístico con el comercial tras sus dos descalabros anteriores en este sentido,hecho que posibilitó que el estudio continuara en marcha pero además este emotivo,ameno y corto (poco más de una hora) filme de animación señala la tendencia que seguirían las producciones venideras de la casa,si bien estas ya las presentarían de manera exagerada.Respecto a las críticas por el supuesto racismo reflejado en el grupo de cuervos que aparecen en el último tramo del filme parece,a este respecto, más sospechosa la desafortunada cadena de trabajadores que montan el circo,toda una feliz chain gang presidiaria.La polémica que siempre parece envolver la vida y la obra de Walt Disney no debe impedir reconocer el valor de esta segunda en general y los méritos de este filme menor en que se constituyen las aventuras sobre fondos de acuarela que vive el simpático y humanizado elefante.

El Graduado

2011-12-08T13:14:00.010+01:00

The Graduate,Mike Nichols,1967,EEUU,Dustin Hoffman,Anne Bancroft,Katharine Ross.

Considerada como gran clásico del cine norteamericano de los años 60,el segundo filme del que era director-estrella del teatro por aquellos años, Mike Nichols,supuso un impacto comercial y cultural significativo que lo catapultaron a esa condición privilegiada.No obstante, el valor cinematográfico de El Graduado queda relegado a un plano secundario ya que pese a su prometedor inicio que se desenvuelve en unos presupuestos estilísticos novedosos y de inspiración europea,estos se tornan en vacuos y fríos cuando el relato vira en su segunda parte hacia la tópica y carente de interés aventura del chico que encuentra chica-chico que pierde a la chica-y chico que lucha por recuperar la estima de la chica (que como se aprecia en el esquema queda como personaje desdibujado y carente de decisión alguna).La supuesta trascendencia de la película queda justificada en la vertiente sociológica al plantear la situación de la encrucijada en la que se encuentran los jóvenes cuando se enfrentan con el futuro una vez finalizan su formación académica.Esta disyuntiva intemporal es la clave desde la que parte la adaptación de la novela homónima de Charles Webb que los guionistas Buck Henry y Calder Willingham llevaron a término y es la que le sirve a Mike Nichols para desplegar con pericia técnica algunos recursos narrativos interesantes apoyándose en la hábil labor del montador Sam O'Steen y en la atractiva,por momentos,aportación del operador Richard Surtees.Desgraciadamente el sugerente punto de partida queda diluido por la indecisión o incapacidad por explorar sus potencialidades dramáticas y el desarrollo del relato deriva hacia la comedia superficial poblada de artificios formales.

La película,a la que no se le pueden negar indudables aciertos pese a que estos quedan subsumidos en el tono hueco que domina la narración,cosechó un impacto demoledor en taquilla,consiguiendo conectar con el mercado juvenil en una época de turbulencia social y es en este plano sociológico en el que El Graduado puede hacerse acreedora a cierta relevancia aunque,considerada desde la perspectiva que otorga el tiempo,con matices.Pues el filme se gestó en un tiempo dominado por la aparición del desencanto en los hijos de las clases medias,circunstancia que hizo posible un replanteamiento de su propia escala de valores;la contracultura con su apertura sexual y su uso de las drogas,su posición "anti-establishment" o enfrentamiento con el autoritarismo,entre otras cosas,hizo de semillero de esta pérdida de la inocencia,un campo perfectamente abonado por el inicio de la revolución tecnológica,la Guerra de Vietnam,los movimientos por los Derechos Civiles,el extensivo acceso de la mujer al mercado de trabajo y otros cambios acaecidos en aquel período en la sociedad estadounidense (sobre las transformaciones sociales y su novedad,diversidad y transitoriedad y como hacerles frente escribió Alvin Toffler en su excelente ensayo El Shock del Futuro,publicado poco después).En esta tesitura de demanda de cambio,espoleada por protestas de la juventud norteamericana,hace su aparición Benjamin Braddock,el graduado,héroe contracultural curioso ya que pertenece a una capa social más bien pija y que parece más encaminado a casarse y dedicarse a los plásticos que comandar un movimiento que sirva de motor a transformaciones de pautas sociales;es un tipo que no renuncia al materialismo como lo demuestra su afición a conducir el deportivo obsequio de sus padres pero que,por contra,captura el choque generacional siempre presente en las relaciones paterno-filiales y que en aquella etapa se hizo más acusado aunque deje de lado cuestiones políticas y sociales importantes para los jóvenes de aquellos años.En definitiva,El Graduado acierta en el centro de la diana al esbozar la coyuntura de la juventud ante un futuro lleno de incertidumbre pero el tratamiento que da al problema planteado se resuelve con un tono ligero y amable fabricado con artificios técnicos.El sentido de la oportunidad de Nichols se completa con su apuesta personal por integrar el pop melódico del dúo Simon & Garfunkel como banda sonora del film,todo un guiño juvenil que no hace más que aderezar el envite de la producción hacia el mercado joven que cobraba su cada vez más significativa cuota.

El discurso cordial de la propuesta (no hay referencias al uso de drogas o situaciones socio-políticas controvertidas) funciona al principio merced a la utilización habilidosa de recursos cinematográficos que concluyen en la notable y cuidada factura técnica de la película.Una pericia que se demuestra en la magnífica secuencia de montaje con los cambios de escenarios hilvanados por la música,con la puesta en liza del punto de vista subjetivo que crea una sensación de agobio que refleja la del personaje central (traje de buzo y fiesta inicial) o con la creación de metáforas interesantes para proyectar también los sentimientos del héroe (la piscina y el acuario son el mundo cerrado del que parece no poder salir y se convierten en muestra de la alienación provocada por las convenciones sociales que dominan el mundo familiar del protagonista).Todo este juego con los elementos del medio queda como artificio en la segunda mitad del relato,resultando superficial el uso del teleobjetivo y del zoom y repetitivo,incluso,el apoyo en las canciones de Paul Simon,entre otras cosas.Y es que la historia en esta parte final es muy desdibujada,planteando reacciones poco creíbles de los poco trabajados personajes y orillando, cuando no atracando,en los tópicos comerciales del cine romántico.

Película clave del cine norteamericano de los 60 cuya consideración como tal debe entenderse dentro del ámbito sociológico y alejada de su valor cinematográfico ya que este es apuntado únicamente en la primera mitad de la historia siendo en la segunda irrelevante e,incluso,efectista.Por otra parte,El Graduado supuso el estrellato para el desconocido,por aquel entonces, Dustin Hoffman-un actor dotado para la comedia- y la consolidación del talento de Anne Bancroft en su papel de madura depredadora sexual(a modo de curiosidad,la diferencia de edad real entre estos dos intérpretes era de 6 años).

La mítica película del "oscarizado" Mike Nichols,director de trayectoria irregular,goza hoy de inmensa popularidad quizá por su atrevido y escandaloso triángulo sexual y,sin duda,por la coyuntura social existente cuando se filmó pese a que no representa muchos aspectos de ella.Si bien su consideración como clásico parece exagerada,El Graduado es un producto interesante en su inicio y su presentación,muy trabajada,merece un mínimo de atención aunque el resultado en su conjunto sea muy desigual.

El Sargento York

2011-12-04T11:02:00.007+01:00

Sergeant York,Howard Hawks,1941,EEUU,Gary Cooper,Walter Brennan,Joan Leslie.

La película biográfica basada en el diario del legendario héroe estadounidense de la I Guerra Mundial Alvin C. York se encuadra en la serie de producciones que sobre contiendas bélicas se desarrollaban en Hollywood a principios de los años cuarenta del siglo pasado,es decir en pleno debate en el seno de los EUA sobre el aislacionismo o la entrada del país en la II Guerra Mundial.En este contexto la narración de las increíbles hazañas de York en la Gran Guerra y toda su historia personal de transformación-de ferviente pacifista religioso a campeón militar-toman claro partido hacia la segunda opción y bajo el mensaje patriótico el filme surge con toda su fuerza propagandística para justificar moralmente la intervención militar de los Estados Unidos en el enfrentamiento.

Por tanto nos encontramos con un filme de propaganda que además sigue todos los convencionalismos del cine comercial,lo que no hace difícil explicar su tremendo impacto en las taquillas americanas llegando a convertirse en la película de mayor éxito comercial en el año de su estreno y en el segundo mayor éxito de la Warner de toda la década de los 40 (detrás de otra película bélica,This Is The Army).Por si esto fuera poco,la obra cosechó nueve nominaciones para los Oscar de los que acabó llevándose dos (Actor Principal para Cooper y Montaje para William Holmes) con lo cual queda demostrado el poder de convicción comercial que la película consiguió en la época de su estreno y que para muchos aún perdura.

Un nutrido grupo de guionistas,entre los que se encontraba John Huston,se encarga de adaptar las páginas del diario de York y el versátil Howard Hawks se encarga de intentar aportar su sello personal al relato que se divide en dos partes bien diferenciadas y del que llama la atención,dado su carácter de film bélico, la poca importancia que parecen tener las escenas de batalla(que por inverosímiles que parezcan son verídicas sino en la forma en el fondo pues el verdadero York capturó más de 130 prisioneros y mató a más de una veintena de soldados alemanes en el bosque de Argonne),circunstancia que según parece se explica por la insistencia del propio Alvin York quien no deseaba enfatizar los hechos militares.De modo que la narración se centra en los aspectos morales que aparecen en la primera mitad del filme,de mayor enjundia cinematográfica que la segunda ya que la descripción costumbrista de la vida en el pequeño valle queda impregnada de algunos elementos "hawksianos" como son el toque de humor y el sentido del ritmo y una exposición,aunque tangencial,de la camaradería y la amistad;aún así,el relato discurre por los más manidos cauces del cine comercial.Es precisamente cuando el protagonista padece(o goza) de la conversión "Pablista" que lo hace pasar de juerguista pendenciero(pero eso sí,buen chico) a fervoroso practicante cristiano cuando la película comienza a resentirse.Esta cristianización resulta en un elemento interesante (y cierto) como es la inicial objeción de conciencia que el protagonista aduce para no alistarse pero queda subsumida en la vorágine patriótica,e incluso religiosa,que justifica moralmente la guerra servida por una visión que actualmente nos puede parecer simplista e ingenua pero de una eficacia directa.Una vez el relato se traslada con el cambio de parecer de York hacia los derroteros bélicos,se torna previsible decayendo su interés pese al buen hacer de Hawks que lo dota de una elevada velocidad pero,por contra, apenas consigue esbozar,por desgracia,algunas claves temáticas propias.

Para encarnar al héroe de guerra nadie mejor que el actor que tan bien le quedaban los dignos valores americanos,el eficaz,sin más,Gary Cooper,un tipo que asume el rol de héroe cuando es necesario y que aquí es acompañado por un irreconocible Walter Brennan y por Margaret Wycherly quien compone una madre que preludia a la que la haría famosa años más tarde("Ma" Jarrett en Al Rojo Vivo),entre otros actores que dan vida a los personajes que aparecen en este producto comercial que no ha envejecido muy bien y que,curiosamente,pese a ser una de las películas menos interesantes de Howard Hawks,fue el mayor éxito comercial de este importante realizador a lo largo de toda su trayectoria profesional.El estatus de este film clásico obliga a conocerlo y ello pese a la desigualdad entre sus partes,su formulismo que lo torna trillado y su carácter propagandístico.

Marcado por el Odio

2011-11-30T19:43:00.006+01:00

Somebody Up There Likes Me,Robert Wise,1956,EEUU,Paul Newman,Pier Angeli,Everett Sloane.

Película que adapta la autobiografía que la leyenda del boxeo Rocky Graziano escribió al alimón con el periodista deportivo Rowland Barber y que gracias,sobre todo,al oficio de Robert Wise,realizador que supo granjearse una interesante trayectoria profesional que comenzó como montador para la RKO con,entre otras Ciudadano Kane,deviene en un producto que consigue entretener.Wise supo imprimir a esta "biopic" que sigue los patrones clásicos del subgénero,de un ritmo rápido y ágil que hace que la historia avance de manera fluida.La habilidad del realizador se complementa con un estupendo maquillaje de William Tuttle y una brillante fotografía en blanco y negro de Joseph Ruttenberg además de apoyarse en el guión de Ernest Lehman aderezado con algún toque de humor y en el que,a pesar de que la relación de pareja ocupa un lugar capital en el curso de la narración, no se ahonda en el aspecto sensiblero;incluso se puede asegurar que merced a la química existente entre los protagonistas(que coincidían por segunda vez),la dulce Pier Angeli y el bello Paul Newman,el idilio se consolida como ingrediente funcional positivo en el devenir de los hechos que acaecen.

Así pues,nos encontramos ante una película perteneciente a uno de los subgéneros más trabajados a lo largo de la historia del cine estadounidense,en especial desde mediados de los años treinta del siglo pasado,tipo de films que dramatizan con mayor o menor grado de veracidad la vida del personaje real cuyas peripecias relatan.El cruce de géneros en que suelen converger las "biopics" nos lleva en esta ocasión hacia el terreno deportivo y,en concreto,el filme llega hasta el mundo del boxeo,circunscripción idónea para la visión pesimista y sombría del cine negro que el mismo Wise había abordado en The Set-Up años antes;pero quien espere encontrar algún retazo de aquella mirada en esta película no lo va a encontrar ya que Marcado por el Odio desprende una nota optimista como buena película biográfica al uso.De hecho, la obra sigue los derroteros habituales del género,como se ha dicho más arriba,a la hora de referir la carrera de Rocky Graziano desde su infancia en un barrio marginal de Nueva York hasta la consecución del campeonato mundial de los pesos medios(creo que no se adelanta ninguna sorpresa por citar el final feliz del filme).El relato de toma de conciencia a través de la relación de pareja que lleva al personaje a ganarse su propia autoestima y el respeto de la gente (además del triunfo material que consigue),queda ribeteado de un ligero tono social,eso sí bastante amable,al enfatizarse la pobreza del barrio en el que transcurren los primeros avatares de la vida de Graziano.

Lejos de la visión fatalista que el cine "noir" suele mostrar sobre el escenario del cuadrilátero y todo lo que lo envuelve,sobre esto no hay más que recordar el estreno dos meses antes de Más dura será la Caída,Robert Wise se encarga de rodar con solvencia un producto que parece alimenticio si se analiza el resto de su obra pero que,a través de los aspectos destacados antes,es de visión recomendable.Y,atención a todos y todas los/as "fans" de Paul Newman:este es el papel que lo dio a conocer,cumpliendo,por otra parte,con otro aspecto en el que las "biopics" suelen reincidir,la habitual loa a la interpretación del protagonista principal.

El Halcón Maltés

2011-11-26T12:28:00.016+01:00

The Maltese Falcon, John Huston,1941, EEUU, Humphrey Bogart, Mary Astor, Sydney Greenstreet.

El Halcón Maltés, o como un producto de-casi- Serie B deviene en mito fundacional de uno de los géneros,y no sólo cinematográficos, que ha sublevado a mayor número de personas, es una película sólida y que pertenece por derecho propio a aquella categoría de obras que conforman el imaginario colectivo del aficionado al cine y traspasan el medio hasta formar parte de la cultura popular.

La piedra angular sobre la que descansa el andamiaje del "noir", pues para muchos ésta es la primera película de cine negro, aunque muy discutible esta afirmación podemos aceptarla por consenso reconociendo influencias y proto-noirs anteriores (desde M hasta Pépé Le Moko,Furia o La Golfa pasando por Los Muelles de Nueva York) que en ningún caso le restan valor,es la ópera prima de John Huston que tras labrarse una firme carrera como guionista(ese mismo año había firmado los libretos de El Último Refugio y El Sargento York,por ejemplo) decide comenzar su andadura como director,una trayectoria que,no hace falta recordarlo,la jalona con películas importantes sobre las que descarga preocupaciones vitales en forma de estudio de la naturaleza humana,dedicando especial hincapié a la definición de los personajes y las motivaciones que los conducen.El sobrio debut de Huston presenta en forma embrionaria las constantes vitales de su filmografía comenzando por la adaptación bastante fiel de una obra literaria (la novela homónima de Dashiell Hammett que ya había sido llevada al cine en dos ocasiones con no muy buenos resultados),pasando por la escritura de un guión sólido y finalizando por esa citada preocupación por la construcción de los personajes y sus razones.Así pues,El Halcón Maltés se convierte en doble mito:inicio de un género vital en el devenir del Séptimo Arte y comienzo de la trayectoria de uno de los realizadores más prestigiosos del cine norteamericano y,por ende, de la cinematografía mundial.Sin embargo,la mítica de este filme aún se desarrolla en otros aspectos y la obra ha quedado fijada también como la catapulta a lo más alto del firmamento del celuloide de Humphrey Bogart quien deja atrás merced a su composición del anti-héroe duro y cínico pero también romántico que protagoniza esta narración,sus habituales papeles de gánster,forjando una de las trayectorias más célebres que se conocen y cuyo reconocimiento como uno de los más grandes iconos del cine perdura hoy en día.Y,para los más puristas,aún presenciamos en el vuelo de esta ave otra irrupción rotunda,la de Sydney Greenstreet,actor de reparto de ascendencia notoria y que en esta ocasión está excelso presagiando su personaje al mismo Kingpin,el Señor del Crimen, archienemigo de Daredevil o Spiderman.Por tanto en la vertiente mitológica El Halcón Maltés juega con una mano de póker iniciática: género negro,Huston,Bogart y Greenstreet.

El relato de Hammett le sirve a Huston para inaugurar,por tanto, el período clásico del cine "noir",el género que mejor retrata a la sociedad codiciosa de sexo y dinero en la que los valores de amistad o amor parecen no existir o como mínimo quedan solapados por la línea moral difuminada que orienta la conducta de las personas que pueblan este universo.En este estado de cosas no importa quién es el responsable o autor material de los hechos sino quién aparece como tal a los ojos de la opinión pública dando pie y apoyando a la corruptela imperante.Sin duda la situación de los EUA a principios de la década de los 40 del siglo pasado con los estertores de la Gran Depresión,la paralización de los resultados del New Deal y la inminente entrada del país en la II Guerra Mundial,supuso un buen caldo de cultivo para la irrupción del género.El género negro abre la puerta a la ambigüedad moral,reflejo,por otra parte,de la misma sociedad y naturaleza humanas y sobrepasa al cine de gánsters,tan popular en el decenio anterior,dotando a sus ficciones de personajes "grises" y constituyéndose la creación de ambientes y actitudes como pieza básica sobre la que destilar la visión pesimista sobre el devenir del mundo real.El Halcón Maltés se inserta sin dificultad tanto en el "corpus noir" como en la filmografía de su director y guionista pues,respecto a lo primero,se confirma como retrato de un microcosmos dominado por engaños y traiciones que sirven como armas principales de tipos corruptos que persiguen su beneficio de manera exclusiva y entre los que destaca Sam Spade,un héroe duro y cínico que sirve un código ético propio,hecho que lo diferencia del resto de compañeros de viaje a pesar de ser una especie de poco escrupuloso "borderline" moral;y en lo tocante a la inmersión de la ópera prima de Huston en la visión que posteriormente éste desarrollaría como hilo conductor de su obra,este filme anticipa muchas de las claves contenidas en ésta desde las citadas más arriba como son la escritura de un buen guión o el cuidado de los personajes y también de las interpretaciones así como el aura de desencanto y fatalismo que parecen perseguir a los protagonistas tanto de sus narraciones como de las del género "noir" en general.Si recordamos otras películas del realizador como El Tesoro de Sierra Madre o La Jungla de Asfalto,comprobamos que el viaje que emprenden sus antihéroes deviene más importante que la consecución del objetivo que lo originó tal como sucede en El Halcón Maltés donde la estatuilla que da nombre al filme funciona como un McGuffin, antes de ser bautizado por otro grande-Alfred Hitchcock-de esta manera.

La concisa puesta en escena contrasta con la complejidad moral que preside la narración y la agilidad con la que se desarrolla la película permite el fácil visionado de la misma a pesar de que la acción transcurra mayormente en interiores y se apoye fundamentalmente en los diálogos,eso si,notables.Cabe resaltar que la ficción protagonizada por el detective duro,frío y sin embargo romántico,característica esta última crucial en el excelente desenlace,se beneficia precisamente de la utilización de esos dos elementos (interiores y diálogos) para la creación del ambiente claustrofóbico que demuestra el microcosmos en el que se desenvuelven los personajes incapaces de obrar en otro hábitat y la actitud de los mismos caracteres protagónicos.En definitiva, el estilo seco y directo que ofrece Huston hace avanzar la historia de manera rápida y ágil complementándose con la labor del operador Arthur Edeson ( quien se había labrado una firme reputación en los años 30 al lado de James Whale) que sin exagerar la iluminación (elemento clave en el género) sí utiliza la cámara para significar cuestiones narrativas,dotando a los elementos encuadrados de funcionalidad simbólica como se puede apreciar en el plano final del ascensor,deudor de la mencionada más arriba Pépé Le Moko.

El Halcón Maltés puede que hoy no sorprenda al espectador acostumbrado a este tipo de relatos pero hay que hacer notar que sentó las bases para el desarrollo de un género no agotado en la actualidad que representa la realidad sin ilusiones.El arquetipo de investigador privado,héroe que sobrevive con su propio código de valores en un mundo cerrado y que se desenvuelve con un pragmatismo realista y cínico queda determinado a partir de este momento (y asociado a la figura legendaria de un tipo más bien esmirriado:Bogart) y sin olvidar que otro personaje fundamental en el género es introducido de manera primaria:la mujer fatal encarnada en esta ocasión por Mary Astor,actriz con exitosa trayectoria desde el cine mudo.Por tanto,estamos ante la crisálida del cosmos negro,dogma del que su Moisés es Huston y que fue abrazado de inmediato por una legión de seguidores que siguen disfrutando de los ficciones en las que caracteres turbios viven entre sombras que simbolizan su ambigüedad moral y que siguen gozando de plena vigencia.No cabe duda alguna,el halcón maltés continuará sobrevolando las zonas oscuras de la ciudad.

La Noche del Cazador

2011-11-19T19:26:00.013+01:00

The Night of The Hunter,Charles Laughton,EEUU,1955,Robert Mitchum,Lillian Gish,Billy Chapin.

La única película dirigida por el actor Charles Laughton es catalogada por casi todo el mundo que ha podido disfrutarla como obra maestra e incluso unos pocos se atreven a considerarla como la mejor película de todos los tiempos...sin duda el visionado de La Noche del Cazador a pesar de la imposibilidad de aseverar la segunda afirmación corrobora la primera:estamos ante un film ABSOLUTO,claro que siempre habrán excepciones y opiniones discrepantes al respecto a cuyos autores solo les pediría que revisaran el producto,todo un manjar selecto para el aficionado al cine que se precie de serlo.

La magistral y fascinante obra facturada con exuberante poderío visual que hunde sus raíces en el expresionismo alemán y en los mismos orígenes del cine (Griffith está presente y no sólo a través de su musa Lillian Gish, rescatada para la ocasión para la gran pantalla) se conforma como cuento infantil con temática adulta ribeteado con alusiones constantes a la religión,cuento que concluye con la confrontación entre el Bien y el Mal, encarnados en la Santa virginal y dulce que acoge a los niños huérfanos (la citada Gish) y el diabólico predicador,un impresionante Robert Mitchum cuya interpretación plena de manierismos y exageraciones ha pasado a los anales del Séptimo Arte (por favor véanla en versión original y podrán comprobar el uso de la voz con esas entonaciones de ogro sin contar que podrán confirmar las dotes de cantante de este gran actor que además grabó un par de discos).Sin duda el Reverendo Harry Powell con sus nudillos tatuados es uno de los iconos del cine y gran parte de responsabilidad en ello recae en la colosal exhibición "actoral" de Mitchum que agota lo superlativo y alcanza la excelencia.

No obstante la película va más allá de Mitchum y su apócrifo apóstol, resultando una obra extraña con un aura onírica que bordea el territorio del cine negro más puro y el relato de terror atávico de manera que tan inclasificable filme supuso un total fracaso en taquilla y fue recibido con frialdad por la crítica que todo lo más valoraba el estupendo ejercicio de estilo visual desplegado por Laughton y su operador Stanley Cortez,basado en un juego expresionista de luces y sombras maravilloso y que logra composiciones de una magnética y perturbadora belleza.La libertad creativa de la que dispuso el director le permitió firmar una película compleja con un envoltorio visual alucinante que ha calado en los hermanos Cohen y en David Lynch, por poner solo dos ejemplos, y que aunque para algunos pueda resultar excesivo o pretencioso confiere a la historia un tono surrealista que enfatiza la confrontación entre la inocencia infantil y la perversión codiciosa del adulto creando un mundo distorsionado gobernado por sombras que amenazan a los niños.

Desde el monólogo inicial esta pesadilla infantil plagada de simbolismo fascina y turba convirtiéndose en una película memorable,una de las mejores de todos los tiempos,que destila un insólito lirismo que la convierte en un viaje mágico,una parábola sobre el Bien y el Mal que se desvela en su último tramo al que se llega tras una ruptura del "tempo" del relato en el momento de la huida a través del río,una fuga cuasi-bucólica en la que reina un inquietante sosiego,un pasaje de una singularidad notoria con todo el bestiario que se muestra al paso de los niños fugitivos.

La dualidad entre el Bien y el Mal se acentúa con la aparición,ya en la tercera parte de la narración, del Ángel Guardián,una mujer madura que acepta a los huérfanos sin juzgarlos y que redime al mundo adulto ya que demuestra que es capaz de dar amor y protección conformándose como contrapunto al maligno Powell, encarnación del Mal sin fisuras ni ambages cuyo odio y codicia se contraponen también con la candidez del universo de los chiquillos.Unos niños que,al parecer, fueron dirigidos por Mitchum dada la aversión que Laughton sentía por los pequeños y cuyas actuaciones son más que correctas,en especial la de Billy Chapin que detecta la presencia del Mal gracias a estar fuera de las convenciones sociales que dominan el mundo de los mayores,a diferencia de su madre que cuál fanática religiosa encuentra refugio a sus miedos y frustraciones en el fundamentalismo que le hace aceptar su destino en una antológica escena en la que se nos aparece como una virgen;hay que resaltar que Shelley Winters encara su papel de mujer pasiva con acierto.La historia de avaricia,sexo,dinero,religión,fanatismo...de elementos de la vida real adulta se desgrana con una apariencia de irrealidad por ser tratada en el y desde el universo de los niños,otorgando este prisma al filme de un halo que solo se puede calificar de extraño.

Todo,desde el extraordinario diseño de producción del filme con sus decorados delineados por el magnífico trabajo de fotografía,el uso del sonido y de la banda sonora firmada por Walter Schumann rematada con himnos religiosos y canciones de cuna,la feroz temática expuesta aderezada con toques de humor,y no olvidemos a Mitchum,en fin,todo,absolutamente todo,hacen de La Noche del Cazador una obra para recrearse en ella o para descubrir,si es el caso, y cuyo fracaso podría ser atribuible a que fue realizada en una época en la que Hollywood producía películas en color y scope o,quizá,por otorgar el papel protagónico a un homicida misógino,sexualmente reprimido y obsesivo...estamos ante una obra redonda que deja en la retina imágenes imborrables como la del dormitorio con apariencia de iglesia en la que el decorado y la iluminación son muestra del potencial simbólico de los elementos del medio utilizando los recursos del mismo de manera ejemplar o sirva también como ejemplo la persecución por las escaleras en la que el ogro Powell con los brazos estirados a la manera de los dibujos animados intenta dar alcance a los niños recordando al villano de los cuentos ,aportándose con ello un componente humorístico de exageración irreal que eleva la disonancia subyacente en todo la narración;pero sin duda todo el que haya visto este film tendrá guardadas otras perlas como la de la escenificación de la batalla entre el Bien y el Mal que efectúa el malvado Reverendo mediante sus manos tatuadas o la de la impactante composición de la mujer bajo el agua,un instante perturbador e impresionante...imposible glosar todos los extraordinarios hallazgos visuales que encontró Laughton pero recuerden la figura del coco que nunca duerme silueteada en el horizonte a lomos de su caballo o la casa en cuya ventana se puede observar una jaula con un pájaro,todo ello recortado sobre el fondo a la manera de los cuentos,pues en un cuento asombroso se convierte la historia original de Davis Grubb que James Agee se encargó de adaptar y que en manos de Laughton y su equipo deviene en una película singular y relevante.

La Noche del Cazador,ejercicio estilizado de "noir" rural,relato de miedo ancestral en el que la pérdida de la inocencia infantil queda expuesta de manera rotunda,película inclasificable que sirve para emprender nuestro propio viaje iniciático hacia las entrañas del cine pues la utilización de los recursos del medio alcanza cotas superiores,es parada obligatoria en el recorrido que cualquier aficionado al cine decida emprender constituyéndose como obra imperecedera,intemporal e insólita,toda una demostración formal de hasta donde pueden llegar las posibilidades expresivas del medio.

El Hombre Lobo

2011-11-06T11:54:00.008+01:00

The Wolf Man,George Waggner,1941,EEUU,Claude Rains,Lon Chaney,Jr.,Evelyn Ankers.

La criatura que completa el panteón del horror clásico de la Universal y que establece el diccionario del personaje que se transforma en lobo es la segunda aproximación que la productora llevó a cabo sobre la licantropía tras El Lobo Humano-también conocida por El Hombre Lobo de Londres- rodada en 1935.Sin duda es esta segunda aproximación la que crea el mito y fija las características que han pasado a formar parte del imaginario colectivo a excepción de una:la luna llena.Ésta aparecería como elemento integrador del personaje en la primera de las cuatro secuelas que en la misma década de los cuarenta produjo la Universal,todas ellas protagonizadas en el rol de licántropo por Lon Chaney,Jr.,el único actor que protagonizó toda la saga de un monstruo como tal y el único que interpretó a todos los monstruos de la Universal en alguna película.Es curioso constatar que el gitano Béla transmite la maldición a Larry Talbot en la ficción al igual que Béla Lugosi parece transferir en la vida real el encasillamiento profesional en papeles de terror a Lon Chaney,Jr. ya que el hijo del Hombre de las 1000 caras-apodo con el que se conocía a su padre,una de las mayores estrellas del cine mudo y,posiblemente,la primera dentro del género de Horror- siguió una trayectoria profesional recordada por su encarnación de Hombre Lobo y casi cualquier monstruo que se pusiera a tiro.

Película esencial para adentrase en el universo del Hombre Lobo por desplegar (casi) toda su mitología que no es sino invención cinematográfica del guionista Curt Siodmak quien consigue revisar,basándose en varias fuentes,la lucha por evitar mostrar la animalidad del ser humano,construyendo para ello el monstruo más humano ya que el maldito es consciente de los crímenes que comete en su estado salvaje y es incapaz de detener su conducta.El guión económico y veloz de Siodmak en su versión original exponía una interesante propuesta que hubiera elevado el resultado final del filme ya que proponía la posibilidad,dejándola abierta,de si aquello que padecía el protagonista era una transformación en Hombre Lobo o si era una sugestión por la que creía convertirse en licántropo;las potencialidades de esta opción fueron ninguneadas por el estudio y se decidió apostar por dejar bien claro que el campechano con físico de estibador portuario mutaba en la criatura mitad hombre-mitad lobo.

En cualquier caso este clásico del terror destaca por su atmósfera construida a través de una buena fotografía de Joseph A. Valentine y sobretodo en una notable dirección artística obra de Robert Boyle -a quien debemos la reconstrucción del Monte Rushmore de Con La Muerte En Los Talones- quien consigue crear un bosque brumoso y amenazante por el que transcurre buena parte del relato y que se torna eje esencial del mismo y un valor por encima del tan cacareado maquillaje de Jack Pierce que hoy en día puede quedar muy envejecido pero que en la época de producción de filme se constituyó como un elemento clave en el éxito del mismo.No obstante el mismo Pierce tiene otras contribuciones mucho más brillantes al género que no este disfraz de lana de Yak.

Esta revisión del mito de Jekyll y Hyde de la que se ha estrenado una versión recientemente protagonizada por Benicio Del Toro y Anthony Hopkins,ha pasado a la historia como clásico del terror y retoma y completa el ciclo que la Universal comenzó a principios de la década anterior y que en plena Depresión mantuvo a flote al estudio,siendo un filme minimamente entretenido pese a sus garrafales errores de continuidad (puertas que se abren dos veces,camisas de tirantes que desaparecen o camisas que aparecen) y las,en ocasiones,extrañas reacciones de los personajes.De aroma a serie B,El Hombre Lobo pese a contar entre su reparto con figuras de mayor o menor renombre en aquella época como Claude Rains,Ralph Bellamy,Béla Lugosi o Maria Ouspenskaya,es un producto mucho más barato que aquellos con los que iniciara la etapa del Horror clásico Carl Laemmle,Jr.quien ya había sido forzado a abandonar el estudio años atrás junto con el fundador del mismo,su padre.El Hombre Lobo pone fin al período clásico del género y es una película imprescindible para los amantes del personaje y,por supuesto,para todos aquellos a lo que les guste el terror ya que todas las claves (con la excepción mencionada) de uno de sus grandes personajes se exponen en ella.

Pero...¿Quién Mató a Harry?

2011-10-29T20:30:00.008+02:00

The Trouble with Harry,Alfred Hitchcock,1955,EEUU,John Forsythe,Shirley MacLaine,Edmund Gwenn.

Una de las películas más atípicas dentro de la filmografía de Alfred Hitchcock,Pero...¿Quién Mató a Harry? es una comedia de humor negro y un ejercicio muy personal del realizador que gozó de total libertad para llevarlo a cabo,sin embargo el filme no obtuvo éxito comercial y una posterior disputa por los derechos legales para distribuirlo entre la Paramount y la Universal,retardó su reconocimiento como obra menor pero interesante hasta su reposición a mediados de los años 80 del siglo pasado.

La comedia de apariencia ligera discurre dominada por lo que el mismo Hitchcock definió como "understatement",aquella narración de los hechos graves que acaecen(en este caso,el descubrimiento de un cadáver) bajo un tono distante,sutil,es decir,gastando flema.La entonación artificiosa es la herramienta que utiliza Hitchcock para explorar temas recurrentes en él como el sentimiento de culpa o la muerte y le sirve para desarrollar un humor negro que no hace sino enmascarar la verdadera naturaleza del relato,un cuento optimista sobre el amor,toda una comedia romántica alejada de aspectos "sensibleros y sentimentaloides".Precisamente la descarga de optimismo amable de este cuadro costumbrista anómalo,supera la subversión que subyace en su forzada premisa y lo acerca más hacia el cuento que hacia cualquier otro territorio dramático.Estamos pues ante una deliciosa y simpática película,capricho singular del cineasta que rodó en plena época gloriosa,entre Atrapa a un Ladrón y la revisión americana que realizó de su propia película inglesa El Hombre Que Sabía Demasiado y tras debutar con su exitoso programa en la pequeña pantalla;se trata de un filme cuidado hasta el extremo (la belleza y quietud del paisaje se contrapone con lo escabroso que se intuye en las reacciones de los protagonistas,aquella subversión mencionada más arriba en cuanto al comportamiento de cada sujeto respecto al hallazgo) y en el que el sentido del humor de Hitchcock aflora a la superficie tornándose explícito,además de demostrar el conocimiento que el director tenía sobre los mecanismos de la mente del espectador como se puede observar en el elemento potencial de suspense que es la puerta que se abre por si sola:en principio es útil en el plano de la comedia y acaba siendo pieza fundamental en la construcción y resolución de la cuota de suspense que como película de Hitchcock también posee Pero...¿Quién Mató a Harry?.Pero no solo por la plasmación de la particular socarronería de Hitchcock se puede definir este filme como personal sino también por contar con algún guiño introducido en la figura del Capitán como es el miedo que éste siente hacia la policía(algo que según "Hitch" él mismo padecía) y por introducir ese suspense prototípico de su cine,elemento que aquí se bifurca de manera afable con la misteriosa petición que realiza el pintor y con visos más dramáticos (¿será capaz el ayudante del Sheriff de resolver el misterio y averiguar las andanzas del resto de personajes?) y que ayuda a la finalización de la película cuando el ritmo suave que la hace avanzar,comienza a decaer.

Obra considerada menor en la imponente filmografía "Hitchkoniana" pero en la que despliega particularismos respecto a temas (la culpa) y formas (ironía) y en la que se rodea de algunos colaboradores habituales como Robert Burks,operador que captura la placidez otoñal del paisaje rural de Vermont,el especialista en efectos visuales John P.Fulton y el guionista John Michael Hayes-que aquí adapta una historia de Jack Trevor Story- además de empezar la fructífera relación con el compositor Bernard Herrmann.Pero...¿Quién Mató a Harry? es una suerte de "delicatessen" a descubrir o a revisitar según el caso y en ella se puede disfrutar también de la serenidad y hermosura del paisaje capturado en un fantástico Technicolor y en el procedimiento de pantalla panorámica que tanto le gustaba a Hitchcock y que causó furor en la segunda mitad de la década de los cincuenta del siglo XX,el costoso VistaVision desarrollado por el equipo técnico de la Paramount que diseñó una cámara especial para hacerlo posible.En definitiva,Pero...¿Quién Mató a Harry? tiene suficientes elementos interesantes como para acercarse a ella,desde su tono amable y alegre hasta la belleza del paisaje bucólico pasando por todos aquellos reseñados en las lineas anteriores y a ellos podemos añadir el debut de Shirley MacLaine o la presencia de los veteranos Edmund Gwenn y Mildred Natwick,que destaca en su papel de solterona,además de ver al televisivo John Forsythe actuar con una artificiosidad generalizada al resto del reparto e impuesta probablemente por Hitchcock para acentúar la discordancia entre la forma de proceder de los protagonistas y la gravedad del hecho aparentemente tratado.Pero...¿Quién Mató a Harry? supone una "rara avis" en el catálogo de Hitchcock,entretenida y amena que puede suponer una agradable y optimista sorpresa para quien no la conozca.

Las Tres Noches de Eva

2011-10-26T18:03:00.007+02:00

The Lady Eve,Preston Sturges,1941,EEUU,Henry Fonda,Barbara Stanwyck,Charles Coburn.

Probablemente la Screwball más extraña de todas las que se rodaron,esta película del reputado Preston Sturges pasa por estar considerada por muchos su obra maestra.Desde luego que sirve como ejemplo del modo en el que el guionista y director concebía su cine que durante un lustro,el que transcurre desde 1940 a 1944,fue capaz de alumbrar éxito tras éxito siendo por aquellos años una figura muy importante del medio,no ya únicamente por la calidad de sus filmes sino por conseguir ser el primer guionista en dirigir sus historias,desbrozando el sendero para tipos como Wilder,Huston o Mankiewicz,por ejemplo.Cansado de la manera en que los directores llevaban a la gran pantalla sus guiones,Sturges decidió vender por una cantidad simbólica uno de sus libretos a la Paramount con la única condición de poder dirigir él mismo el filme,así se gestó El Gran Mc Ginty,ácida reflexión sobre la política que supuso el debut tras las cámaras de este particular cineasta.

Las Tres Noches de Eva se abre con unos originales títulos de crédito que anticipan las referencias bíblicas que se dan a lo largo del relato y su originalidad se gesta en la curiosa inversión de géneros que desarrolla pues si bien es algo común al subgénero de las Screwball el peso que recae sobre el personaje femenino,portador de la acción y generador de acontecimientos,en pocas ocasiones es tan claro el rol dominante de la fémina sobre el destino de la figura masculina.La humillación del heredero interpretado por un sorprendente Henry Fonda queda retratada en el desarrollo de la narración y en su caída física-en varias momentos de slapstick- y metafórica(la pérdida de la inocencia y su introducción en el mundo de las relaciones sexuales;sobre este último aspecto hay que resaltar que nos encontramos ante una película que sortea con rara habilidad el Código Hays).

Sturges era un cineasta que se desenvolvía a la perfección dentro del sistema de estudios de Hollywood pero que fue capaz de crear una obra con sello propio desplegada fundamentalmente en la serie de comedias que realizó en la primera mitad de los años cuarenta del siglo pasado,trufadas de fino sarcasmo,dotadas con ingenioso diálogo,discurren con un tono anárquico dentro del subtipo que causaba furor desde mediados del decenio anterior:las comedias disparatadas.Para Las Tres Noches de Eva,el realizador se rodea de muchos de sus actores habituales,algunos secundarios de lujo (Eugene Pallette,Charles Coburn) y se apoya en una pareja protagonista que ofrece una actuación sorpresiva ya que Barbara Stanwyck,recordada por sus papeles de mujer dura y estoica,destila una vis cómica inesperada que encaja con su imagen de decisión y con su presencia dominante que ya lucía por aquellos años y respecto a Fonda cabe resaltar la misma concomitancia de su rol de tipo inocente e ingenuo con la figura forjada cara al público de idealista sincero,además el actor ejecuta de manera correcta un dosificado humor físico.

Muestra representativa de la labor de Sturges como se ha dicho,esta película es entretenida sin estar a la altura de otras Screwball,agradable pero no completa por así decir pero su sexualidad soterrada,sus interpretaciones y un giro inverosímil como ninguno en su trama,además de desplegar muchos de los atributos de este tipo de comedias como el juego de identidades o su matiz irónico que sirve para definir a las clases privilegiadas como vulgares y simples,seres vivientes en su irrealidad,hacen de ella una obra a la que nos podemos acercar con cierta garantía de conseguir una dosis de entretenimiento,escapismo fundamental en el nacimiento y desarrollo del subgénero cómico en el que este filme se encuadra.Por cierto,mención aparte merece el vestuario que lucen los protagonistas,en especial los vestidos que se atreve a exhibir Barbara Stanwyck,diseñados por Edith Head.

El Hombre Invisible

2011-10-17T18:00:00.014+02:00

The Invisible Man,James Whale,1933,EEUU,Claude Rains,Gloria Stuart,William Harrigan.

El ciclo de Horror clásico de la Universal que se inició con Drácula y Frankenstein,ambas de 1931,tiene su muestra más representativa en cuanto a su cercanía al terreno de la Ciencia-Ficción en esta adaptación de la novela homónima de H.G.Wells.Estamos ante la creación de las arquetípicas criaturas del Horror que conforman el período clásico del género y lo definieron en la década de los 30,etapa que sentó las bases del fantástico y del terror posterior y que abrió la puerta a productoras venideras como la Hammer.

Para la recreación de las aventuras del personaje que descubre la invisibilidad la Universal confió en el mismo equipo técnico que llevara a cabo la exitosa adaptación de Frankenstein un par de años antes,con el director inglés James Whale a la cabeza.En esta ocasión el genio visual de Whale que se desplegó con profunda intensidad en la segunda parte del díptico sobre el monstruo de Shelley (La Novia de Frankenstein,1935),queda supeditado al servicio de la esquemática narración planteada en el guión de su antiguo colaborador en el teatro,R.C.Sherriff,un tanto envejecida y con las relaciones entre los personajes deshilvanadas en ocasiones (especialmente en la vertiente sentimental) y sin plasmar la evolución psicológica del personaje central con convicción,dejando que la película avance de manera deslavazada.Aun así,la fuente original de Wells es de tal calibre,planteando una cuestión capital en el campo de la Ciencia-Ficción como es el uso que se debe hacer del conocimiento científico,que el relato presenta un atractivo cimentado también en la creación de la atmósfera en la que se desarrolla así como en los efectos especiales empleados que,aún hoy en día,están plenamente vigentes.Respecto al primer ítem señalado la mano de Whale es palpable,dotando además al filme de unas dosis de humor capitalizadas,en especial,en el pintoresco personaje de su actriz-fetiche Una O'Connor;sobre el segundo valor resaltado,el mérito recae en John P. Fulton,uno de los magos de los FX que acabó colaborando con el mismísimo Alfred Hitchcock.Su labor en El Hombre Invisible es todo un hito y la escena final sigue siendo asombrosa en la actualidad,sin olvidar la del desvelamiento del misterio del extraño visitante de la posada.Todo un alarde de trucos de fotografía y exposiciones dobles que hacen de esta película parada obligada no ya solo para los amantes del fantástico sino para todos aquellos interesados en el terreno de los efectos visuales que tendrán una nueva ocasión de disfrutar de la labor de Fulton,todo un maestro que continuó abriendo el camino que comenzaron a desbrozar Méliès y Chomón.En este sentido cabe resaltar que 1933 también vio el estreno de otro filme más que importante,King Kong,cuyos efectos especiales corrieron a cargo de otro ilustre,Willis O'Brien.

El debut más "extraño" de un actor en Hollywood,puesto que a Claude Rains,intérprete del científico Jack Griffin,descubridor de la invisibildad,únicamente se le puede ver en la recordada última escena del filme (el visionado de la película en versión original se hace indispensable para disfrutar de los matices de la voz del actor),tuvo unas cuentas secuelas-algunas de ellas con nombres ilustres como el de Vincent Price o John Barrymore representando diferentes roles-en la década siguiente (El Retorno del Hombre Invisible,La Mujer Invisible,La Venganza del Hombre Invisible,El Hijo del Hombre Invisible) convirtiéndose en una auténtica franquicia para la Universal,fruto de la enorme popularidad de la que gozó y,además,está reconocida como la mejor adaptación que jamás se ha realizado de la novela original y ello pese a diferir en, entre otros,un matiz que la hace menos inquietante respecto a su fuente:la cordura del científico queda aquí sustituida por una historia de "Mad Doctor" causada por la droga utilizada en sus experimentos.Una aventura de "científico loco",megalómano y amoral, que sienta las bases para el género fantástico que alcanzaría su apogeo en las décadas de los 50 y 60 del siglo pasado y que ahonda en la temática que Whale ya abordó con Frankenstein:el rechazo de la sociedad hacia el diferente que obtiene del marginado el comportamiento contra la misma,si bien en el caso del científico invisible esta respuesta frente a la turba que lo persigue se ve influenciada y magnificada por el uso de la droga que le otorga la invisibilidad.

Ciudadano Kane

2011-10-09T19:18:00.017+02:00

Citizen Kane,Orson Welles,1941,EEUU,Orson Welles,Joseph Cotten,Dorothy Comingore.

¿Es Ciudadano Kane la mejor película de todos los tiempos? Lejos de encontrar la respuesta en las infinitas listas que versan sobre el particular elaboradas por profesionales,cinéfilos y por unos y otros (¿quién no ha pretendido completar su listado personal en alguna ocasión?) quizás deberíamos reconocer la futilidad de emprender tamaña tarea y admitir,entre otros factores,que la demanda del público es cambiante,que la producción fílmica es continua,que los criterios de valoración de un filme pueden mudar y,por ejemplo,la posición de supremacía que ostenta la "ópera prima" de Welles desde hace décadas comienza a ser cuestionada por algunos espectadores,aunque parezca una herejía y la polémica sea minoritaria porque la obra sigue considerándose una de las más importantes e influyentes de la historia del Séptimo Arte.Y lo es sin ningún género de dudas ya que a los incuestionables valores técnicos se le une un relato planteado como investigación sobre la vida de una persona que resulta entretenido.

Glosar los méritos del filme es aspecto ya orillado en toda la literatura derivada del mismo pero,"grosso modo",son los siguientes: trabajo de cámara imponente desde los movimientos de la misma a la profundidad de campo que obliga a una visión activa de selección de aquello que se quiere ver,pasando por encuadres y ángulos originales (que obligaron a construir los techos del decorado y a mostrarlos por primera vez en una película);iluminación no convencional de raíces que se hunden en el Expresionismo y en la que juega un papel primordial el uso de las sombras y el claroscuro para definir situaciones y características;la utilización del sonido como elemento que otorga continuidad a las escenas y las enlaza;guión que descansa en una estructura narrativa no lineal desarrollada en diversos "flash-back".El valor del filme queda demostrado a través de la influencia que ha ejercido sobre el cine posterior palpable en el cine "noir" sin ir más lejos y es que Ciudadano Kane comenzó a reescribir el Libro de Estilo del Cine y abrió nuevos caminos para este arte ya que consigue conjuntar todos los elementos,dotándolos de una extraordinaria riqueza visual, para su uso expresivo.

El neófito Welles gozó de una libertad creativa sin precedentes para alguien de su condición merced al impacto de su emisión radiofónica de La Guerra de los Mundos para la CBS en 1938 que refrendaba una sólida trayectoria teatral por la que ya gozaba de cierto reconocimiento.La notoriedad alcanzada por la adaptación para la radio de la invasión marciana le valió a Welles firmar un contrato con la RKO por el que se comprometía a filmar dos películas pero con total control sobre las mismas,incluyendo la fase de montaje,algo insólito en aquellos tiempos.Como no podía ser de otro modo,tras el relativo fracaso comercial de Ciudadano Kane,provocado en parte por la campaña en contra que ejerció el magnate William Randolph Hearst en el que parece que se basa el personaje central,el contrato fue incumplido por la productora en la segunda obra -El Cuarto Mandamiento,1942- que fue montada por Robert Wise,comenzando la leyenda de la Guerra contra Hollywood de Orson Welles,obligado desde entonces y hasta el final de su carrera a emplear más tiempo en recaudar fondos a través de papeles alimenticios para sacar adelante sus proyectos que en llevar estos a término.

La película que inicia (o casi) la era moderna en el cine es toda una exploración del medio y es parada obligatoria para cualquier aficionado al mismo e,incluso,a la Historia al constituirse el cine como una de las Artes más relevantes del siglo XX siendo Ciudadano Kane pináculo de esta manifestación artística.Puede que para el espectador joven la reputación que precede a la película le cree expectativas elevadas pero estas se verán colmadas en especial si se contextualiza la producción ya que en 1941 la obra es pionera en el uso dramático conjunto de los elementos que componen una película desde el montaje hasta el sonido definiendo lo que debe ser una experiencia audiovisual.En Ciudadano Kane la fotografía,la banda sonora,los decorados y el vestuario,el maquillaje,el montaje... está planificado para conseguir efecto dramático.

Para realizar su proyecto el novato Welles se favoreció de la inestimable colaboración del prestigioso operador Gregg Toland (Cumbres Borrascosas,1939,Las Uvas de la Ira,1940) quien pudo desarrollar una serie de innovaciones apoyadas en los avances técnicos producidos en los equipos de iluminación y en el uso de los grandes angulares reforzándose así la profundidad de campo definitoria del filme y consiguiendo que el espectador organice personalmente la información recibida.El trabajo conjunto de Welles,Toland y el escenógrafo Perry Ferguson dotan a cada composición de la película de plasticidad visual y efecto dramático lo que denota una planificación organizada con esmero.Si a la aportación de Toland se suma la de Herman J. Mankiewicz en la construcción,también novedosa para la época,del guión que desarrolla una narrativa estructurada en varios "flash-back",recurso que no es la primera vez que se emplea en el medio pero sí se engarza en el relato de tal forma que influenciará en el uso posterior que el cine haga del mismo,obtenemos los dos aspectos del filme que se suelen resaltar.Pero no solo por la profundidad de campo y el edificio narrativo descolla Ciudadano Kane,también es una cinta que completa la experimentación que Welles practicó con el sonido en el teatro ya que a través de la banda sonora se dota de continuidad al relato,consumándose la parte sonora de la obra con la reconocida partitura del igualmente debutante en Hollywood Bernard Herrmann,habitual colabor de Welles en la radio.Pero también esta película demuestra la querencia del realizador por un elemento teatral como es el maquillaje,siendo este un elemento clave ya que la historia avanza a lo largo de la vida de los personajes.Y como ejemplo de la relevancia del montaje cabe remitirse a la famosa escena del desayuno...Estamos ante una película técnicamente rotunda y brillante con unas innovaciones narrativas adelantadas para su época ya que aunque ya se hubieran empleado con anterioridad nunca se habían concebido como unidad dramática.

Puede que el mensaje no muy optimista y el tono oscuro del filme o,incluso,las mencionadas innovaciones a las que el público no estaba acostumbrado, se unieran con el boicot impulsado por Hearst para conseguir que Ciudadano Kane,pese a cosechar buenas críticas,no lograra recuperar la inversión inicial pero la significación que se le reconoce desde mediados de los cincuenta del siglo XX la propulsa a su categoría de "mejor película de la historia del Cine" para los estudiosos y profesionales de este arte.Para el "espectador de a pie" cuya única pretensión sea disfrutar de un buen rato de entretenimiento y no prestar tanta atención al valor técnico,de innovación o como se quiera denominar,la condición adquirida por la "ópera prima" de Welles quizá pueda ser rebatida y más si consideramos que el valor que se otorga a un filme en la escala personal puede variar según el estado anímico o las experiencias que se estén viviendo en la época en que se visiona de aquí que seguro conozcamos a bastante gente que no está de acuerdo con esa título oficioso concedido a Ciudadano Kane.No obstante,la película sigue copando hoy día dicha posición preeminente en la mayoría de listas que confeccionan expertos y profesionales.

En cualquier caso la reflexión que Welles expone sobre la pérdida de la inocencia de la infancia desgranada en la imposibilidad de alcanzar la felicidad mediante el dinero y los bienes materiales que éste puede acarrear y la denuncia sobre el poder que pueden ejercer los medios,se distingue por todo lo expuesto en cuanto a destreza técnica y carácter audaz o avanzado en su concepción holista o totalizadora pues todos los elementos confluyen en único objetivo:desarrollar el efecto dramático y las posibilidades expresivas del medio cinematográfico.Ahora bien,la decisión que se debe adoptar sobre su posicionamiento en la lista de favoritas de cada cuál es personal e intransferible y,por supuesto,autónoma.

El Apartamento

2011-09-14T21:20:00.008+02:00

The Apartment,Billy Wilder,1960,EEUU,Jack Lemmon,Shirley MacLaine,Fred MacMurray.

Billy Wilder inspirándose en cómo sería el hombre que prestara la habitación para la pareja de Breve Encuentro (1945),escribe,produce y dirige con su habitual acidez esta crítica hacia la sociedad capitalista que a la vez se torna en una reflexión sobre la soledad y el necesario logro de la madurez personal,entendida ésta como autodeterminación de la persona.Pese a los temas polémicos para la sociedad americana expuestos de manera explícita en el filme (adulterio,suicidio),éste cosechó un enorme éxito coronado con numerosos galardones en la ceremonia de los Oscar (entre ellos los de Mejor Película,Director y Guión),además en la actualidad el prestigio de la obra es indiscutible y sus valores ampliamente reconocidos por público y crítica.Así pues,nos situamos ante una película importante en la cinematografía de Wilder,rodada a rebufo de su anterior producción,la célebre Con Faldas y a lo Loco,y en la que a través de un sólido y rico guión,co-escrito con su colaborador habitual desde mediados de los 50,I.A.L.Diamond,construye una historia agridulce en la que un hombre gris toma conciencia de la jerarquía de su escala axiológica.

Mediante la magnífica presentación del tipo medio que protagoniza el relato desarrollada con unos planos deudores de la espléndida película silente Y el Mundo Marcha (1928) en conjunción con el diseño de la oficina-obra de Alexandre Trauner-en la que trabaja el personaje,Wilder nos introduce en su mordaz sátira sobre el éxito y la despersonalización,crónica que comienza por los cauces de la comedia con elementos de slapstick servidos por Lemmon,deriva hacia un tono más dramático y concluye por los cauces de la comedia romántica dejando un poso agridulce dominado por las sonrisas más que por las risas.Cáustica y tierna a un tiempo,El Apartamento consigue crear un héroe de integridad moral dudosa dispuesto a casi todo por obtener éxito laboral,señal de reconocimiento social que orienta su conducta y domina la sociedad capitalista en la que vive.Además la corrupción de otros personajes que no dudan en utilizar su posición profesional en aras de sus intereses queda reflejada con ironía de manera sublime en lo que se constituye en llamada de atención sobre el uso del poder a costa de los demás y en provecho propio.

Pero también El Apartamento supone una áspera mirada a la soledad y al mundo de las relaciones interpersonales,un melancólico retrato del aislamiento emocional que podemos padecer en una sociedad que prima ante todo el estatus socio-profesional.Es precisamente la toma de conciencia por parte del gris oficinista de la existencia de otros valores,en este caso,el amor que siente hacia la adorable ascensorista encarnada por una dulce y vulnerable Shirley MacLaine,la que le permite tomar el control de su propia vida.El tránsito a la madurez del protagonista es narrado de manera magnífica por Wilder quien en este filme consigue crear un aura cercana al "toque" de su maestro Lubitsch (incluso al igual que en El Bazar de las Sorpresas se incluye un episodio tan dramático como es un intento de suicidio) para desarrollar temas tan duros como la soledad expresada en escenas como la de la cena con la TV o la del bar.

El guión consistente,la estupenda fotografía de Joseph LaShelle,la partitura de Adolph Deutsch,el diseño artístico del mencionado más arriba Trauner y las notables interpretaciones de Jack Lemmon quien se siente casi tan a gusto en el drama como en la comedia slapstick y un destacado Fred MacMurray-alejado de sus papeles habituales- sin olvidar a la delicada Shirley MacLaine y a unos secundarios capitaneados por Jack Kruschen y,por supuesto, la peculiar idiosincrasia de Billy Wilder hacen de El Apartamento un clásico que gana con cada visionado.

Detective a la Fuerza

2011-09-08T12:17:00.007+02:00

The Bank Dick,Edward F. Cline,1940,EEUU,W.C. Fields,Grady Sutton,Una Merkel.

Para quien no conozca a Fields ésta es la mejor opción para hacerlo pues esta comedia pasa por ser para muchos la mejor película del cómico estadounidense.Originario del vodevil norteamericano,malabarista en sus inicios,con experiencia en el cine mudo,Fields construyó un álter ego borrachín que en este filme interpreta por penúltima vez y que lo consagró en la década de los 30 como uno de los más populares cómicos de su país.Detective a la Fuerza pertenece al período posterior a la grave enfermedad derivada del abuso de alcohol que Fields padeció y que,unida a su mala relación con los productores de Hollywood por su interés en gozar de libertad creativa,supuso un parón en su carrera cinematográfica.Por suerte,un anuncio en la radio y un programa exitoso en el mismo medio en el que polemizaba con una famosa marioneta de la época a la que movía el ventrílocuo Edgar Bergen,posibilitaron la vuelta al cine de Fields bajo el manto de la Universal,estudio que le pagaba un sueldo de estrella y que le permitió disfrutar de algo más de autonomía en el aspecto artístico.

Desde el seudónimo con el que firma el guión,Mahatma Kane Jeeves,proveniente de un juego de palabras,las intenciones del excéntrico humorista quedan claras y el humor absurdo domina la película constituyéndose ésta en una serie de situaciones apenas hilvanadas que se suceden a un ritmo veloz y dinámico culminado con una persecución deudora del cine silente;tan solo en el momento central durante el que una tenue trama parece dirigir la película decae la enérgica velocidad de esta disparatada aventura trufada de algunos gags magníficos,multitud de juegos verbales y,en definitiva,mucho sentido del humor.

El aspecto deteriorado que presenta Fields no es óbice para que escriba e interprete una sátira del puritanismo de la clase media norteamericana,de su materialismo y ya de paso cargar contra el sueño americano (el héroe consigue su posición no precisamente por esfuerzo) sin olvidarse de parodiar el propio mundo del cine.Para ello se rodea de algunos de sus habituales colaboradores:el estirado Franklin Pangborn,el simplón e inocente Grady Sutton o el mismo director del filme,Edward Cline,otro tipo con experiencia en la Keystone de Sennett al igual que Fields.

Puede que la película pierda interés fuera del contexto cultural e histórico en el que está situada pues las referencias a este son numerosas (a la época del cine mudo,el "Michael Finn" al que se alude en determinado momento es el combinado-narcótico Mickey Finn) además de ofrecer bromas muy personales de Fields como su afición por los nombres estrambóticos pero el conjunto mantiene un tono intemporal plenamente vigente hoy en día y más para los aficionados al humor surrealista.Los diálogos inteligentes (el tapón de la botella) y el slapstick siempre presente hacen que el espectador tenga que estar atento para no perderse ni una sola de las bromas que se muestran en pantalla tal es la sinergia de lo que se dice y lo que se hace por parte de los personajes.

Sin duda,Detective a la Fuerza es un filme que hay que ver más de una vez y es sorprendente que el héroe,un hombre que siente adoración por el alcohol,que engaña de manera sistemática y pega a los niños además de ser incapaz de hacer frente a cualquier otra obligación que no sea ir al bar,goce de todas nuestras simpatías y sea capaz de sortear el Código Hays,no ya solo por el final sino también por el asombroso hecho del nombre que lleva el antro donde pasa las horas nuestro protagonista,The Black Pussy (!).No es de extrañar que la figura de W.C. Fields tenga cierta aura de "anti-establishment".

La influencia que ha ejercido este cómico en otras figuras del género en cualquier campo de este se puede rastrear a través de diversos homenajes o reconocimientos más o menos explícitos:Woody Allen,Benny Hill,Goscinny vía Lucky Luke,los hermanos Zucker y Jim Abrahams...El revival que Fields disfrutó en los 60 queda ya lejano pero Detective a la Fuerza en la que todos los elementos se conjugan en aras de buscar hilaridad (la banda sonora compuesta de efectos de sonido cómicos y una funcional partitura de Charles Previn) demuestra ser un producto plenamente vigente que además de anticipar o desarrollar un tipo de humor absurdo que siempre ha gozado de seguidores consigue rendir tributo y revisar las descacharrantes persecuciones finales de la Keystone a las que Peter Bogdanovich también daría su sentido homenaje en ¿Qué me pasa,Doctor?...Bienvenidos al universo de W. C. Fields,mundo en el que los amantes del humor surrealista,los cinéfilos y los apasionados de la comedia,en especial de la silente podrán disfrutar a carcajada llena.

El Cabo del Terror

2011-09-04T11:26:00.007+02:00

Cape Fear,J. Lee Thompson,1962,EEUU,Gregory Peck,Robert Mitchum,Polly Bergen.

Thriller con tintes "noir" que es recordado,principalmente,por la composición que Robert Mitchum hace de uno de los grandes malvados del cine: Max Cady,un tipo lascivo y vengativo que domina la película ya desde el inicio de ésta con la presentación del personaje y su inmediata definición.Desde luego Mitchum borda,como ya hiciera años antes con su no menos siniestro Reverendo Harry Powell,su personaje vengativo.

Pero además El Cabo del Terror es destacable por su fotografía de cariz negro,obra del operador Sam Leavitt,la estupenda banda sonora de Bernard Herrmann en su estilo urgente y fogoso y,por último,la recia dirección del británico J. Lee Thompson quien pese a algunas situaciones forzadas e incluso tramposas (la persecución por el colegio) sabe dotar a la narración de un ritmo alto y logra construir algunas escenas de manera cercana al género de terror (la bajada por las escaleras de la madre) y a otras les imprime dosis de suspense (el mismo desenlace que transcurre en el río que da título al filme).En definitiva,el director partiendo de un guión efectista de James R. Webb que adapta una novela de John D. MacDonald,despliega un correcto ejercicio de suspense basado en el uso de la iluminación y la adecuada pulsión rítmica para presentar el tono de la narración,cargado de violencia y sexualidad.

Otra cuestión bien diferente es la visión ultraconservadora del filme que parece apoyar las tesis que propugnan que el ciudadano está desprotegido por las leyes y debe defenderse de cualquier manera frente a posibles amenazas.Sobre este particular es paradigmático que el personaje del abogado Sam Bowden,cuando deja de serlo se vea liberado para actuar en consecuencia,no sin antes haber intentado prevalerse de su amistad con el jefe de policía o de recurrir a métodos poco escrupulosos desde el punto de vista ético,aunque plenamente justificados a tenor de la narración,para conseguir su objetivo.El desenlace del filme no hará más que difuminar las diferencias entre los dos antagonistas pese a mostrarse como justificada la actitud de uno de ellos.La última etapa de la trayectoria profesional de Thompson-tan diferente a la inicial-con sus colaboraciones con Charles Bronson,parece confirmar este aspecto de ansia justiciera que en el caso de El Cabo del Terror anticipa toda la estirpe de vengadores que llegaría en la década siguiente.

En fin,quedémonos con los méritos técnicos y dramáticos del filme ya que se trata de un entretenido relato de suspense que se ha convertido en un clásico menor a caballo entre el cine negro y el de terror además de presentarnos a Max Cady,uno de esos malos que dan cuerpo al cine.

Tormenta Mortal

2011-09-01T20:27:00.006+02:00

The Mortal Storm,Frank Borzage,1940,EEUU,James Stewart,Margaret Sullavan,Frank Morgan.

Una de las primeras producciones de Hollywood de carácter abiertamente anti-Nazi y una de las pocas que trata el tema de manera contundente antes de la entrada de los USA en la II Guerra Mundial,Tormenta Mortal es un filme romántico de propaganda que despliega todo el estilo de Frank Borzage,director que en la actualidad ha quedado olvidado pero que en las décadas comprendidas entre los años 20 y mediados de los cuarenta,en especial a finales del mudo y principios del sonoro,gozó tanto de una enorme reputación como conocedor del medio cinematográfico y creador de un estilo reconocible -hasta el punto de denominarlo como "Toque Borzage"-,como de una gran popularidad que fue perdiendo paulatinamente con el transcurso del tiempo;su incuestionable éxito fue reconocido con la obtención del primer Oscar a Mejor Director allá por el año 1927 por El Séptimo Cielo.Borzage en aquellos tiempos se labró una trayectoria profesional en la que destaca su aportación en el campo del melodrama,género en el que se le reconoce como consumado maestro.

Precisamente Tormenta Mortal es un drama romántico en el que los amantes deben superar la adversidad,en este caso el auge del nazismo,que transita sin más por los cauces del género bajo la atenta dirección de Borzage quien consigue crear una atmósfera familiar y entrañable al principio del filme que se descompondrá paulatinamente con el advenimiento en el poder del Partido Nazi.Esta desintegración sirve como vehículo para denunciar el peligro del régimen comandado por Adolf Hitler de manera diáfana hasta el punto de citar el nombre de éste en la narración.Pero no es hasta el final del filme cuando este alcanza,desde el punto de vista técnico y emocional,una dimensión que va más allá de su fulgor propagandístico y se sitúa por encima de una fútil historia de amor.Es en el tramo último donde la película depara momentos magníficos como la ceremonia oficiosa de matrimonio realizada con una sensibilidad exquisita,la persecución por las montañas nevadas con su desenlace sorprendente y acorde con el espíritu subyacente a la narración (la alerta sobre un peligro que se cierne sobre el mundo) y la escena conclusiva cuya construcción basada en la conjunción de los elementos auditivos y visuales es reconocida y recordada por su calidad y emotividad.

El desenlace del filme además de demostrar el dominio que sobre el lenguaje cinematográfico tenía Borzage,permite superar tanto el aspecto envejecido del que adolece el relato,desde su vertiente visual hasta su avance narrativo,como el tono del melodrama y de película de propaganda política;ésta última cualidad es,quizá, el aspecto por el que Tormenta Mortal es mencionada en la actualidad ya que aunque no explique las causas del fenómeno si plantea la situación de los alemanes que no comulgaban con el ideario del nacionalsocialismo y advierte del peligro de la intransigencia del movimiento,siendo pionera en este sentido,eso sí,dentro de los presupuestos del cine comercial y romántico de la época.

La novela de Phyllis Bottome es aprovechada por Borzage para ahondar en sus preocupaciones estilísticas y temáticas y firmar un producto que ha pasado a la posteridad por su carga política completada por una historia romántica que supuso la cuarta y última colaboración de la pareja James Stewart-Margaret Sullavan,aquí arropados por un elenco de secundarios de prestigio:Frank Morgan,Maria Ouspenskaya,Ward Bond y un bisoño Robert Stack.

El Milagro de Ana Sullivan

2011-08-29T20:56:00.008+02:00

The Miracle Worker,Arthur Penn,1962,EEUU,Anne Bancroft,Patty Duke,Victor Jory.

Adaptación de la autobiografía en la que Hellen Keller explica la primera parte de su vida y,en especial,el encuentro y el comienzo de la relación con su maestra Anne Sullivan,vínculo que,por otra parte,se extendería hasta la muerte de ésta.El caso de Keller,historia de superación personal,se puede encuadrar en la propuesta de inclusión generada desde el campo pedagógico y que supera la de integración y,por supuesto,la de exclusión que dominaba la época en la que vivió la activista ya que desde las posiciones inclusivas,no ya solo en el terreno educativo concreto sino en el social,basadas en el principio de igualdad de oportunidades se propugna la participación plena de todas las personas en las actividades diarias de la sociedad (educativas pero también de empleo,de ocio,etcétera).En definitiva,se defiende el derecho a participar.

A partir del material original William Gibson escribió una serie de TV que después adaptó al teatro y posteriormente al cine y que le sirve a Arthur Penn para elaborar un ejercicio cuidado desde el punto de vista técnico y que huye del sentimentalismo,consiguiendo un filme bello,de ritmo pausado y de una dureza emocional considerable.Los indudables méritos de la película se amplían con las poderosas interpretaciones de Anne Bancroft y de Patty Duke,quienes retoman sus respectivos roles teatrales con una fiereza impresionante.

El Milagro de Ana Sullivan es el segundo filme de Arthur Penn,uno de los estandartes de la nueva corriente social y política que se abriría paso en el cine estadounidense hacia finales de los sesenta,no en vano este director proveniente de la TV y con experiencia en el teatro se convirtió en "trobador" de la contracultura americana con películas como La Jauría Humana(1966),Bonnie and Clyde(1967) y Pequeño Gran Hombre(1970).Aquí,después de dirigir la obra de teatro,firma un interesante ejercicio que en determinados momentos queda frío por su excesivo manierismo (algunos encuadres y composiciones) aunque,eso sí,estos instantes quedan subsumidos por la fuerza del filme y por los valores de éste:el empleo de algunos elementos con funcionalidad narrativa como los títulos de crédito o los "flash-back" que presentan o definen a los personajes exponiéndose su situación o sus motivaciones,además de la cuidada apariencia o el buen trabajo en la iluminación en blanco y negro de Ernest(o) Caparros,o la interesante partitura de Laurence Rosenthal,sin olvidar el mismo tema tratado,complicado de exponer de manera objetiva,sin apoyarse en su vertiente sentimental,y brete del que Penn sale muy bien librado.De hecho,la película alcanza cimas de tensión física-la recordada escena de la comida- que demuestran la poca concesión a la sensiblería y el intento por mostrar el drama tal cuál es.A este respecto la dura (auto)exigencia de la maestra Sullivan se conforma como fuerza central de la historia.

Película interesante y dura tanto por el tema como por la forma de tratarlo y que probablemente no haya nadie a quien deje insensible dado su alto contenido emocional y que constata que el principio de inclusión social continúa estando de rabiosa actualidad,a pesar del avance innegable sobre la cuestión.

Pinocho

2011-08-25T21:00:00.010+02:00

Pinocchio,Hamilton Luske & Ben Sharpsteen,EEUU.

El segundo largometraje animado de Walt Disney,alumbrado bajo el paraguas del tremendo éxito comercial del primero-Blancanieves y Los Siete Enanitos,1937- que permitió sufragar los enormes costes de producción del proyecto,supuso un viraje hacia el lado más oscuro del estudio no tanto por sus afanes moralizantes sino por el estilo desplegado.Otra vez se recurre a una adaptación lejana de un cuento para niños,en esta ocasión obra del italiano Carlo Collodi,de nuevo el proceso de producción se alarga durante años y los costes del mismo se disparan hasta alcanzar cifras astronómicas para la época pero todo en aras de conseguir que las películas de dibujos animados puedan alcanzar un estatus de cine serio,cruzada por la dignificación del género que Walt Disney estaba empeñado en librar.De hecho y al igual que en su antecesora,las influencias de otros filmes quedan patentes en Pinocho respecto a composiciones e iluminación por ejemplo.

Para muchos la obra maestra del estudio,esta fábula moral pasada por la batidora Disney construye a través de su notable diseño de producción un relato cercano al terror y alejado de los niños en muchos aspectos.No son pocos los que recuerdan el crecimiento de la nariz,la jaula en la que es encerrado el protagonista,la transformación en burro de algunos compañeros del mismo o la parte final de la ballena con sentimientos de temor o como inquietantes evocaciones.El desasosiego se completa con el dibujo:el cuidado en la proyección de las sombras,los fondos al óleo y la técnica empleada que logra que todos los elementos transmitan la sensación de pintura animada dotan a Pinocho de un tono más "sucio" y siniestro que su predecesora.La galería de villanos que se despliega es igualmente alarmante y además de mecer el destino del héroe hasta la última parte del filme,contrabalancea los personajes más almibarados como el Hada mariana o la mascota Cleo.Mención aparte merece Pepito Grillo,una de las personalidades más famosas de Disney que desempeña una vis cómica y simpática eficaz.

El regimiento de colaboradores del estudio que consiguió que Pinocho fuera una realidad y que significara un paso más en la exploración del territorio de la animación,desarrolló durante años un trabajo que,hoy día,se toma como modelo y ejemplo en su campo.Sin contar el reconocimiento universal que le ha otorgado el gran público demostrado mediante la exitosa carrera comercial del filme,si bien esta comenzó con mal pie fundamentalmente por dos causas:como consecuencia de la II Guerra Mundial el mercado exterior a los EEUU estaba muy restringido y por sus altos coste de producción,en torno a los 2'5 millones de dólares.En la actualidad es innegable la influencia que sobre varias generaciones ha desplegado la factoría Disney y Pinocho no es la excepción a la regla perteneciendo las andanzas del niño de madera al imaginario colectivo sin ningún género de duda.

Pinocho además de continuar desarrollando la técnica de la cámara multiplano para dotar de profundidad a lo que acontece en la pantalla,despliega una construcción de ambientes y personajes más profunda que su antecedente Blancanieves y prosigue con la atención en los juegos de iluminación presentando fondos más barrocos-destacando el pueblo de fuerte acento expresionista- para narrar una historia plagada de elementos que causan desazón (la feria de la Isla del Placer,el teatro de marionetas o el mismo Pinocho con su gorro tirolés o,¿ por qué no? su creador Geppetto,rodeado de infinitos relojes en lo que podría ser una característica de una conducta un tanto extraña) .Además esta producción fue pionera en utilizar voces de personalidades famosas:Walter Catlett puso la suya para el Honrado Juan y Cliff Edwards-que acabó muriendo arruinado después de una exitosa carrera como cantante hizo lo propio con la voz de la conciencia,Pepito Grillo, entonando uno de los temas más celebrados no ya solo del filme sino del estudio,When You Wish upon a Star,galardonada con el Oscar,premio que también recibió la banda sonora.

La segunda experiencia animada de Disney en la larga duración es una parada obligatoria no ya solo para los admiradores del estudio sino para los seguidores del cine de animación en general y ello por sus avances técnicos y la creación de una atmósfera perturbadora en ocasiones,a pesar de un desarrollo argumental episódico y un último tramo en el que el héroe,un niño"neutro" por no decidir por sí mismo ya que se lo presenta a merced de los demás,toma las riendas en una recordada peripecia que no tiene el ritmo ni consigue generar el desasosiego de las anteriores pero cuyo mérito en la animación es incuestionable.

Cautivos del Mal

2011-08-18T21:27:00.008+02:00

The Bad and The Beautiful,Vincente Minnelli,1952,EEUU,Kirk Douglas,Lana Turner,Walter Pidgeon.

Ejercicio de cine sobre cine repleto de guiños para cinéfilos que lo convierten en un entretenido juego para reconocerlos,Cautivos del Mal se encuadra en la revisión que sobre el mundo de Hollywood realiza el propio Hollywood en la primera mitad de la década de los 50:El Crepúsculo de los Dioses (1950),Cantando bajo la lluvia (1952),la segunda versión de Ha Nacido una Estrella (1954),son ejemplos de la exposición de las entretelas o del análisis más o menos crítico que desde el interior planteaban los integrantes de la industria.

Producto elaborado con un cuidado diseño de producción en el que destaca la labor del sempiterno Cedric Gibbons en la dirección artística y un sobrio guión de Charles Schnee que adapta una historia corta aparecida en una revista estadounidense para mujeres,Cautivos del Mal es una brillante disección del universo íntimo del celuloide:las relaciones que se establecen entre los profesionales del sector,las diferentes labores de muchos de ellos quedan descubiertas,en definitiva,la atmósfera del mundillo queda retratada en esta película sobre cine.La obra avanza mediante una construcción prodigiosa del personaje central estructurada en "flashbacks",cuál cine negro clásico se tratara,a través de los cuales cada persona que se ha relacionado con aquél ofrece su visión sobre el mismo.Pero no sólo se nos completa con cada segmento la personalidad del personaje-un productor amoral capaz de todo por cumplir sus sueños pero talentoso y enérgico- sino que también se nos muestra el proceso de producción de un filme pero,eso si,todo ello envuelto con las características del melodrama,aunque por momentos la narración funciona como documento en cuánto a la construcción de una obra cinematográfica de tal modo que el tono documental parece mayoritario.En este sentido,la película deja testimonio no ya solo de los entresijos de los rodajes sino también de las fases de pre y de posproducción así como se encarga de destapar las miserias de Hollywood en particular y de la condición humana en general mediante ese estupendo personaje central interpretado por un fantástico Kirk Douglas:su Jonathan Shields es un ser implacable,ambicioso y egoísta,megalómano,aprovechado pero también es un tipo con encanto,con mucho talento y dotado de una exuberante energía y que,¿siente verdadero amor por el cine,no?.Esta complejidad determina su presencia "ausente" en la vida de los demás,el deseo del resto de apartarse de él pero también el sentimiento de atracción hacia su magnetismo personal algo que se acrecienta con el beneficio que todo el mundo consigue al estar cerca de él.Los sentimientos del resto de protagonistas respecto al personaje central quedan determinados por la ambigüedad de este.La composición del productor,una suerte de álter ego de David O.Selznick,la estructura narrativa y la funcionalidad de las subtramas románticas,entre otros aspectos,posibilitan que el excelente guión de Schnee se convierta en propicia tierra de labranza para ser cultivada por Vincente Minnelli,posiblemente más que un "artesano" cuya trayectoria profesional es recordada,fundamentalmente,por sus musicales.El director otorga al producto final su particular estilo clásico en el que los decorados y sus elementos aportan sobre la personalidad del personaje,la iluminación juega otro papel determinante (la famosa escena del coche que repitió años más tarde en Dos Semanas en otra Ciudad y la antológica en la que Shields proclama que es mejor sugerir que mostrar) y el trabajo con la cámara y sus movimientos es relevante pero no efectista (el inicio con la presentación del director en el set de rodaje,es ejemplo paradigmático).

Magnífico filme sobre Hollywood,realizado por y desde Hollywood y en el que como se apuntó al principio se puede jugar a reconocer a David O.Selznick,Val Lewton y su célebre La Mujer Pantera,Alfred Hitchcock (su trasunto está interpretado por uno de sus actores asiduos,Leo G.Carroll) y su esposa Alma Reville o a Von Stroheim...todo un homenaje a la industria que muestra una mirada cítrica en ocasiones pero humana la mayoría,destilando como resultado un gris símbolo de la complejidad humana representada en Jonathan Shields,un tipo al que quizá se debería odiar aunque ni sus propias víctimas parecen poder hacerlo...por algo será.

Las Uvas de la Ira

2011-08-15T13:39:00.009+02:00

Grapes of wrath,John Ford,1940,EEUU,Henry Fonda,Jane Darwell,John Carradine.

Durísima película que adapta la no menos dura novela homónima del Nobel de Literatura John Steinbeck.El excelente relato literario,ganador del premio Pulitzer,describe los efectos de la Gran Depresión de los años 30 en la América rural centrándose en el éxodo de los granjeros del estado de Oklahoma hasta el de California en busca de empleo tras perder sus granjas a causa del fenómeno conocido como Dust Bowl,efecto consustancial del sistema económico que aún hoy en día parece que hemos elegido como el más deseable para vivir.Tanto la obra literaria como la cinematográfica gozan de plena vigencia en la actualidad y no únicamente en su vertiente económica sino también en el aspecto ecológico (¿ cómo hacer uso de la tierra?,¿ cómo ayudar a los paises del Tercer Mundo a que se desarrollen sin caer en los mismos errores que los paises "avanzados"?en fin,¿ cómo conseguir la menor erosión de la tierra inherente a la práctica de la agricultura o evitar la cada vez mayor vulnerabilidad de las superficies agrícolas por la generalización de monocultivos?-según un informe de la Organización para la Agricultura y la Alimentación (FAO) del año 2006,el arroz y el trigo alimentan,ellos solitos,a la mitad de la humanidad-).El Dust Bowl agravó las consecuencias de la Gran Depresión para todos aquellos granjeros que sin posibilidad de cultivar la tierra,es decir,de generar ingresos con que pagar las hipotecas de sus granjas,se vieron obligados a dejar éstas (les suena?) y emigrar hacia zonas con mejores perspectivas laborales si es que las había con aquella coyuntura económica (esto quizá también les recuerde algo).

Steinbeck quedó muy satisfecho con la película a pesar de que su obra queda despojada de parte de su mensaje político y del cambio estructural que sufrió para hacerla más llevadera y optimista para el público y de paso salvar a la censura y pese a obviarse en el tratamiento cinematográfico,obra de Nunnally Johnson,algunos detalles del libro.No obstante,la película consigue captar la crudeza del original apoyándose en la magnífica fotografia naturalista de Gregg Toland que basó su iluminación en el trabajo de,entre otros, Dorothea Lange y Walker Evans,fotógrafos "oficiales" de la Depresión en USA y,sobre todo,por el absoluto lirismo de John Ford,un director con una especial sensibilidad visual.Precisamente a Ford,hijo de emigrantes irlandeses,le interesó sobremanera el hecho de que los protagonistas tengan que abrirse camino dejando sus tierras,circunstancia familiar para él por lo acaecido con sus progenitores,aunque también ciertos elementos de la novela son temas recurrentes en su filmografía:el amor a la tierra,el protagonismo de la familia o la lucha contra la adversidad.Pionero legendario del Séptimo Arte y considerado un tipo duro,Ford describe con exquisita emotividad el éxodo de los campesinos,sólo hay que recordar momentos como el protagonizado por la caritativa camarera y sus clientes camioneros o la escena en la que la matriarca del clan,encarnada por Jane Darwell, actriz con trayectoria en el mudo como demuestra en su interpretación galardonada con el Oscar,prepara la marcha de su hogar:todo un prodigio narrado sin diálogo,así como también es relevante en este sentido la entrada en el campamento de inmigrantes:con un "travelling" subjetivo Ford nos muestra las miseras condiciones de vida del lugar.

Muestra del cine social americano,que también lo hay,la película supuso un éxito de público y crítica,aunque con algunos matices por su visión izquierdista,y está considerada entre lo mejor de la importante filmografía de su director.John Ford crea composiciones de elevada factura visual sin dejar por ello de plasmar la terrible coyuntura acaecida y mediante un ritmo vigoroso narra el periplo de la familia Joad.Cuestión aparte es el decepcionante final del filme,no ya por el descenso emocional o del ritmo en su última parte,sino también por el monólogo recitado por Henry Fonda como si de un poeta idealista fuera en lugar de un tipo que ha comprendido la situación y ha decidido luchar,y lejos de terminar en este punto el relato,hecho que dotaría a la obra de una conclusión lógica y valiente,se añade un discurso final innecesario y,al parecer,rodado por el productor Darryl F. Zanuck.A este respecto no está claro si Ford estaba o no de acuerdo con este colofón pero hay que resaltar que ambos habían trabajado juntos con anterioridad y recaía sobre el productor generalmente la posproducción,es decir,la fase de montaje,a no ser que el propio Ford considerase el proyecto como muy personal.De lo que se puede colegir que si el director ya estaba de vacaciones con su barco en esta etapa de la producción no consideraba el proyecto en tan alta estima como El Delator o El Hombre Tranquilo.Esto no es óbice para que John Ford imprimiera su sello personal al filme:uso del paisaje,exposición de la fuerza del grupo familiar,composiciones con planos generales,importancia de la iluminación en las escenas interiores (con la inestimable ayuda de Toland que era capaz de pasar del barroquismo de Cumbres Borrascosas al documentalismo exhibido aquí)...además se rodeó de muchos de sus colaboradores habituales tanto en el reparto (el notable John Carradine,Ward Bond o Russell Simpson eran miembros de la Stock Company,el grupo de intérpretes que trabajaron con Ford de manera asidua) como en el apartado técnico (su hermano Edward ejerció labores de ayudante de dirección).

En suma,importante película social de absoluta vigencia y que debería ser de visión imprescindible por los tiempos que corren y por su atemporalidad dada su temática pero también desde su envoltura visual tiene algo que decirnos tanto por ser muestra de la labor de uno de los más reconocidos operadores de la historia-Gregg Toland- como por disfrutar de la asombrosa ternura que era capaz de transmitir uno de los más importantes directores de siempre-John Ford- sin perder un ápice de realismo y de crudeza.

Casablanca

2011-08-12T17:11:00.006+02:00

Casablanca,Michael Curtiz,1942,EEUU,Humphrey Bogart,Ingrid Bergman,Paul Henreid.

Punto de encuentro de cinéfilos y encrucijada de mitómanos la producción de Hal B. Wallis para la Warner,una de tantas relacionadas con la guerra que los estudios produjeron en la primera mitad de los cuarenta,se convirtió sin que la inmensa literatura que ha derivado de ella lo pueda explicar con certeza en una de las obras emblemáticas del cine.Casablanca aparece en -casi- todas las listas de mejores películas otorgándole el honor de ser algo más que una película,un auténtico mito del siglo XX.Con multitud de frases que forman parte del imaginario colectivo y un argumento que apela a valores intemporales el exitoso itinerario de Casablanca por la cultura popular es de sobra conocido y quizá se haya convertido en una obra sobrevalorada pero que ha traspasado una línea que pocas películas han conseguido rebasar.

Melodrama romántico por encima de todo aunque disfrazado de relato de aventuras por su contexto pseudo-exótico y su trama de espionaje político,la película rezuma clasicismo sobrio servido por el prolífico director de origen húngaro Michael Curtiz,uno de los más reputados "artesanos" de aquel Hollywood,quien sabe imprimir un ritmo ágil a la narración y mediante una práctica planificación consigue introducir las claves de la historia con una asombrosa eficacia:el ambiente,los personajes y el marco de la acción quedan definidos con precisión en apenas unos minutos.Y es que Curtiz era un director eficiente que podía ponerse al frente de casi cualquier proyecto que le encomendaran.Pero Casablanca es ejemplo de cine de estudios:maquinaria engrasada y encajada a la perfección en la que todas las piezas cobran relevancia para aportar en el funcionamiento del producto...Arthur Edeson construye una reconocida atmósfera de aventura con aroma "negro" con sus luces y sombras,Max Steiner,según el prestigioso Michel Chion,consigue dar cohesión y unidad a la partitura respecto a la narración con música exótica de tinte oriental al inicio,logra la estructuración del relato a partir de un "leitmotiv" (As Time Goes By) que se asocia a la felicidad de la pareja de enamorados e,incluso,se permite un uso partidista de himnos nacionales (La Marsellesa),el puñado de guionistas acreditados (los hermanos Epstein y Howard Koch) y no acreditados descubren frases imperecederas en un contexto en el que se tratan aspectos morales siempre candentes y el reparto está formado por un surtido grupo de secundarios de primer nivel (Lorre,Greenstreet,Sakall y,por supuesto,Claude Rains) y por una estrella cedida por Selznick (Bergman) y un mito que se alejaba definitivamente de los papeles de gángster (Bogart).

Además de que el engranaje de los estudios funcionara de manera admirable o, precisamente por ello,la Warner organizó la "premiére" de la película a los pocos días de producirse el desembarco aliado en el norte de África con lo cual la opinión pública ya estaba familiarizada con el nombre de la localización y,completando la operación comercial,la estrenó casi coincidiendo con la celebración de la cumbre anglo-estadounidense en la ciudad de...Casablanca!!!todo un movimiento digno de un estratega militar y que garantizó el éxito inminente de la producción que llegó a recaudar el triple de sus costes en poco tiempo.La carrera comercial se vio recompensada con tres de los Oscar más importantes:Película,Director y Guión;unos logros totalmente imprevistos por los más optimistas del estudio ya que Casablanca era una producción con un presupuesto moderado inserta en el contexto de cine de propaganda de la época y que además tuvo un rodaje sujeto a multitud de avatares entre los cuales cuenta la leyenda la improvisación en su guión.

En cualquier caso la película es una de las obras románticas por antonomasia y desarrolla un triángulo amoroso en un marco político por el que se desenvuelven personajes más o menos estereotipados y un protagonista cuasi-absoluto construido de manera brillante:Rick Blaine,un anti-héroe duro y sensible,idealista íntegro bajo su coraza de cínico y desilusionado;a su alrededor gravita todo el relato con sus distintas pequeñas historias y los demás caracteres entre los que destaca el partidista y ventajista Capitán Renault cuya relación con aquel es uno de los aciertos del filme.

Los sentimientos yacentes en la historia,íntimos y privados,como son el amor,el deber y,en especial,el sacrificio personal ejemplificado en el Blaine de Bogart,héroe ético que todos quisiéramos ser,pueden ser los factores que hacen de esta aventura de y en estudio (por aquello de ser rodada casi completamente en los "set" de la Warner y por aquello de ser un producto del período en el que el cine americano funcionaba bajo el modelo conocido como "sistema de los estudios") el mito en que se ha erigido.Independientemente de la mezcla de géneros y el valor técnico del filme o de las interpretaciones más o menos acertadas que se han hecho del mismo,hay un elemento misterioso que otorga al producto un valor añadido para muchos aficionados y profesionales del cine que continuamente le rinden tributo,a este respecto véase Sueños de un Seductor.

Fantasía

2011-08-01T19:54:00.010+02:00

Fantasia,Ben Sharpsteen (Supervisor),1940,EEUU.

El primer largo animado en color de la historia,Blancanieves y Los Siete Enanitos,fue conocido como la "locura Disney" durante su larga producción pero su espectacular éxito permitió sufragar la siguiente idea de Disney,Pinocho,y este auténtico atrevimiento que es Fantasía.El vivero de las Sinfonías Tontas,aquellos cortos animados que la Disney realizaba en los años 30,sirvió para experimentar con la "síncresis" (asociación entre un sonido y un hecho visual sin ninguna relación entre ellos de tal modo que se produce la sincronización música-objeto) que concluye de alguna manera en Fantasía: varios segmentos animados independientes pero relacionados con distintas piezas de música clásica cada uno de ellos.Algo como se puede intuir tremendamente avanzado para 1940.

Tan adelantado estaba el concepto como el medio de llevarlo a cabo pues Fantasía es la primera película de la historia en ser exhibida con sonido estereofónico,toda una experiencia envolvente para la época.Una experiencia visionaria pues únicamente una docena de cines podían reproducirla en los EEUU,tal era la novedad del equipo necesario para su exhibición (bautizado por el propio estudio como Fantasound),un sistema cuyo alto coste de instalación fue obstáculo para la difusión de la película hasta el punto de que al año siguiente de su estreno la distribuidora,RKO,decidió presentarla en versión mono.Si a las dificultades de su divulgación en el momento de su estreno unimos los elevadísimos costes de producción (más de 2 M de dólares) y la imposibilidad de comercializar la obra en Europa a causa de la II Guerra Mundial obtenemos como resultado el parcial éxito del filme,parcial porque las críticas fueron positivas,el público fue a verlo pero no recaudó lo suficiente como para rentar monetariamente...al principio ya que en sus sucesivas reposiciones se constituyó en éxito mundial.Incluso en los 60 se consideró a Fantasía un viaje alucinógeno y la gente la veía bajo los efectos del ácido o la marihuana (imagino que por aquello de la conjunción del color,la música y el dibujo animado).

Por tanto,estamos ante una película que significó una innovación en el campo de la animación,continuando la estela de Blancanieves, pero también en el del sonido con su estéreo que permitía disfrutar de las composiciones de Bach,Tchaikovsky,Ponchielli, Dukas,

Mussorgsky,Stravinsky,Schubert y Beethoven. Esta revolución se vio coronada con la consecución de dos Oscar especiales,uno para Disney y asociados y otro para el conductor de orquesta Leopold Stokowski.La temeraria "cinesinfonía" en que se convierte Fantasía consta de segmentos desiguales que abarcan desde el clasicismo Disney del Aprendiz de Brujo hasta el sombrío semblante del demonio Chernabog-uno de los malvados de Disney más reconocidos y,sin duda,más siniestros, obra de Bill Tytla- pasando por el divertidísimo ballet de La Danza de las Horas con sus cocodrilos e hipopótamos.Pero también se incluyen una original presentación de la mismísima banda sonora y un segmento con dibujos abstractos para comenzar que ya puede inducirnos a intuir que se inicia una película diferente,muy diferente,y desde luego,no solo para niños;hecho que se puede corroborar también con el fragmento,acompañado de una versión resumida de La Consagración de la Primavera,de la extinción de los dinosaurios.Aunque la parte prescindible nos viene con la Pastoral de Beethoven escenificada con referencias a la mitología griega y que nos recuerda lo peor del estudio (y que además venía servida con controversia por supuesto racismo implícito que dejamos de lado).

El innovador concepto que se llevó a término con la colaboración de un tropel de animadores y que pretende dignificar el campo de la animación,bebe del clasicismo Disney pero tomado de las Sinfonías Tontas y no de edulcorados productos posteriores,y se originó en el corto protagonizado por el ratón Mickey,la primera estrella del estudio,personaje que se encontraba en horas bajas respecto a su popularidad.Este segmento concebido como una historia individual del simpático ratón al alcanzar una cifra elevada de costes que dificultaban su rentabilidad económica propició que Disney se decidiera a completar un largometraje con diferentes historias animadas independientes entre sí y acompañadas como la aventura de Mickey con una pieza de música clásica.No obstante el intento,ya quedó explicado más arriba el inicial tropiezo económico del experimento,fiasco que obligó a Disney a descartar su idea de rehacer Fantasía cada poco tiempo con nuevas historias que se incorporarían a algunas que quedarían fijas en sucesivas versiones...el concepto fue retomado 60 años después con Fantasía 2000,revisión que mantiene el fragmento del Aprendiz de Brujo.

Fantasía es una de las producciones animadas de Disney más curiosas y a pesar de los años transcurridos-puede que en el segmento inicial se note el paso del tiempo y las líneas abstractas parezcan muy arcaicas o simples- o de los altibajos entre sus diferentes historias,su visión es muy recomendable;todo una celebración en la que la animación y la música se dan cita para disfrute de mayores y -algunos-pequeños.

Crimen Perfecto

2011-07-29T18:05:00.008+02:00

Dial M for Murder,Alfred Hitchcock,1954,EEUU,Ray Milland,Grace Kelly,Robert Cummings.

Adaptación escrita por el mismo Hitchcock de una exitosa obra de teatro de Frederick Knott,Crimen Perfecto es otra demostración del absoluto dominio que del medio cinematográfico tenía el realizador inglés.Para muchos obra menor,esta película prologa el inicio del período dorado de Hitchcock que otros tantos sitúan en su siguiente film:La Ventana Indiscreta.Pero antes el maestro se entretiene en un ejercicio cuyo resultado fue subestimado por él mismo pero no por el público de la época ni por el posterior ya que la obra goza de cada vez mayor consideración.

Crimen Perfecto está rodada en 3-D por decisión del productor,Jack Warner,pero proyectada principalmente en versión bidimensional ya que el invento no tuvo excesivo éxito en los '50 (no como en los tiempos que corren),de hecho fue rápidamente abandonado y se vio superado por el Cinemascope y,respecto a la Warner en particular,por la apuesta que esta hizo por las incursiones televisivas cuyo rendimiento comercial fue sensiblemente superior a las producciones rodadas en tres dimensiones.Pero no son los segmentos exhibidos en este sistema tan en boga hoy en día (el cine siempre intenta atraer espectadores y más cuando sufre una feroz competencia,la TV a mediados del siglo pasado,las TIC en la actualidad) los que hacen que el filme consiga un resultado interesante sino que son la extraordinaria planificación y su consecuente ejecución las que elevan la calidad del relato.

Uno de los temas habituales de Hitchcock que podríamos definir "como la mujer en peligro" es desarrollado aquí con algunos de sus acostumbrados estilismos (posicionamientos de la cámara,planos detalle-como curiosidad construyó un enorme teléfono y un dedo gigante de madera para poder rodar un plano de este tipo con el sistema 3-D-,transparencias) y con un asombroso cuidado del detalle ejemplificado en la introducción sutil de objetos que serán clave en la solución del relato.Pero sin duda la cualidad que otorga la condición de notable a esta película es la construcción y el mantenimiento del suspense de una acción que se desenvuelve en,prácticamente,un único escenario,de tal modo que nuestra atención queda captada en una escrupulosa unidad escénica,algo con lo que Hitchcock ya había experimentado en La Soga.En esta ocasión la narración sucede fuera de ese escenario principal en que se constituye la sala de estar de los Wendice sólo en un par de planos que muestran la entrada y salida de un personaje de la casa,en la secuencia de tono onírico del juicio rodada jugando con los efectos del color sobre el fondo-una suerte de ensayo para su obra maestra Vértigo- y en la cena que transcurre en el club,otro ejemplo de control del suspense.Fuera de esto,los hechos acaecen en el salón del que es mostrado en las primeras escenas como matrimonio feliz,interpretado por un sobresaliente Ray Milland y una eficaz Grace Kelly.

A Crimen Perfecto se le debe reconocer su extraordinario mérito ya que consigue que el espectador permanezca atento aún desvelando quien es el villano en los primeros minutos de la narración;un malo que copa casi todos los planos del filme y que casi me atrevería a decir que goza de más simpatías que el resto de personajes y a la cena-coartada me remito:el suspense se crea cuando parece que no puede llevar a término sus planes y la mayoría de los espectadores estamos intranquilos porque no puede realizar la llamada en un brillante ejercicio de manipulación de Hitchcock,realizador que descubrió como activar los resortes de la emoción en el cerebro humano.Además la película se despliega a buen ritmo y su evidente origen teatral plasmado en los-a veces-numerosos diálogos y la citada unidad espacial no son óbice para fijar ese interés.

El suspense domina la historia aún cuando se produce una vuelta de tuerca en la misma que abre nuevas posibilidades y permite al publico distanciarse del hierático Tom y comenzar a padecer por su bella esposa.Es asombroso como a partir de un simple relato de misterio Hitchcock construye un filme a reivindicar y que cada vez que se revisa deja un poso de buen cine al observar el dominio que del medio despliega el director quien demuestra que se encontraba ya en plena madurez artística.

Rebeca

2011-07-23T22:51:00.006+02:00

Rebecca,Alfred Hitchcock,1940,EEUU,Laurence Olivier,Joan Fontaine,George Sanders.

El debut de Hitchcock en Hollywood de la mano de David O. Selznick terminó siendo una adaptación de la exitosa novela homónima de la escritora Daphne du Maurier en lugar del proyecto inicial previsto de rodar un film sobre el Titanic.El inicio de la andadura americana no pudo ser mejor para el genial director ya que obtuvo un sonado éxito comercial y de crítica,culminado con el reconocimiento en la ceremonia de los Oscar al lograr el galardón a la Mejor Película y a la Mejor Fotografía junto con un porrón de nominaciones;Rebeca compitió con la siguiente obra de Hitch,Enviado Especial,en la categoría de Mejor Film ya que Selznick pospuso el estreno de la película para que no coincidiera con su propia producción del año anterior Lo Que El Viento Se Llevó.Esta no fue la única treta que el avispado productor puso en liza ya que en un intento por publicitar el filme como ya hiciera en Lo Que El Viento Se Llevó,comenzó a realizar pruebas a numerosas actrices para encarnar el papel de la segunda mujer de Maxim de Winter.Fue Joan Fontaine la escogida (aún antes del "casting" Hitchcock ya lo tenía claro) y con este rol despegó su carrera que hasta entonces había desarrollado con papeles secundarios (Gunga Din,1939)...Fontaine nos regala una admirable interpretación,digna del mayor de los elogios,con una expresión corporal y unas miradas que ayudan a definir el personaje a la perfección,sabiendo transmitir todas las emociones que siente.

Con un elevado presupuesto Hitchcock desembarca en Hollywood y firma un cuento gótico en el que cobra relevancia la construcción de la atmósfera opresiva y tensa en que se convierte el amenazador entorno de la mansión familiar para el personaje sin nombre de Fontaine.En ello tiene que ver la elaboración de Manderley (antecedente de la Xanadú de Kane),la casa de los De Winter,presentada como un castillo encantado aislado que nos es introducido con un travelling inicial excelente.Rebeca es una historia romántica de fantasmas contada con soltura técnica por Hitchcock (el mencionado travelling,el contrapicado desde el acantilado con el punto de vista subjetivo de Max de Winter) aunque sin tomar la iniciativa de manera clara en este sentido quizás por la presencia de Selznick,un productor que se entremetía en todos sus rodajes.La mixtura de los caracteres de las dos personalidades,productor y director,deparó un ejercicio de tensión psicológica interesante a pesar de un deslucido último tramo pero el sello de Hitchcock está presente,aún siendo un filme alejado de sus habituales presupuestos,en la construcción de los personajes,la atención del detalle y escenas como la inicial y/o la de la confesión del personaje encarnado por un notable Olivier .

Adaptación fiel por empeño de Selznick de la obra de la escritora inglesa-es curioso como la primera película en Hollywood de Hitchcock esté basada en un libro inglés y está protagonizada por intérpretes también ingleses-aunque con significativos cambios para cumplir con los mandamientos del Código Hays y concluir con el debido "Happy Ending",Rebeca se desarrolla como una especie de cuento de hadas con una bruja siniestra,uno de los personajes más amenazadores de la historia del cine,la tétrica Señora Danvers,Judith Anderson en una gran composición,que le hace la vida imposible a la princesa del relato.

Historia gótica aunque se desenvuelve en el siglo XX,con un ambiente angustioso,más bien una película de época que deriva en su apresurado final en relato policial y que sirvió de punto de partida al periplo americano de Hitchcock si bien en esta ocasión no contó con total libertad sobre el producto final si pone en liza algunos de sus elementos característicos tanto temáticos (la culpa,la mujer amenazada) como estético-técnicos (movimientos de cámara,uso de transparencias,punto de vista subjetivo,plano detalle).

Astucia de Mujer

2011-07-18T18:01:00.007+02:00

Jeopardy,John Sturges,1953,EEUU,Barbara Stanwyck,Ralph Meeker,Barry Sullivan.

Producto de bajo coste que se sitúa en las antípodas del ideario de su productora,la MGM,el estudio con más querencia hacia el espectáculo lujoso y que en los años de producción de este filme se inclinaba por filmar en Cinemascope y utilizar el rabioso Metrocolor,además de intentarlo brevemente con el 3-D.

Con pocos medios el artesano John Sturges firma un relato correcto en cuanto al planteamiento de la decisión moral a la que debe hacer frente la protagonista y respecto a la construcción del suspense.Mucho tiene que ver en ello el primer tramo del filme en el que se nos presenta de manera acertada el aislamiento y la soledad del lugar adonde se dirige la feliz familia protagonista para pasar sus vacaciones:el tiempo que se toma en mostrar el largo recorrido y la presentación de escenarios cada vez más alejados de la "civilización" (el inicio por autopistas desemboca en caminos de tierra que cortan paisajes agrestes y solitarios) consiguen marcar la línea de la posterior tensión.El presupuesto escaso no es óbice para que Sturges consiga dotar a esta primera parte de la narración de un tono semidocumental y para que extraiga rédito de los paisajes naturales y extremos,características,por otra parte,habituales en su filmografía.

La frase publicitaria de la película ("Ella lo hizo porque su miedo era más grande que su vergüenza") ofrece pistas sobre el dilema moral planteado a la protagonista,una notable Barbara Stanwyck (nadie fuma como ella!) y ya nos sugiere el tema principal propuesto:las reacciones de las personas ante situaciones extremas.La resolución de la escena en la que se revela ímplicita la decisión de la mujer se eleva con la actuación de la Stanwyck que transmite vulnerabilidad y entereza a un tiempo.Acompaña a la actriz un actor que se quedó por el camino pero con presencia innegable,Ralph Meeker.

Astucia de Mujer,basada en una obra para la radio,logra sin alharacas entretener y ello pese a algún fallo de continuidad monumental pero la fotografía nítida de Victor Milner,la interpretación de Barbara Stanwyck (y eso que estaba ya a medio camino hacia la TV) y la sobria dirección de John Sturges que sabe integrar al paisaje como personaje de la narración amén de lograr introducir certeramente los elementos que van a servir de base para la tensión de la historia hacen de esta breve película una obra que se puede ver y que comienza como una afable aventura familiar para virar hacia un relato con una carga sexual soterrada importante.

Luna Nueva

2011-07-16T18:14:00.010+02:00

His Girl Friday,Howard Hawks,1940,EEUU,Cary Grant,Rosalind Russell,Ralph Bellamy.

Luna Nueva es la segunda adaptación de la obra de teatro de Ben Hecht y Charles Mc Arthur y puede que sea,con permiso de la versión de 1974 firmada por Billy Wilder (Primera Plana),la más reconocida;su consideración como una de las grandes comedias clásicas,en cualquier caso,está fuera de toda duda.

Apoyándose en un guión de Charles Lederer,el versátil Howard Hawks con su estilo natural,ágil y rápido que la Nouvelle Vague entronizó en los años 60,consigue desde la primera secuencia anticipar el ritmo que domina la mayor parte del filme:el movimiento continuo ("Para mí una película motion picture es,ante todo,motion",decía el propio Hawks) y el diálogo trepidante conducen la historia bajo un ritmo vertiginoso.No en vano,la película es recordada por sus diálogos y conversaciones simultáneas conseguidas con el uso de varios micrófonos que eran encendidos y apagados por el técnico de sonido.La velocidad que desarrolla el filme se constata desde la entrada del personaje interpretado por Rosalind Russell (el más importante de su filmografía) en la oficina del periódico y su primer encuentro con su ex-editor y ex-marido,un estupendo Cary Grant,un actor que dominaba el género de manera sublime y que compone un personaje amoral que no duda en emplear cualquier táctica para conseguir lo que pretende.

Elemento clave en esta versión es el cambio de sexo que decidió Hawks:el tornar el personaje masculino de Hildebrand en femenino,Hildegard,y de rebote el del prometido de ésta (un soso vendedor de seguros encarnado por Ralph Bellamy que repite un papel similar al de La Pícara Puritana) consigue situar la obra en otra dimensión añadiendo un elemento romántico y posicionándola en la órbita de las comedias que tenían como epicentro la "Batalla de los Sexos" y que tan en boga estaban por aquellos años,las Screwball:escapismo cómico,ritmo frenético,diálogo ingenioso que se resuelve en/con brillantes duelos verbales,sucesión constante de situaciones que posibilitan una acción vertiginosa y sátira social constituyen el recetario de este subgénero.Y Luna Nueva contiene muchos de estos ingredientes que se salpimentan con la personal aportación de Hawks y su arquetípico personaje femenino,una mujer capaz profesionalmente,decidida y segura de si misma que tiene un rol activo en la narración y cuyo carácter vitalista refleja el propio del director,una mujer que anticipa cuestiones como la conciliación de la vida laboral y familiar;en este sentido,"Hildy" Johnson no solo se desenvuelve en un mundo de hombres sino que,incluso,lo domina y es aceptada y respetada en el mismo.

La mujer "hawksiana" completa la velocidad del filme y se complementa con la crítica hacia la corruptela de la clase política y hacia el estamento periodístico sin dejar de lado a la psiquiatría que tampoco queda muy bien parada.La celeridad de los diálogos es el sello de identidad de la película pero no son solo rápidos sino también ingeniosos e incluyen auto-referencias inteligentes (para describir al personaje interpretado por Bellamy,Grant dice que "se parece a esa estrella de las películas...uhm,Ralph Bellamy!") o alusiones políticas implícitas (la pistola está producida para ser usada,jerga que podemos asociar al socialismo científico).

Luna Nueva es una comedia recomendable que mantiene un ritmo elevado durante casi todo el metraje y que adelanta elementos clave en el género (diálogos simultáneos) pero sobre todo es ejemplo del estilo de Hawks:ágil y natural,pues este realizador siempre supo dotar a sus personajes de su propio carácter vital como en este caso a "Hildy" Johnson.Otra cosa es el debate sobre la verdadera independencia de la mujer en las Screwball que se suele ver lastrada por el carácter de comedia romántica y su lógico final y me atrevería a escribir,deseado...sirva de ejemplo el de esta película para posicionarse en la controversia.

Vértigo/De Entre Los Muertos

2011-07-08T20:13:00.012+02:00

Vertigo,Alfred Hitchcock,1958,EEUU,James Stewart,Kim Novak,Barbara Bel Geddes.

Fascinante,turbadora,hipnótica,sugestiva...una de las películas más grandes de la historia del cine...Vértigo.

Exploración del lado oscuro de la naturaleza humana que lleva a término uno de los más importantes realizadores de la historia con un absoluto dominio del lenguaje cinematográfico a todos los niveles:narrativo,temático,visual;Vértigo es un relato dominado por un tono extraño,elemento difuso pero siempre presente,que nos acompaña en la inspección de la monomanía planteada así como en el tratamiento que se da a conceptos tan habituales en el "corpus" de la obra "hitchkoniana" como son la culpa,el voyeurismo y el sexo.

Desde los impresionantes títulos de crédito creados por Saul Bass presenciamos la gestación y el desarrollo de una obsesión narrada con extraordinario sentido del tempo,enmarcada en unas localizaciones que convierten a la ciudad de San Francisco en personaje principal y punteada por una exuberante partitura musical de Bernard Herrmann,elementos todos ellos (ritmo,escenografía y música) que superan las críticas (de la época del estreno y actuales) hacia la inverosimilitud de la trama policíaca que funciona como pieza accesoria,siendo la incómoda relación entre los protagonistas,expresada con plena desazón,y el sentimiento emocional de los personajes mucho más relevantes para la narración que la resolución del plan criminal.Prueba de ello es que en el relato original,De Entre los Muertos,firmado por Boileau y Narcejac,el misterio se desvela al final mientras que,en una arriesgada vuelta de tuerca,Hitchcock descubre la intriga hacia la mitad del filme,de tal modo que el espectador está interesado en cuándo lo averiguará el detective,encarnado por un espléndido James Stewart,y en su reacción.

Precisamente las críticas no muy positivas que recibió el filme unidas al flojo rendimiento en taquilla (según el propio director la película "cubrió gastos" sin más) relegaron al olvido la obra más personal de Hitchcock,rodada en su período dorado y que merced a posteriores revisiones iniciadas por la Nueva Ola francesa,está considerada hoy día como monumento del Séptimo Arte,una de las más bellas películas jamás filmadas.La fuerza visual y expresiva conseguida en la exposición de la paranoia que sufre el protagonista a través del empleo de la técnica cinematográfica es un hito del Arte en general.La ingente literatura derivada suele destacar aún más la segunda parte del film,no obstante el primer tramo de Vértigo alcanza una profundidad evocadora y melancólica con su flemático ritmo que dirige la gradual obsesión y la persecución por las extraordinarias localizaciones (Golden Gate,Misión Dolores,Museo de la Legión de Honor) desarrollada sin diálogo con la presencia constante de la partitura "wagneriana" de Herrmann y los recursos técnicos utilizados en determinados momentos como las transparencias y los filtros de niebla con los que se consigue un aura fantasmal sobre el personaje de Madeleine que acentúa el enigma sobre ella y sobre todo el efecto del vértigo que padece el detective protagonista,conseguido con el movimiento hacia atrás de la cámara y el de su zoom en sentido inverso,todo un hallazgo de Hitchcock,un director que siempre fue receptivo a emplear técnicas novedosas y que se inclinaba por expresarse de manera visual.La primera parte concluye con un plano picado tan acostumbrado en Hitchcock y abre paso a una segunda en la que el trastorno obsesivo-compulsivo es retratado de manera despiadada desnudando el interior del personaje y rastreando en la psique humana el sentimiento de culpa,la muerte y el deseo sexual...la profundidad y la poderosa belleza de este filme ejercen un influjo sobre el espectador magnético e inquietante.

Mención especial merece la labor de Bernard Herrmann como ha quedado apuntado.Su música añade fuerza dramática y expresiva al relato y respeta e integra la historia poniendo voz a la obsesión plasmada por Hitchcock (un realizador que otorgaba a la banda sonora-sonido y música-una importancia notable).El estilo personal y único,minimalista y vehemente,obsesivo,del compositor se refleja en Vértigo de tal modo que la película es la música y la música es la película,todo un ejemplo de simbiosis que amplifica la atmósfera visual del filme y se nutre de la misma.

Pero no podemos olvidar el dominio de Hitchcock sobre aspectos técnicos (inmenso fruto que recoge del empleo del punto de vista subjetivo,efecto del vértigo mencionado en unos decorados de influencia expresionista,travelling horizontal que nos lleva del segundo al primer beso) y su absoluto control en la concepción del filme (elección del formato panorámico VistaVisión y del adelanto del descubrimiento de la trama criminal,por ejemplo) a pesar de su delegación en un equipo de colaboradores que logran cada uno en su campo elevadas cotas en la ejecución de sus ideas:la secuencia onírica corre a cargo del artista abstracto John Ferren,la magnífica escenografía es del tándem Hal Pereira-Henry Burnstead y la fotografía está firmada por Robert Burks.

Todos los elementos del cine de Hitchcock se dan cita en Vértigo:desde la rubia glaciar (una más que correcta Kim Novak) o su cameo,hasta el juego de identidades y el cuidado del detalle,pasando,por supuesto,por el dominio del medio y su decisión en utilizar innovaciones del mismo,sin obviar la presentación de escenarios famosos (San Francisco y su puente en este caso) como marco de la narración.

Un ejercicio impresionante que agota todos los epítetos y que cierra con su principio y fin un movimiento rotatorio,un círculo...fascinante,turbadora,hipnótica,sugestiva...una de las películas más grandes de la historia del cine...Vértigo.

Cumbres Borrascosas

2011-06-29T13:56:00.009+02:00

Wuthering Heights,William Wyler,1939,EEUU,Laurence Olivier,Merle Oberon,David Niven.

El clásico de la literatura inglesa del XIX escrito por Emily Brontë y publicado,como la obra de sus hermanas,bajo seudónimo masculino,ha servido de base para incontables adaptaciones pero puede que la más celebrada sea esta versión producida por Samuel Goldwyn.La novela queda condensada y se obvia su parte final en el tratamiento dado por Charles Mc Arthur y Ben Hecht para centrarse en la historia de amor entre la pareja protagonista,construyéndose un filme dramático con enjundia emocional y profundidad visual.Paradigma del melodrama hasta en la fuente que le sirve de inspiración (novela romántica victoriana) con el vértice de la acción en el sufrimiento de los personajes protagonistas,Cumbres Borrascosas descansa en una envoltura visual imponente:la dirección virtuosa de Wyler con sus composiciones,emplazamientos y movimientos de cámara se conjuga con la interesante fotografía de Gregg Toland (galardonada con el Oscar,el único que se llevó la producción de entre sus numerosas nominaciones en un año mítico para la industria norteamericana) para otorgar a este filme una densidad estética significativa.La labor de Toland y Wyler se complementa con la magnífica dirección artística de James Basevi quien conjuga unos decorados interiores magníficos con unos exteriores que si bien parecen pobres dotan al filme de una atmósfera decadente,metáfora de la soledad interior con la que viven los personajes...estos tres elementos elevan la calidad de la película y se completan con la magnética interpretación de Laurence Olivier en un papel que lo encumbró de manera definitiva en Hollywood.

De nuevo Wyler consigue plantear un melodrama que sigue la corriente de las adaptaciones literarias de la época y al que confiere un envoltorio visual espléndido a través de su demostrada habilidad en posicionar y mover la cámara (planos de escaleras o ventanas son frecuentes en el director y sirven de ejemplo) y su capacidad técnica (profundidad de campo) aunque su estilo quede como frío en algunos momentos quizás por las desavenencias con Goldwyn quien al parecer impuso la escena final (aunque los dos siguieron colaborando en otras obras con posterioridad a esta),o quizás esta frialdad que lastra su notable filmografía en algunas ocasiones sea una característica inherente a su enorme aptitud para la puesta en escena.

Drama contundente edificado en las diferencias sociales y en una historia de amor marcada por el destino que supera en su carga dramática y emotiva a Lo Que El Viento Se Llevó (por citar la película coetánea a ella más conocida) y que despliega un diseño visual y artístico relevante.

Aquí,un Amigo

2011-06-24T18:44:00.006+02:00

Buddy Buddy,Billy Wilder,1981,EEUU,Jack Lemmon,Walter Matthau,Paula Prentiss.

La película que pone punto y final a la trayectoria profesional de Billy Wilder,uno de los realizadores más reconocidos de la historia del cine,es una comedia menor que se resiente de su origen teatral y que se deja ver pese a no conseguir los resultados que el cineasta de origen europeo logró en muchos de sus filmes.Ni reunir a la pareja protagonista Lemmon-Matthau de nuevo,ni la participación en el guión del colaborador habitual de Wilder desde mediados de los 50,I.A.L. Diamond,hacen que el filme pase a ser más que un producto digno.Puede que la producción francesa de 1973 en la que se basa ,El Embrollón,que a su vez adapta la obra de teatro de Francis Veber (por cierto,él mismo la ha llevado de nuevo al cine hace pocos años),no permitiera demasiados alardes pero lo cierto es que Wilder nos tiene acostumbrados a otro rango de calidad y no solo en el género de la comedia.

Con una minimalista puesta en escena y algunos elementos inverosímiles en el relato la película se sostiene por la química que surge entre los dos protagonistas y por alguna referencia inteligente (censura,sectas,pseudo-científicos) pero que no logran la mordacidad o la acidez características de Wilder,más bien se quedan en un tono amable.Rodada con oficio pero sin chispa y con una apariencia de filme de otra época (merced al empleo del Metrocolor y a su formato panorámico) la despedida de Wilder supuso un fiasco en taquilla y fue vapuleada por la mayoría de la crítica.

No obstante la falta de acidez y la ausencia de diálogos ingeniosos,elementos con los que asociamos el cine de Wilder,y el epílogo innecesario con el que concluye la película,la última prueba del ingenio de este cineasta se intuye en algunos momentos de Aquí,un Amigo y aunque parece ser que el mismo Wilder no quedó muy satisfecho del resultado final,la película a través de su tono sencillo y su aire evocador de dibujos animados es entretenida.

Shaft vuelve a Harlem

2011-06-15T20:03:00.008+02:00

Shaft's Big Score,Gordon Parks,1972,EEUU,Richard Roundtree,Moses Gunn,Joseph Mascolo.

Segunda entrega de las andanzas de esta versión negra de Harry Callahan pero en esta ocasión con mucho mayor presupuesto merced al inesperado exitazo en taquilla de la primera aventura estrenada el año anterior.La Metro no dudó en intentar repetir diana y conquistar el mercado afroamericano con el detective creado por Ernest Tidyman quien también escribe el guión que sigue el más puro hardboiled y las líneas marcadas en Las Noches Rojas de Harlem:violencia explícita y escenas de sexo protagonizadas por un tipo duro que no duda en emplear métodos expeditivos para conseguir sus objetivos en un ambiente que intenta retratar los bajos fondos de la ciudad.Producto que se inserta en su época con facilidad:lenguaje coloquial,contenido adulto y violencia gráfica,elementos que se encuentran en muchas de las producciones policíacas y thrillers urbanos que poblaban la cartelera por aquellos años:The French Connection (también con guión de Tidyman),Asesino Implacable,el mismo Harry El Sucio,Serpico o,incluso,Perros de Paja.

Bajo las mismas premisas que los protagonistas de los filmes enumerados se mueve el detective Shaft,el personaje más emblemático del blaxploitation encarnado por Richard Roundtree,un actor con buena percha y que aquí protagoniza un relato con algunos momentos interesantes (montaje alternado) pero que no acaba de cuajar ya que hacia la mitad del filme la trama se hace farragosa aunque la película termina con una espectacular secuencia de acción con helicóptero y lancha motora incluídos que bien pudiera pasar en una producción del Hollywood actual.El formulismo bajo el que se desarrolló posteriormente el género ya se evidencia en esta historia que no logra recrear los ambientes urbanos en los que se desenvuelven los personajes con la fuerza expresiva de la primera entrega y que carece de profundidad emocional pese al conocimiento del medio visual (fue fotógrafo de la revista Life publicando con anterioridad imágenes del paisaje racial estadounidense) del que hace gala el multifacético Gordon Parks en algunas composiciones pero su dirección adolece de pulsión dramática y el filme se resiente definiéndose como producto desigual con algunos aciertos como el tratamiento del encuentro sexual (hecho que ya ocurría en la primera aventura del detective) y de las mismas relaciones sexuales a pesar de su imposición en la narración,la propia construcción del personaje central así como algunos momentos como el del "garito" con las bailarinas en el que se captura la esencia del género policíaco.

Así pues,Shaft vuelve a Harlem es un buen ejemplo del blaxploitation y se puede ver y escuchar pues uno de los elementos que definen el género son sus bandas sonoras.En esta ocasión es el mismo Parks quien compone la partitura que resulta más convencional que la que concibió Isaac Hayes-aquí colabora con una canción-para la primera correría del duro Shaft pero con reminiscencias a ésta.

Gunga Din

2011-06-12T12:48:00.005+02:00

Gunga Din,George Stevens,1939,EEUU,Cary Grant,Victor Mc Laglen,Douglas Fairbanks,Jr.

Superproducción considerada como una de los grandes clásicos de aventuras de todos los tiempos que se inspira en un poema de Rudyard Kipling y cuyo comienzo tras los originales títulos de crédito enmarcados en un gong,no hace presagiar la gran dosis de comedia que despliega en muchos momentos.Esta vis cómica enseguida hace acto de presencia con la introducción del trío protagonista y es preponderante en el personaje interpretado por un notable Cary Grant.

La combinación comedia-acción funciona y consigue entretener sin más y eso que en ocasiones el humor ha envejecido o las situaciones planteadas son insultantes (veáse la escena en que Gunga Din,un Sam Jaffe sometido a maquillaje para caracterizarlo,hace la instrucción de soldado a escondidas con el Sargento Cutter,por cierto el que mejor lo trata de los tres amigos) producto de reflejar una actitud imperialista insostenible hoy día.Si despojamos a la película de esta visión colonialista (el fenómeno de los Thag está sometido a revisión y su estudio aún no ofrece conclusiones claras) y nos olvidamos de su bravura de macho podemos considerar el filme como se ha indicado al principio del párrafo.

La inversión de la RKO -recuperada en taquilla- se demuestra en una batalla final espectacular por sus dimensiones y en la que Stevens utiliza unos planos generales que no acaban de ser funcionales pero si dan cuenta de la magnitud de medios con los que contaba.En otro orden de cosas,los temas "hawksianos" planteados (lealtad,amistad) se quedan en estadio juvenil y no alcanzan la madurez desplegada por Hawks,aún así la aventura tiene un ritmo dinámico y aporta elementos clave del género,en este sentido sólo hay que recordar a su nieta Indiana Jones y El Templo Maldito para comprobar la influencia ejercida.

Gunga Din es un producto de entretenimiento en el que destacan Cary Grant y Victor McLaglen ( con su cara de ex-boxeador en un papel muy diferente a sus habituales colaboraciones con Ford ) que puede verse como ejemplo de género en la línea de las aventuras colonialistas tan en auge en la segunda mitad de los 30 en los USA:acción con elementos bélicos,héroes viriles,localización histórica,papel secundario de la fémina (en este caso Joan Fontaine,aunque el cine contemporáneo comienza a presentar heroínas de un tiempo a esta parte) y todo ello aderezado con humor.Para pasar el rato y comprobar la evolución de las grandes producciones "hollywoodienses" es una buena elección.

Doble Cuerpo

2011-06-08T21:02:00.009+02:00

Body Double,Brian De Palma,1984,EEUU,Craig Wasson,Melanie Griffith,Gregg Henry.

De Palma firma un notable y controvertido homenaje a Hitchcock (La Ventana Indiscreta y Vértigo pero también Crimen Perfecto) vilipendiado por la crítica de la época pero que hoy en día goza de estatus de película de culto.El director cuyos inicios underground no presagiaban para nada el realizador de encargos comerciales en que se ha convertido,ya había conseguido éxitos rotundos en taquilla (Carrie,la sobrevalorada El Precio del Poder) cuando rodó Doble Cuerpo y también había expoliado el legado "hitchcockiano" (Vestida para Matar) al que aquí recurre de manera explícita,lo que lleva a muchos a denostar la calidad del film.

En esta ocasión Brian De Palma se rodeó de muchos de sus colaboradores habituales en el pasado y en el futuro (Stephen H.Burum en la fotografía,Bill Pankow en el montaje y los actores Gregg Henry y Dennis Franz así como la ex-estrella del Pop melódico italiano de los 60,Pino Donaggio,quien firma la estupenda música) para desarrollar un ejercicio de rica textura visual aderezado con todos los manierismos y los alardes en el empleo de la cámara tan propios de él.Toda esta riqueza visual del filme descolla muy por encima de la trama argumental a la que en ocasiones se la tilda de inverosímil y parece que el arsenal técnico desplegado (secuencias largas,travelling circular,transiciones,transparencias,punto de vista subjetivo,movimientos ondulantes) molesta a más de uno.

El plagio y la improbabilidad del argumento,la supuesta misogínia,la pomposidad técnica deben rebatirse como han hecho los seguidores del filme para otorgarle el estatus mencionado más arriba y reconsiderar Doble Cuerpo una propuesta más que interesante que sabe bucear en las inquietudes visuales y temáticas de Hitchcock (hasta incluye una protagonista rubia!) haciéndolas más explícitas y envolviéndolas con una extraordinaria elección de localizaciones (el selecto centro comercial de Rodeo Drive,el edificio octogonal) a la par que las desenvuelve en un continuo juego de apariencias en el que como reza su lema promocional,no se puede creer lo que se ve...todo un epitome de metacine y una reflexión sobre las apariencias (tema recurrente en la filmografía de Hitchcock).

En Doble Cuerpo la propuesta formal cobra relevancia sobre una historia que acaba de manera anticlimática,un final inmerecido para una de las mejores reflexiones del cine desde el cine que se han rodado jamás y que en su momento sólo obtuvo el reconocimiento al trailer (consiguió un Clio,prestigioso premio del campo de la publicidad) y llamó la atención por la aparición del grupo ochentero Frankie Goes To Hollywood en una versión del video-clip dirigido por el mismo De Palma,tras la censura del original por la BBC y la MTV,de su clásico Relax...desde luego que la presencia de esta banda musical se inserta en una propuesta audaz y sugestiva:la introducción del cine porno en la línea argumental.

Muy buen divertimento de cine sobre cine en el que también De Palma deja su pasión por la sangre expuesta en un momento determinado del filme,justificando así el apodo por el que se le conocía por aquellas fechas (Brian De Plasma).

Le Jour se lève/Amanece

2011-06-03T21:16:00.009+02:00

Le jour se lève,Marcel Carné,1939,Fr,Jean Gabin,Jules Berry,Arletty.

Nueva colaboración entre el director Marcel Carné y el poeta y guionista Jacques Prévert quienes ya habían alumbrado el Muelle de las Brumas y años más tarde concebirían los Niños del Paraíso y que en,esta ocasión,realizan una película que se ha convertido en paradigma del realismo poético francés.

Destilada con una estructura narrativa que descansa en tres "flash-back" que enlazan con el tiempo presente y unos ingeniosos diálogos,elementos ambos de fuerte aroma "noir",la película cuenta con un halo pesimista y un ambiente claustrofóbico construidos desde unos magníficos decorados concebidos por Alexandre Trauner.La atmósfera se completa con una interesante iluminación y el peso del fatalismo que conduce durante todo el relato a un hombre corriente atrapado por las circunstancias.

Con independencia del mensaje político (recordemos la época en la que se rodó,el albor de la II Guerra Mundial) y de los avatares consecuentes en su distribución (prohibición por el Régimen de Vichy) y no tan consecuentes con la postura social del filme ya que la productora del "remake" americano,la RKO,años más tarde intentó destruir todas las copias para no tener competencia,Le Jour se lève es una obra significativa no ya solo por las interpretaciones de su cuarteto principal:la antitética (y justificada) composición de los personajes masculinos cobra relevancia,un sobrio Gabin-icono del cine francés- frente al malvado Valentín,un Jules Berry sobreactúado,y también el dúo femenino integrado por la natural Arletty y la joven cándida Jacqueline Laurent se hace acreedor a los elogios.Pero el filme es relevante también y sobretodo por las confluencias evidentes con el territorio del cine negro,desde esa disposición -ya citada-del relato en analepsis hasta el rol que desempeña el destino en el devenir de los acontecimientos,pasando por la utilización de planos cenitales aunque puede que más justificados que en el "noir" al ser usados como cámara subjetiva la mayoría de las veces.Y no olvidemos las escaleras "langianas" y la persecución policial con gases lacrimógenos...aspectos que hacen pensar en el cine negro más estilizado a pesar de que el elemento criminal no es el que hace progresar la ficción.Aspectos todos ellos que se refuerzan con los expresivos decorados de Trauner para exhibir la atmósfera opresiva que domina la historia.

El filme de Carné descolla por su elevado tono visual y su cariz innovador ejemplificado en el uso de la técnica narrativa elegida,aún nada habitual en aquella época,de hecho,la explicación inicial de la condición en que se encuentra el protagonista al comienzo de la acción se incluyó en previsión para que la gente situara el relato,y en el empleo de fundidos encadenados.Además la película consigue entretener a través de su historia contada bajo el prisma del naturalismo y,dejando a la curiosidad del espectador actual la búsqueda de su posible mensaje social y/o político,se confirma como pieza clave del cine francés y europeo,circunstancia que hace recomendable,cuanto menos,su visionado.

Gloria

2011-05-29T19:59:00.007+02:00

Gloria,John Cassavetes,1980,EEUU,Gena Rowlands,John Adames,Julie Carmen.

Unos originales títulos de crédito con fondos del artista abstracto y autor de collage,el afroamericano Romare Bearden,inician una película atípica y de exigente visionado que obtuvo "ex aequo"con Atlantic City el León de Oro de Venecia.El filme más "comercial" del icono del cine independiente estadounidense John Cassavetes pasa por ser un ejercicio diferente a la corriente mayoritaria,un acercamiento personal al género negro apoyado en el protagonismo de su mujer,Gena Rowlands, y de la propia ciudad en la que transcurre la acción:una Nueva York muy alejada de la habitualmente presentada pues aquí surge desprovista de todo "glamour",antes al contrario se nos presenta como una urbe mugrienta e inhóspita.

Prologado por uno planos aéreos de la ciudad que ya permiten intuir la importancia de la misma en el relato,éste cuenta con un inicio espléndido del que Luc Besson tomaría buena nota para su Léon,El Profesional(1994),en el que la tensión es palpable manteniéndose ésta en el primer tramo del filme aunque la inverosimilitud de algunas situaciones planteadas,el tempo lento y el excesivo metraje dejan el conjunto del filme como interesante pero incómodo.La discrepancia entre el relato (una huida a vida o muerte) y la arritmia que domina el mismo pueden explicar esa incomodidad.Además los eventos improbables de la propia persecución-fuga interrumpen la verdadera cuestión del film:la relación entre Gloria (Gena Rowlands en un auténtico tour de force) y el niño de ascendencia puertorriqueña (John Adames cuya interpretación fue galardonada con el primer Razzie y que,sinceramente,no lo hace tan mal).Esta relación ambivalente,quizás por ello difícil de transmitir,y por tanto de conseguir la identificación con el espectador,se desarrolla en un tono muy frío y desconcertante lastrando la película hasta tornarla un tanto aburrida.No obstante la reflexión sobre los roles de género y,en especial,sobre el desarraigo (y si hacemos caso al propio Cassavetes,sobre la maternidad) son planteadas dentro de esa ligazón entre la mujer y el niño.

Si el vínculo que une a los dos protagonistas resulta fallido (y más si recordamos Los Contrabandistas de Moonfleet,1955,o incluso Capitanes Intrépidos,1937) por la ausencia de la necesaria emotividad,que no sensiblería,la presencia constante y dominadora de la urbe ejerce un efecto fascinante dotando al filme de un aura de cuento de hadas para adultos.Es esta radiografía de la ciudad y de sus etnias la que otorga al filme un plus pues la exposición de un paisaje urbano vivo consigue una atmósfera encerrada por la que deambulan los personajes y,también,nos hace reflexionar sobre lo latente de las grandes urbes mostrando la suciedad y la tristeza de las mismas dotando a la película de un tono de realismo y un aire semi-documental relevantes.Es este el mayor acierto de Cassavetes y su operario de cámara Fred Schuler quienes logran extraer la mugre y la desapacibilidad de NY.

Lo Que El Viento Se Llevó

2011-05-25T20:21:00.009+02:00

Gone with the wind,Victor Fleming,1939,EEUU,Clark Gable,Vivien Leigh,Leslie Howard.

El productor David O'Selznick ha pasado a la historia del celuloide por obras como esta:melodrama excesivo producido por el estudio que fundó él mismo cuando se decidió a ejercer como independiente,aunque distribuido por la Metro,que hoy en día pertenece a la cultura popular de más de medio mundo.El éxito incontestable e inmediato del filme sigue vigente y lo ha convertido en una de las películas más famosas de todos los tiempos.

Siguiendo los patrones del cine de estudios,período del que es paradigma,Lo Que El Viento Se Llevó se considera como cúspide de cine-espectáculo con independencia de sus aciertos y desaciertos.La ingente literatura que ha originado permite formarse idea de la notoriedad del film:desde las incontables anécdotas acaecidas durante el rodaje,la hábil estrategia de marketing desarrollada para promocionar la película (la búsqueda a lo largo y ancho de los EUA de la actriz protagonista) o sesudos análisis sobre ideologías subyacentes a lo narrado son conocidos por muchísimos aficionados al cine.Selznick se vio recompensado con un más que rotundo triunfo,como se ha apuntado,que nunca volvió a repetir pese a sus intentos (Duelo al Sol,1946) y que fue coronado con el récord de estatuillas de la Academia Americana:nada más y nada menos que 10 en un año considerado especialmente fructífero para el cine americano (El Mago de Oz,Caballero Sin Espada,La Diligencia).Hasta 1959 con Ben-Hur ninguna otra película se vería tan reconocida a nivel de galardones.Los Oscar son premios sujetos a discusión pero son un elemento indicador del éxito comercial de un filme y otras veces (dejo abierta la cuestión de si muchas,pocas o algunas) de su valor artístico,en esta ocasión la carrera comercial de Lo Que El Viento Se Llevó no posibilita dudar de su magnitud popular y su suntuosidad en los decorados,en el vestuario y en el uso del color elevan a un nivel notable su validez estética.

Precisamente la mayor cualidad del filme puede ser el fastuoso diseño de producción desarrollado por uno de los artistas visuales más importantes que ha dado la industria del cine:William Cameron Menzies fue una de las pocas personas que gozó de la confianza del megalómano Selznick y pudo desplegar con muchos medios su ingenio,por otra parte ya demostrado a lo largo de su trayectoria cinematográfica desde la época silente (El Ladrón de Bagdad,1924) o con su paso a la dirección (La Vida Futura,1936).Desde luego que entre los aciertos de Menzies se sitúa el empleo del Technicolor con el que se asocia a la película y ello pese a que la MGM era reticente a utilizar esta técnica por su elevado coste pero Selznick y Menzies se aprovecharon de su anterior experiencia con el proceso para sacarle partido.Además de Menzies,la pieza clave en la concepción visual de la obra,el productor contrató a los más reputados profesionales en los diferentes ámbitos, desde Lee Garmes (fotografía,no acreditado por abandonar el barco),Walter Plunkett (vestuario) y,por supuesto,Max Steiner con su recordadísima partitura,hasta el auténtico Rey de Hollywood de aquellos años,Clark Gable,coronaba el reparto de lujo trufado de nombres conocidos (Thomas Mitchell,Olivia De Havilland)...entre unas cosas y otras,el presupuesto se disparó hasta una cifra impresionante para la época.Y es que Selznick ya comenzó pagando una cifra récord por el best-seller de la escritora novel Margaret Mitchell.

Melodrama épico de enormes dimensiones,la película se divide en dos partes desiguales:si la primera despliega un interesante juego visual (los recordados planos a contraluz,las escenas con los heridos en la estación) y aguanta con un ritmo ágil enmarcando los acontecimientos justo antes y durante la Guerra de Secesión,la segunda aún manteniendo el interés en los aspectos relacionados con el diseño de producción queda muy lastrada por el excesivo dramatismo expuesto.Si a ello añadimos la visión simplista de la esclavitud e,incluso,insultante (el personaje interpretado por Butterfly Mac Queen ofrece una representación de la población afroamericana lamentable,en línea con los roles protagonizados por Stepin Fetchit),la interpretación romántica del contexto histórico y la lectura de los estereotipos de género (la dependencia femenina respecto de la fortaleza e independencia-tan americana- del hombre ya que Scarlett al fin comprende que solo un macho como Butler la puede hacer feliz) concluimos que Lo Que El Viento Se Llevó no es una película redonda,probablemente esté lejos de serlo,pero es epitome del espectáculo desde sus opulentos decorados hasta su reparto...sin duda el fagocitador de directores y guionistas Selznick acertó de lleno y consiguió realizar una de las grandes películas del Séptimo Arte como demuestra tanto su impacto cultural y comercial como sus sucesivas reposiciones en salas de cine-en EEUU- y televisión.

Si valió la pena quemar los últimos decorados que quedaban de otro gran clásico como King Kong para rodar un melodrama tan excesivo o una película tan grandiosa es otro interrogante que dejo abierto.

Recuerda

2011-05-08T13:09:00.011+02:00

Spellbound,Alfred Hitchcock,1945,EEUU,Gregory Peck,Ingrid Bergman,Michael Chekhov.

El retorno de Hitchcock a los Estados Unidos tras su colaboración con el gobierno británico para el que filmó dos cortos propagandísticos en francés sobre la Resistencia,supuso hacer frente a las obligaciones contractuales que tenía con David O'Selznick,productor que lo había llevado años antes a aquel país.Y como entre los proyectos de éste se incluía realizar una película sobre el método psicoanalítico por el que él mismo había sido tratado,a "Hitch" le tocó llevarla a término.

Basándose en una novela de finales de los años 20 y con la colaboración de Ben Hecht en el guión amén de los consejos profesionales de May E. Romm,la película parte de una interesante premisa y expone algunas ideas presentes de manera habitual en la obra del director como son el sentimiento de culpa y/o la represión pero,a pesar de ello y aunque logre desplegar un notable estilo visual,apoyado en la fotografía de George Barnes y coronado en la famosa y legendaria escena del sueño diseñada por Salvador Dalí (con una inquietante y extraña textura),Recuerda puede considerarse un filme menor en el conjunto de la obra del virtuoso director.Su envejecimiento es evidente no ya solo en la forma un tanto ingenua de abordar el tratamiento del psicoanálisis (puede que sea el primer filme en hacerlo claramente) con un exceso de diálogo inusual en Hitchcock puesto que este tiene querencia por utilizar recursos visuales o sonoros habitualmente,sino también por algunos detalles que para el espectador actual son inconcebibles (ver a Gregory Peck y a Ingrid Bergman esquiando con ropa de calle se antoja sorprendente,el afamado plano final subjetivo con la pistola girando en ángulo improbable hasta para la muñeca del más reputado contorsionista es igualmente inverosímil aunque hay que reconocerle el brillante hallazgo del fragmento en color).

No obstante lo apuntado el filme exhibe detalles del genio de Hitchcock tales como el simbolismo para expresar sentimientos de los personajes (el plano de las puertas que se abren) y la construcción del suspense (la escena de la navaja de afeitar),además de mostrar el recurso tan característico del director del empleo del plano detalle o el del punto de vista subjetivo (a través del vaso de leche),todos ellos elementos con los que venía trabajando y que puliría en sus siguiente película,rodada con mayor libertad creativa:Encadenados.También en Recuerda encontramos una relevancia singular de la historia de amor complicada por problemas mentales o de sentido del deber entre los protagonistas,tal como sucede en la citada Encadenados o en Vértigo,anticipando una pieza significativa de la filmografía "hitchcockiana" en su etapa de máxima madurez conseguida en la década de los 50,sin embargo en Recuerda la profundidad del idilio no alcanza las cotas que consigue en otros filmes de Hitchcock-especialmente en los protagonizados por Cary Grant- tal vez por la inexistente química entre la pareja protagonista (Peck-Bergman).Tampoco el relato de redención y superación personal del protagonista masculino queda resuelto satisfactoriamente por su precipitada conclusión.

Por tanto estamos ante un producto desigual que no obstante no ser de los más destacados de la importante filmografía de Hitchcock,es recomendable por disfrutar,una vez más,del universo visual del Maestro que aquí se despliega con algunos detalles que elevan la calidad final del film.A pesar de su irregularidad Recuerda cosechó gran éxito comercial y cabe destacar que en la oscarizada banda sonora,obra de Miklós Rózsa,se utiliza por primera vez en la historia del cine el Theremin,instrumento radio-eléctrico que funciona mediante circuitos eléctricos activados por el acercamiento-alejamiento de las manos pero sin que haya contacto físico entre la persona y el aparato.

Sólo los ángeles tienen alas

2011-04-24T20:45:00.011+02:00

Only angels have wings,Howard Hawks,1939,EEUU,Cary Grant,Jean Arthur,Thomas Mitchell.

El espléndido canto a la amistad que firma en esta película Howard Hawks debe ser uno de los más profundos y emotivos que se hayan rodado jamás.De una sensibilidad extrema Sólo los ángeles tienen alas encaja con naturalidad dentro del "corpus Hawksiano" pues profundiza en cuestiones clave desarrolladas a lo largo de su filmografía.Una obra en la que destaca su capacidad para rodar films de cualquier género siendo pionero en alguno de ellos (Scarface,1932,violenta incursión en el cine criminal) y alcanzando las más altas cotas en otros (la misma Scarface,la desternillante comedia La Fiera de mi Niña,1938) consiguiendo desarrollar una evidente impronta personal bajo el imperio de los estudios a través de un estilo ágil y rápido con una cámara sobria e imperceptible,muy alejado del de otros grandes directores coetáneos suyos como Hitchcock,Ford o Welles con una marca visual más acusada.No obstante el universo "hawksiano" es rápidamente identificable y,en esta ocasión,filma uno de sus trabajos más personales,no ya sólo por incluir episodios autobiográficos (Hawks era amante de los deportes de motor y llegó a ser piloto de coches y de aviones) o adaptar una historia propia,co-escribir con Jules Furthman el guión,producir y dirigir,sino por componer un relato en el que la lealtad y la camaradería (auténticos leitmotivs de su obra) son eje sobre el que pivota el mismo.

De los conceptos de amistad,honradez y fidelidad y de cómo enfrentan las personas la muerte trata este filme en el que se refleja el carácter vitalista de Howard Hawks y su modo de entender la vida.Estamos tratando de nociones de capital importancia para el cineasta que son presentadas con aparente ligereza o superficialidad pero siendo el calado emocional de la película muy hondo.La construcción del personaje interpretado por un soberbio Cary Grant es sintomática de las cuestiones expuestas a lo largo del relato:el líder espiritual del grupo es una persona comprensiva,solidaria y desprendida que tiene que camuflar sus verdaderos sentimientos bajo una coraza de dureza en aras de cohesionar la comunidad que representan los aviadores y hacer frente al fatalismo al que están destinados dada la dificultad de la empresa que acometen diariamente.El drama de la muerte es enseñado sin caer en sensiblerías y el espectador es consciente de su presencia constante para los protagonistas.A diferencia de en muchas películas del director,en esta ocasión el personaje femenino se limita a irrumpir en el mundo viril de los pilotos e intenta asumir sus códigos éticos siendo la subtrama romántica la menos afortunada del filme probablemente porque el cineasta centra sus esfuerzos en el planteamiento de los valores citados sobre cualquier otra cuestión;respecto a esto cabe decir que la aparición de una joven Rita Hayworth,en el papel que la lanzó a la fama,no hace virar la narración hacia un posible triángulo amoroso sino que la desarrolla en un aspecto mucho más interesante como puede ser el de la comunicación y la comprensión en el seno de una relación de pareja.

Entretenida película,mucho más que un relato de aventuras,en la que Hawks logra plasmar sus inquietudes,como siempre con un toque de humor,y logra captar las definiciones de las ideas de lealtad y de amistad (especialmente en la relación entre Carter y Kidd,tantas veces mostrada en sus filmes) además de incluir una buena historia de redención,protagonizada por la estrella del mudo Richard Barthelmess en la que era su re-aparición tras un hiato de tres años.No hay que olvidar algunas escenas de aviación realmente notables para la época capturadas en un imponente paisaje montañoso que juega un rol primordial en la trama.Precisamente la película se vio recompensada con su nominación en la primera edición oficial de los Oscar que premiaba los efectos especiales por estas espectaculares escenas que demuestran la capacidad de innovación y anticipación de Hawks;sobre este particular cabe mencionar el hallazgo de la moneda trucada que sería utilizado por Bob Kane para definir a Dos Caras/Harvey Dent en el cómic de Batman (motivo recuperado por Cristopher Nolan en la adaptación que del personaje llevó a cabo en 2008,El Caballero Oscuro).

Sólo los ángeles tienen alas obtuvo éxito comercial pero pasa más o menos desapercibida dada la magnitud de los estrenos que se produjeron el año de su exhibición (el mítico 1939) y es un producto interesante que sirve de pretexto para conocer la obra de uno de los grandes directores de ayer,de hoy y,seguramente,de siempre.

Encadenados

2011-04-22T13:06:00.008+02:00

Notorious,Alfred Hitchcock,1946,EEUU,Cary Grant,Ingrid Bergman,Claude Rains.

Encadenados representa en la filmografía de Hitchcock el paso de su particular Rubicón puesto que en este filme las constantes vitales de la obra del director,ya anunciadas desde su etapa inglesa,cobran total protagonismo y quedan definidas desde su concepción de un universo visual propio y un uso exquisito de la técnica cinematográfica hasta algún tema recurrente como la elección entre amor y deber.En este sentido Encadenados es la obra más personal del genial director y la que da un salto cualitativo importante hasta la fecha de su realización.Mucho tuvo que ver el papel de productor que el propio director asumió bajo el manto de RKO-el estudio menos estudio- ya que las cotas de libertad creativa de las que disfrutó se vieron plasmadas en esta obra de estilo reconocible e inimitable que a través de su minimalismo y un tono aparentemente frío narra una de las historias de amor con mayor tensión sexual que se hayan rodado jamás,un relato de emociones profundas y humanas camuflado con el Mc Guffin de rigor-y visionario puesto que se trata de uranio camuflado en botellas de vino en una época en la que aún no se habían lanzado las bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki ;aunque la película se comenzó a rodar poco después de los bombardeos la elección del Mc Guffin se produjo con anterioridad-.Qué habría sucedido si David O. Selznick hubiese seguido al frente del proyecto nunca se sabrá pero la venta de todo el paquete (historia,director,guionista y actriz principal) a la RKO para conseguir fondos con los que financiar Duelo al Sol,propició que Hitch se hiciera cargo de la producción y superara su anterior filme bajo las órdenes del suntuoso productor,Recuerda,que contaba como aquí con guión de Ben Hecht y protagonismo de Ingrid Bergman.

El virtuosismo técnico de Hitchcock se demuestra en el uso de los elementos del medio tanto desde la vertiente sonora (excelente partitura de Roy Webb,fuerte y melodramática,subyacente pero sin cobrar protagonismo) como visual (profusión de primerísimos primeros planos,empleo de la cámara subjetiva para mostrar el punto de vista de los personajes) y descolla en el famosísimo plano que se inicia desde arriba de las escaleras y culmina en un plano detalle de la llave en la mano de la Bergman.La habilidad del director para crear mediante una economía de medios notable una película del calado de ésta es asombrosa.

Uno de los mayores éxitos comerciales del año para la RKO en su añada más rentable,Encadenados comienza con unos títulos de crédito que hoy en día pueden resultar desfasados para los más jóvenes (más si se compara con la reciente Código Fuente por lo de los edificios que comparten ambas),no así la historia pasional que desvela,interpretada además de por la actriz sueca,por un Cary Grant excelso-nótese la rigidez de su expresión corporal- y por un Claude Rains que encarna un ¿villano? prototípico de Hitchcock:vulnerable y elegante,es engañado y en la conclusión del filme sentimos verdadera preocupación y/o lástima por él en ese descenso a los infiernos representado metafóricamente cuando acompaña a la pareja de enamorados bajo la escrutadora mirada de sus compañeros nazis por la escalera.Una vez más los "malos" hitchckonianos se esconden bajo una apariencia normal (el Doctor Anderson es un hombre incluso solícito) como en Los 39 Escalones o Con La Muerte En Los Talones.

Encadenados desarrolla de manera definitiva muchos de los componentes del cine de Hitchcock:la lucha entre el amor y el deber planteada en La Muchacha de Londres y/o en Sabotaje cobra mayor profundidad y se expone en un Devlin reprimido y amargado,el punto de vista subjetivo apuntado en Los 39 Escalones y trabajado en Recuerda se perfecciona aquí y el empleo de los recursos del medio alcanza un punto álgido despuntando en este ámbito el extraordinario trabajo con la cámara en este filme que se revaloriza con cada revisión que se hace del mismo.

Arizona

2011-04-18T21:14:00.007+02:00

Destry rides again,George Marshall,1939,EEUU,James Stewart,Marlene Dietrich,Brian Donlevy.

Western en clave de comedia rodado a rebufo del impacto de La Diligencia y que destaca por la sátira de los estereotipos del género y la inversión de los roles masculino/femenino hasta el punto que en la resolución de su trama las mujeres desempeñan un papel activo y fundamental,contando,además,con otro momento álgido en este sentido (una pelea entre mujeres)...la participación activa de las féminas puede que se explique por la colaboración en el guión de Gertrude Purcell pero en cualquier caso es un elemento poco frecuente especialmente en el género y de manera tan explícita.

El carácter atípico del filme se refuerza con el protagonismo de un héroe que se manifiesta a lo largo de la narración en contra del uso de las armas y en su temperamento dialogante y tranquilo;sin embargo la previsible transformación que sufre el personaje para resolver el conflicto planteado resulta atropellada y queda poco explicada,derrumbando todo el valor de la identidad construida a lo largo del relato en la conclusión del filme.No obstante el original planteamiento es un valor añadido de esta película y un elemento a destacar así como también lo es la reunión de dos mitos de la interpretación del cine de Hollywood:una Marlene Dietrich en horas bajas y el otro,James Stewart,en plena consagración.

La película cosechó gran éxito tanto de público como de crítica relanzando la carrera de la actriz de origen alemán que está correcta en un papel que recuerda al de su eclosión (la Lola-Lola de El Ángel Azul) a principios de década y que le sirve para cantar una de sus famosas canciones:See what the boys in the back room will have.Precisamente su participación y la del mismo Stewart es otro de los puntos a favor para acercarse a este Western diferente dirigido con funcionalidad clásica por uno de esos directores desconocidos pero de larga trayectoria desde el alborear del cine,George Marshall,quien se especializó en Westerns y comedias y retomó la misma historia años más tarde (Destry,1954);argumento que adapta una novela del prolífico Max Brand que poco o nada tiene que ver con ella y que ya fue llevada al cine con anterioridad en 1932 en un film protagonizado por el primer vaquero de Hollywood,Tom Mix.

El debut de Stewart en un género en el que y del que sería un icono pasa por ser un divertimento sencillo,una suerte de farsa del género que merece ser vista como curiosidad al tratarse de un Western inusual que también sirvió de estreno para la Dietrich en el cine de vaqueros y que logra entretener sin más,pasando a la historia en segundo plano y más si se tiene en consideración el año de su realización,añada tildada por muchos como la mejor para el cine "Hollywoodiense" pues en ella se estrenaron clásicos del cine americano tales como El Mago de Oz,Lo Que El viento Se Llevó ,Caballero Sin Espada o La Diligencia,las cuales más allá de su calidad significaron hitos en en diversos aspectos y provocaron un indudable impacto en uno u otro sentido.

Shaft/Las Noches Rojas de Harlem

2011-04-06T21:12:00.009+02:00

Shaft,Gordon Parks,1971,EEUU,Richard Roundtree,Moses Gunn,Charles Cioffi.

No es el primero,puede que sea el mejor pero sin duda es el blaxploitation por antonomasia o al menos el producto más conocido,el que dio pistoletazo de salida a una serie de películas destinadas al incipiente mercado de la audiencia afroamericana de inicios de la década de los setenta y que de manera sorprendente en este caso cosechó un gran éxito comercial constituyéndose en todo un "crossover" y gozando aún en la actualidad de estatus de película de culto...y es que el detective John Shaft es un tipo construido con acierto desde el carisma aportado por el actor que lo encarna (Richard Roundtree),la impresionante banda sonora de Isaac Hayes y/o algunos aspectos que elevan la calidad del resultado por encima -muy por encima- de la media del género.Sin duda la Metro dio en el blanco con este movimiento dirigido a atraer público de color y las cuentas lo demuestran:con un coste de medio millón de dólares la recaudación se disparó hasta los 13.

El primer filme comercial con protagonista absoluto negro está basado en el personaje del escritor y guionista -blanco- Ernest Tidyman y bajo la batuta del multifacético Gordon Parks (el primer director afroamericano en dirigir para un estudio Grande) se erige en un tipo representativo de la época,versión negra de Bond o Bullitt (según reza su publicidad) y de Harry,chico duro y viril que puede con todo lo que se interpone en su camino;Shaft es un héroe carismático,desafiante y orgulloso que no duda en emplear métodos expeditivos.El tratamiento explícito dado a la violencia (aunque acostumbrados a los estandares actuales no nos sorprenda) comenzaba en aquellos años y este film es buen ejemplo de ello resaltando sin embargo,aun más,la exposición franca del sexo (interesante la presentación del acto sexual) llegando a plantear un encuentro interracial.

El retrato de los bajos fondos de una gran urbe facilitado por el buen uso de las excelentes localizaciones y cierto aire "noir" combinados con un ritmo en la acción rápido y un guión que respeta el "tempo" de manera notable en el inicio de la narración aunque posteriormente decaiga hasta alcanzar un final abierto pero fallido por anticlimático,confieren al filme un plus de calidad que se adereza con la composición de Roundtree y,en especial,la banda sonora de Hayes y deriva en una película entretenida y más que digna.Un policiaco que no desentona y está a la altura del resto de personajes similares que poblaban la cartelera de la época e incluso un punto por encima de alguno de ellos y unos cuantos de los vengadores justicieros que vinieron-y vienen-después.

El blaxploitation más rentable de la historia desbrozó de manera definitiva el camino abierto por el mismo Gordon Parks (The Learning Tree,1969) y sobretodo por "Ataúd" Johnson y "Sepulturero" Jones,un par de duros detectives de Harlem creados por Chester Himes que fueron llevados al cine en 1970 por Ossie Davis (Cotton comes to Harlem);un camino que señalizó una de los filmes más experimentales,crudos y políticamente incorrectos de la historia dirigido,escrito,producido e interpretado por Melvin Van Peebles (Sweet Sweetback's Baadasssss Song,1971) cuya rudeza inconveniente para la sociedad norteamericana se torna más edulcorada de tal modo que la operación mercantil de la MGM queda consumada en este film de culto que sitúa a un afroamericano en el centro de la acción,leitmotiv de un género que vivió su apogeo en los '70 con modo estereotipado y diferentes subgéneros cuyos ingredientes principales ya los avisa el filme que nos ocupa:lenguaje coloquial,sexo,violencia,ambiente urbano y por supuesto una peculiar estética propia de aquella década (a quien le guste encontrará,sin duda,un valor añadido en el filme).En cualquier caso y de manera independiente a la mayor o menor calidad de este tipo de cine es obvio que posibilitó el advenimiento de los Spike Lee o los John Singleton posteriores e influenció a directores que gozan de reputado prestigio en la actualidad,en este sentido,Tarantino y su Jackie Brown es indudable homenaje al género permitiéndose,incluso,recuperar a Pam Grier quien encarnó junto a Tamara Dobson el álter ego femenino de los John Shaft y Youngblood Priest en algunas películas del género.

Sea como producto destinado a copar un nuevo mercado o como proclama reivindicativa de una comunidad históricamente vapuleada inserta en un período clave de su devenir social (los tiempos en que Tommie Smith y John Carlos alzaron sus puños eran los mismos) esta historia se constituye como obra entretenida y ágil dada su elevada dosis de acción y germinó en género,además, se le debe prestar atención de manera particular por su condición de obra seminal del mismo. El prototipo de detective duro que presenta es más que decente y captura por momentos su esencia y el ambiente por el que se mueven los Marlowe,Spade y compañía del más clásico y puro "hardboiled".

El Mago de Oz

2011-03-26T19:11:00.011+01:00

The Wizard of Oz,Victor Fleming,1939,EEUU,Judy Garland,Frank Morgan,Ray Bolger.

La recreación cinematográfica del mundo ideado por el escritor L.Frank Baum supuso un hito en el cine infantil difícilmente superable aún hoy en día.Puede gustar más o menos pero el hecho del hechizo que ejerce sobre los pequeños(y no tan pequeños) es innegable.Un tanto envejecida con el paso de los años,de estética demasiado "campy" en algunos aspectos (el vestuario de los Munchkins) pero con unos méritos irrefutables si consideramos el conjunto del diseño de producción,este producto de la Metro que catapultó a Judy Garland es casi de obligado visionado para cualquier aficionado al cine.La mayoría de decorados son magníficos,los efectos especiales son trucos de imaginación sorprendente (recordemos los medios mucho más limitados de la época) y el viraje del sepia al mágico Technicolor es un valor incuestionable del filme y no podemos olvidar el original maquillaje que lucen muchos personajes.

Promovida por el impacto comercial cosechado por el clásico de Disney Blancanieves y los Siete Enanitos hasta el punto de plantearse en origen una bruja similar a la Reina Madrastra por el cerebro de la producción,Mervin LeRoy,esta aventura infantil por la que desfilaron media docena de directores y un sinfín de guionistas además de postularse u ofrecerse los personajes a unos cuantos actores y actrices,ha pasado a la historia,prueba de ello es su irrupción en la cultura popular (especialmente la estadounidense) y/o su significación para parte de la comunidad homosexual.Pero por encima de cualquier otra consideración El Mago de Oz es uno de los grandes paradigmas del cine de estudios:superproducción de la Metro-la más cara hasta aquél momento-en la que todos y cada uno de sus detalles están concebidos y ejecutados para dar sentido y unicidad al producto final.Todos los integrantes de la película funcionaron como elementos especializados conocedores de su rol en el conjunto de la maquinaria.

Es asombroso descubrir que cada traje Munchkin es diferente y está concebido para ese personaje en concreto así como también el maquillaje de cada uno es individual,este ejemplo demuestra la minuciosidad en la gestación de la obra y revela el funcionamiento de los estudios.Mervin LeRoy consiguió rodearse de la nómina de profesionales expertos que integraban la productora(Cedric Gibbons,Jack Dawn o Adrian cada uno de ellos el más reputado en su campo,el mismo Victor Fleming) e implicar en el proyecto al productor musical Arthur Freed quien posteriormente desarrollaría una carrera relevante en el género y aquí se convirtió en pieza clave para entender el éxito de la faceta musical del filme.Las canciones de Harold Arlen y "Yip" Harburg entre las que destaca Over the Rainbow (todo un estándar y mil y una veces re-interpretada) y la partitura de Herbert Stothart consiguieron hacerse acreedoras a sendos Oscar y han pasado a formar parte de la música popular.

De las incontables vicisitudes que acaecieron durante el rodaje(desde la triste historia de Buddy Ebsen que iba a interpretar al Espantapájaros en un principio y acabó en el hospital por inhalar el polvo de aluminio del maquillaje de su Hombre de Hojalata al permutar con Ray Bolger el papel perdiendo la posibilidad de participar en el filme o el accidente que provocó a Margaret Hamilton quemaduras en su rostro y manos) o antes del mismo (las pruebas con otros actores,incluso el interés por Shirley Temple para interpretar a Dorothy) y de las anécdotas (Toto era hembra en realidad y ya contaba en su currículum con películas como Furia,la invasión de los Munchkins que vivió el estudio,las penalidades por las que pasaron algunos al llevar el maquillaje o los trajes respectivos) se ha escrito gran cantidad de literatura y su conocimiento da muestra del interés suscitado por esta costosa producción a lo largo de los años.Desde su estreno la obra consiguió un rotundo éxito pero su elevado coste no permitió una gran rentabilidad económica,los personajes ya eran muy populares desde la publicación a principios de siglo de la primera novela de la Tierra de Oz e incluso circulaba gran cantidad de productos de "merchandising" de los mismos,así pues el listón estaba alto pero la MGM fue capaz de sobrepasarlo y elevarlo a cotas cuyo alcance es complicado.

Mención aparte merece el impulso que para la celebridad del filme supuso la TV:en 1956 se estrenó en la pequeña pantalla y pese al reducido número de televisores en color la película consiguió tal impacto que tres años más tarde se instauró como tradición en EEUU su pase anual,rito que se repitió en aquél país durante décadas.La película es todo un fenómeno sociológico en los USA y colateralmente,dado el colonialismo cultural y pese a no llegar a tener tanta envergadura,en el resto del mundo...el camino de baldosas amarillas o la futurista-Art Decó-medieval Ciudad Esmeralda están en el imaginario colectivo sin duda alguna.

De argumento fácil de seguir narrado con sencillez y funcionalidad clásica,esta aventura infantil consigue entretener y en ella destaca el empleo del color en la parte que transcurre en la fantástica Oz;en este aspecto el segundo largometraje de la Metro en rabioso Technicolor supuso un oasis en la trayectoria del estudio bastante reacio a aumentar el coste de sus producciones por utilizar el poco rentable proceso en aquellos tiempos (y eso que la productora ha pasado a la historia como ejemplo del uso del color,recordemos Lo Que El Viento Se Llevó),la reticencia se manifiesta en el siguiente musical de Arthur Freed,dirigido por Busby Berkeley e interpretado por Mickey Rooney y Judy Garland,el prescindible Hijos de la Farándula,rodado en blanco y negro y de apabullante éxito y del que destaca la inclusión en su banda sonora del tema Good Morning.

Volviendo a nuestra Mago de Oz,reseñar la correctas interpretaciones entre las que descolla Ray Bolger,un bailarín que por la admiración que sentía por Fred Stone-el Espantapájaros de la versión teatral de principios de siglo-se empeñó en asumir el rol para desgracia de Buddy Ebsen;qué pena que el número musical dirigido por Berkeley en el que se presenta al personaje fuera eliminado del montaje final para reducir la duración de la película.Frank Morgan ejecuta varios personajes y Margaret Hamilton,por razones evidentes y sin olvidar sus dotes artísticas,es una buena bruja (si bien hubiese sido curioso ver a la elección original,Gale Sondergaard,con el maquillaje que se preparaba para afearla).

Todo un éxito apuntado en el haber de Mervin LeRoy,verdadera alma máter del proyecto y a quien muchos párvulos de diferentes generaciones le deben un buen rato de diversión y en el saco de la Metro que poco después haría saltar la banca con Lo Que El Viento Se Llevó,"pero eso ya es otra historia".

Boeing Boeing

2011-02-21T20:44:00.004+01:00

Boeing Boeing,John Rich,1965,EEUU,Jerry Lewis,Tony Curtis,Thelma Ritter.

La famosa obra de teatro homónima de Marc Camoletti que aún hoy día se sigue representando en teatros importantes ha dado pie a cuatro versiones cinematográficas.La que nos ocupa,adaptada por Edward Anhalt,es una comedia que destaca en la filmografía del controvertido Jerry Lewis quien está lejos de sus excesos habituales en lo que puede considerarse un papel más "serio".

En esta cinta Lewis forma pareja con su amigo Tony Curtis-pero no tan amigo para dejar de lado su conocido ego por el que ambos pretendían que su nombre apareciera en primer lugar en los títulos de crédito,situación resuelta con una ingeniosa solución- quedando lejos ya los años de su dúo con Dean Martin y habiendo alcanzado la madurez creativa por la que ha pasado a la historia pese a sus muchos detractores (El Profesor Chiflado,por ejemplo);aquí Lewis ejecuta un rol sin apenas slapstick y en el que ,a decir verdad,está correcto;cuanto menos da perfecta réplica a un Curtis cuyo personaje se dedica a correr durante gran parte del metraje sin ton ni son.Y es que ni el guión del citado Anhalt ni la dirección del televisivo John Rich (por momentos el filme parece una verdadera sitcom además de hacerse demasiado evidente el origen teatral del relato) son capaces de remontar el no respeto de los "tempos":desde el principio esta comedia de enredo que podía dar más de si,se plantea de manera forzada con un ritmo atropellado.

Algún diálogo,generalmente de Jerry Lewis,tiene algo de gracia pero ni el personaje de la ama de llaves-una Thelma Ritter que hace lo que puede- es aprovechado;aún así quizá ella sea lo mejor del filme junto con alguna situación planteada y la sorpresa de encontrar al polémico cómico en una vis más "adulta".Desde luego que John Rich no dota al filme de la pulsión necesaria para que la obra pueda explotar las potencialidades cómicas que posee.A pesar de lo antedicho el producto puede verse por momentos aíslados aunque estos no nos hacen pasar por alto sus defectos ya que se trata de una comedia irregular de confusiones/enredos en la que los estereotipados personajes se construyen mediante los clichés culturales que sirven así como supuesto elemento divertido.

Caballero sin Espada

2011-02-19T18:32:00.006+01:00

Mr.Smith goes to Washington,Frank Capra,1939,EEUU,James Stewart,Jean Arthur,Claude Rains.

La controversia en torno a la figura de Frank Capra no es óbice para negar su importancia:el enorme éxito comercial de sus filmes a lo largo de la década de los 30 jalonado con la obtención de innumerables premios se conjuga con la favorable opinión crítica de la época.Probablemente Capra sea el director de la depresión americana o como mínimo el que supo conectar mejor con el público estadounidense de ese período.Aún hoy día goza de una enorme popularidad demostrada con la polémica mencionada más arriba;su supuesta sensiblería e idealismo ingenuo para algunos y su exarcerbado patriotismo para otros ponen su obra en entredicho.Sin embargo para muchos Capra es el director de los buenos sentimientos y de la ilusión.

En esta ocasión el realizador continúa su triptíco (iniciado tres años antes con El Secreto de Vivir,obra con la que Caballero sin Espada guarda evidentes paralelismos,y que culminaría con Juan Nadie) en el que despliega el corpus de su filosofía poblada por héroes sencillos,honrados e idealistas que se enfrentan a elementos poderosos como puedan ser políticos corruptos y magnates oportunistas de manera que el valor de la gente sencilla queda realzado y la libertad del individuo como tal queda instaurada en la base para el desarrollo de la sociedad.

Caballero sin Espada se inserta en la obra "capriana" con todas las consecuencias:la controversia persigue al filme desde su concepción y desde diferentes posicionamientos.Cuando era un proyecto pretendido por otros estudios la oficina dirigida por Joseph Breen,reguladora de la implementación de las directrices marcadas por el Código Hays,alertó a los mismos sobre la idoneidad de retratar a los senadores de los Estados Unidos como políticos corruptos lo que sería visto como ataque a las instituciones del país;finalmente la Columbia de Harry Cohn apostó por llevar a término la película bajo el mando de Capra y con el guión escrito por Sidney Buchman (quien posteriormente sería víctima de la Caza de Brujas) los censores quedaron satisfechos.No así miembros de la clase política norteamericana y algunos integrantes de la prensa quienes tras el pre-estreno temían que el filme,en plena situación prebélica,pudiera ofrecer una imagen negativa de los USA.No obstante,la crítica recibió bien la obra y el público acudió en masa a las salas convirtiendo el filme en un gran éxito comercial despachando el pavor a que la obra generara sentimientos anti-americanos debido a la corrupción mostrada en pantalla, por la vía rápida.Lejos de crear ese sentimiento la película fue prohibida en paises europeos controlados por regímenes totalitarios.Y sin duda que ciertos valores tan característicos del pueblo americano como la defensa de la libertad individual y el patriotismo quedan enaltecidos en el filme.Y ello es posible por la habilidad de Capra en acceder a la mitología del ideario del americano medio,la secuencia de montaje en la que el protagonista visita los monumentos de la capital USA es digna de mencionar por su apología de la patria y de la democracia.

Dirigida con ritmo ágil y con habilidad (el emplazamiento de la cámara en el famoso discurso final sirve de ejemplo) la película denuncia la corruptela política pero destila un patriotismo exagerado para quien no es norteamericano y al igual que en casi toda la filmografía "capriana" en la que nunca se profundiza en el problema,se presenta éste como conducta individual contingente,es decir,accidente y no como esencia del modelo social,entroncando el cine del realizador en la corriente escapista.Eso sí,la labor de documentación del filme es notable puesto que la recreación en estudio del Senado y sus estancias es fidedigna y el sentido didáctico con las explicaciones que se hacen del proceso que siguen las leyes para su aprobación es elogiable.

Sin la capacidad emotiva de la citada El Secreto de Vivir y con menos dosis de comedia,Caballero sin Espada presenta un elenco de secundarios notable(Thomas Mitchell,Guy Kibee,Eugene Pallette o el mismo Claude Rains) además de una carismática pareja protagonista:Jean Arthur y su perfil izquierdo y un James Stewart que se encumbraría con su papel de tipo bueno,honesto y sencillo (e ingenuo y que al igual que Longfellow Deeds no duda en emprenderla a tortazo limpio en determinadas situaciones),patriota e idealista que es designado senador.Sus peripecias se solucionan de la única manera posible teniendo en cuenta el desarrollo del relato:el desenlace aún siendo consistente es abrupto dada la no inclusión en el montaje final del epílogo rodado.

Shaft en África

2011-02-09T16:34:00.008+01:00

Shaft in Africa,John Guillermin,1973,EEUU,Richard Roundtree,Frank Finlay,Vonetta Mc Gee.

La tercera entrega de la saga del detective afroamericano creado por Ernest Tidyman,escritor y guionista ,entre otras, de The French Connection y las dos primeras aventuras del personaje en la gran pantalla,es una buena muestra del cine de los años 70 por lo que respecta a la exhibición de la violencia.Nos encontramos un tipo construido a la sombra de Bullitt siendo una especie de Harry Callahan y James Bond en uno(aunque por el reguero de cadáveres que deja a su paso casi que Rambo es digno heredero suyo) que representa otro individuo capaz de tomarse la justicia por su mano y arreglar las cosas a su manera;en definitiva todos los Carter,Callahan y Shaft anticipan la degeneración que suponen los justicieros vengadores que poblaron el cine posterior.En el cine de la década la presencia de la violencia explícita cobra relevancia y esta versión negra de Harry El Sucio no es una excepción.Y si la violencia es tratada sin tapujos no lo es menos el sexo:escenas de desnudos,diálogos con contenido sexual abierto y hasta un delirante personaje femenino cuyo rasgo principal es la ninfomanía.

Desde luego que el filme es cosecha de su época pero sobretodo es un clásico blaxploitation que aprovecha el tirón del probablemente personaje más conocido del género y que más éxito comercial obtuvo.En esta ocasión el investigador privado encarnado por Richard Roundtree es reclutado para desarticular una organización de trata de seres humanos.Si bien el tema es duro y actual,el tratamiento que le otorga su guionista,Stirling Silliphant,lejos de analizar factores explicativos o dedicarle el mínimo rigor necesario,se desarolla de manera frívola funcionando como pretexto para representar situaciones de acción o románticas en las que se ve envuelto el personaje.La importante temática plenamente vigente aún en la actualidad y el desplazamiento del equipo a Etiopía para rodar el filme podía haber dado más de sí y no sólo para mostrar las localizaciones del país africano.

Y si hay algún elemento característico en este tipo de películas no es otro que la música,obra en este caso de Johnny Pate,arreglista de Major Lance,entre otros.Pate realiza un esfuerzo al intentar integrar la partitura en la historia,objetivo que cumple por momentos,y cuenta con el mítico grupo The Four Tops para interpretar el tema principal firmando una correcta banda sonora pero que queda lejos de las grandes "soundtracks" del género(la propia de Isaac Hayes para la primera entrega del personaje,la impresionante de Marvin Gaye para Trouble Man o la exuberante Superfly de Curtis Mayfield).

El director John Guillermin firma con su peculiar estilo,distinguible entre otras cosas por el empleo de la cámara en mano lo que dota a la imagen de un movimiento que en multitud de ocasiones está presente en el cine y en las series contemporáneas,si bien más pulido,una película que cumple con unos mínimos estándares de calidad y que se entronca en el contexto temporal en el que fue rodada de manera notable tanto por la representación de ciertos aspectos como por el empleo de elementos cinematográficos(algunos movimientos de cámara y composiciones,el color).El cuidado en las escenas de acción está por encima de la media de los productos del género pero su guión es deslavazado provocando un ritmo irregular pese a la sucesión de peripecias,muchas de las cuales se ejecutan sin demasiado acierto y algunas acontecen sin orden ni concierto(el encuentro sexual con Aleme parece una imposición más que una circunstancia que acontece con naturalidad) desencadenando esto un desarrollo narrativo en ocasiones demasiado burdo,hechos que lastran el filme y a los que hay que añadir la poca seriedad con la que se afrontan temas como el tráfico ilegal de personas o la mutilación genital femenina.En el otro lado de la balanza se sitúan auto-referencias inteligentes(los inventos y James Bond) , el planteamiento de alguna situación y la acción casi continua además de poner sobre el tapete los temas nombrados así como también el mensaje de denuncia del racismo que exterioriza el personaje principal con una demoledora frase al comisario francés.No olvidemos que pese al "crossover" disfrutado por John Shaft las blaxploitation tenían como público objetivo mayoritario a la comunidad negra de los EEUU.Aunque esté lejos de los ambientes urbanos en los que generalmente se desenvuelven los relatos de esta clase de películas,Shaft en África puede ser una buena elección para conocer el género.

Jubal

2011-02-06T22:29:00.010+01:00

Jubal,Delmer Daves,1956,EEUU,Glenn Ford,Ernest Borgnine,Rod Steiger.

Ejemplo de la flexibilidad del Western,Jubal es muestra representativa del trabajo de Delmer Daves,uno de esos directores que quedan escondidos detrás de los grandes nombres del Séptimo Arte pero a los que merece la pena descubrir o revisar de vez en cuando.Con estilo clásico y sobrio el realizador-que también participa en el guión- construye un relato inspirado en la tragedia "hamletiana" de Otelo en el que destaca la construcción de los personajes y sus relaciones sobre la acción de modo que la película cobra especial interés en su vertiente psicológica.No en vano los personajes están atrapados por emociones humanas-deseo,ambición,lealtad,celos- y sus reacciones ante ellas son el eje sobre el que pivota la narración.

La tensión psicológica destilada con sencillez por Daves llega a cotas álgidas por momentos si bien el desenlace resulta alargado y débil en comparación con el resto del filme y aún así tiene unos interesantes planos simbólicos(el gancho y la cuerda) y otros de notable fuerza visual(las patas de los caballos alrededor del Yago de esta versión);antes la película ya nos ha dejado un buen aroma cinematográfico y nos ha atrapado por el perfil desplegado por los personajes y los lazos que van uniéndolos.La historia que comienza con tintes "noir"(un tipo con un pasado misterioso aparece en un rancho en el que vive una "femme fatale" casada con el benefactor de aquél) se desenvuelve después como una suerte de melodrama trágico en el que la apariencia de Western no es más que apariencia pues el relato podría desarrollarse en cualquier otro ámbito.Si bien es cierto que el paisaje que sirve de marco a lo narrado es majestuoso y está espléndidamente filmado en CinemaScope-cómo se benefició este género del formato panorámico!-,no pasa de ser un contexto en el que las pulsiones humanas se despliegan cobrando éstas protagonismo absoluto.

Un reparto correcto capitaneado por el efectivo Glenn Ford y entre el que aparece Charles Bronson recién cambiado su apellido y consolidando su carrera,la música de David Raksin y el saber hacer del realizador,un hombre con amplia experiencia como guionista cuando se decidió a pasar detrás de las cámaras en los años 40,junto con el impresionante paisaje de Wyoming son suficientes elementos para acercarse a este sugestivo Western.

La Diligencia

2011-02-02T20:07:00.014+01:00

Stagecoach,John Ford,1939,EEUU,Claire Trevor,John Wayne,Thomas Mitchell.

Película importante para el Western,película importante para el director,película importante para el actor,película importante para la historia del cine en definitiva.La Diligencia es un filme mitificado pero de gran calidad técnica y narrativa y de una belleza visual en ocasiones apabullante conferida por el estilo de uno de los grandes cineastas según consenso mayoritario(cuando a Orson Welles le preguntaron por sus tres directores preferidos dijo:"John Ford,John Ford y John Ford").

El retorno del realizador al género que lo definiría y al que definiría ("Me llamo John Ford y hago Westerns") después de 13 años durante los que dirigió películas de índole diversa supuso un Rubicón para el mismo género que en la década de los 30 estaba moribundo después de su esplendor silente,éxito que con la llegada del sonoro y la dificultad de integrar el ahora necesario diálogo con la acción característica de este tipo de cine,comenzó a declinar hasta el punto de ser considerado como producto de Serie B.Sin duda La Diligencia marcó el devenir del género sentando las bases para su clasicismo de los años 40 y 50 y el ulterior revisionismo(Peckinpah) y surgimiento de subgéneros de todo tipo(Spaghetti).La Diligencia revitalizó el Western de tal modo que pudo transitar por los nuevos caminos abiertos por ella,alcanzando estatus de Género para el cine.La construcción de personajes más ricos,profundos y complejos(si exceptuamos la presencia y el tratamiento dado a los indios que, basicamente,actúan como mecanismo de soporte del suspense de la trama) sin olvidar la acción inherente a esta clase de películas y el cuidado de la atmósfera en la que se desarrolla el relato además del empleo del paisaje como elemento dotado de significado en el mismo-aunque aquí sea un esbozo de lo que daría de si la inclusión de la Naturaleza como personaje en el género y más concretamente el rol de Monument Valley en la filmografía "Fordiana" queda introducido por primera vez- permitieron otear en el horizonte la madurez del género.Queda establecido el paisaje como eje de la narrativa y fijada la consustancial preocupación por los personajes de esta categoría de películas.

De una intensa belleza visual en la que destacan la composición de los líricos y profundos planos interiores y su iluminación(obra de Bert Glennon) y una magnífica dirección técnica con emplazamientos y movimientos de cámara innovadores e interesantes(encima de la diligencia,por ejemplo) ,la película supera la limitación espacial con agilidad y gracias al despliegue de ciertas características "fordianas":la exuberante sensibilidad estética,la localización en el famoso-ahora-desierto,el uso espléndido de la técnica cinematográfica(no solo los movimientos de cámara citados sino también la funcionalidad narrativa de los elementos del medio-veáse la escena de la comida o los diálogos-),la preocupación política(derecho a voto,referencia a la Guerra de Secesión) y social(relaciones entre personajes de diferente clase) y la exposición de la relación entre el hombre maduro y el joven,sin dejar de mencionar el desfile militar que tantas veces reprodujo el realizador.El poético estilo visual de Ford enfatiza el purismo del guión de una milimétrica estructura en tres actos (a este respecto hay que recordar el repetido visionado-cuenta la leyenda que por 40 veces- por parte de Welles de la obra como preparación para su magna Ciudadano Kane) que despliega una profusión temática(prejuicios sociales,alcoholismo) encabezada por la historia de redención de los personajes "moralmente menos aceptables" pero que en situaciones límite obran según valores más elevados,nobles y humanos que el resto.Idea concomitante con Bola de Sebo,relato corto de Guy de Maupassant,que inspira la historia de vaqueros de Ernest Haycox en la que se basó Dudley Nichols para escribir el libreto del filme.

Película antes que Western,la obra complementa su estética visual con la diversidad de temas tratados centrándose en las relaciones que se establecen entre los personajes pero incorporando en el último tercio una de las escenas de acción más celebradas y recordadas que se rodaron en la década de los años 30(y para muchos una de las mejores de todos los tiempos) con el asalto al vehículo que da título al filme y su defensa:el especialista Yakima Canutt tuvo que ver en la concepción y ejecución de la misma.Asimismo el tradicional duelo final conclusivo de la sub-trama de venganza que hunde su concepción en el expresionismo es resuelto con extraña belleza por Ford y sirve para poner digno colofón al relato.Precisamente el actor que protagoniza esa sub-trama de revancha descolla entre el correcto reparto-aunque Carradine esté notable-,su dilatada entrada ha pasado a ser una de las más celebradas de la historia del cine con ese abrupto desplazamiento de cámara coronado en un soberbio primer plano,el resto es historia:John Wayne es uno de los iconos del Séptimo Arte;actor de presencia(por favor,veánla en versión original para comprobar la dicción) que ya era un clásico del género(claro que si tenemos en consideración el estatus antes expuesto de este,no es decir mucho) y que con su Ringo Kid alcanza el reconocimiento que se le había negado hasta ese momento y se conforma como gran estrella del firmamento cinematográfico.La Diligencia era la gran oportunidad para el actor tras su anterior papel protagonista en un film de Raoul Walsh a comienzos de década que se convirtió en estrepitoso fracaso,en esta ocasión las cosas fueron bien diferentes al cosechar la obra gran éxito de público y de crítica(refrendado con la consecución de dos estatuillas en los Oscar y unas cuantas nominaciones) catapultando a Wayne hacia una carrera profesional que lo encumbró como una de las figuras más emblemáticas del género y del cine.

La Diligencia cobra trascendencia como piedra fundamental en el devenir del Western y se erige como señal fundacional de los patrones clásicos del mismo además de ser el disparador de una de las carreras de interpretación más legendarias y suponer el retorno de Ford al género tan querido por él;la revisión y puesta a punto del género que hizo el director lo dejó preparado para emprender o continuar un trayecto con múltiples sendas trazadas por otros ingenieros(Hawks,Mann) y que aún hoy en día no ha llegado al fin del recorrido,instituyéndose el Western como uno de los grandes géneros del cine,de aquí la significación de La Diligencia para este.

Yo soy el Padre y la Madre

2011-01-22T17:13:00.004+01:00

Rock-A-Bye Baby,Frank Tashlin,1958,EEUU,Jerry Lewis,Marilyn Maxwell,Connie Stevens.

Revisión de la comedia de Preston Sturges,El Milagro de Morgan's Creek,diseñada como vehículo para el-quizá- cómico más controvertido de la historia del cine:Jerry Lewis;denostado y ensalzado casi a partes iguales se puede decir que cuenta con una legión de admiradores y un tropel de críticos.A veces excesivo,otras inteligente y subversivo,no se puede negar su influencia en algunos comediantes actuales así como su reelaboración de la comedia norteamericana y su capacidad creativa:actor,director,creador de sus propios gags...sin duda un Autor de la Comedia.

Este filme,rodado antes del período de madurez del singular cómico que podemos situar a partir de su paso a la dirección de sus propias comedias en 1960 y poco después de la ruptura del exitoso dúo que formó con Dean Martin durante una década desde mediados de los años 40,cuenta con algún gag interesante y con otros excesivamente alargados y sobreactúados así como con alguna crítica inteligente a la sociedad americana(el consumo y la TV),análisis social de presencia acostumbrada en Lewis por otra parte.Dirigida por Frank Tashlin,colaborador habitual del cómico,con un aura de fantasía en ciertos momentos tal vez originada en la experiencia como dibujante y en el campo de los dibujos animados del realizador así como por el empleo que se hace en la obra del Technicolor,la película cuenta con canciones de los míticos compositores Harry Warren y Sammy Cahn-con un tema de rabioso R'n'R- y la participación del divo de la ópera Salvatore Baccaloni.

Como no podía ser de otra manera y acorde con la discrepancia de opiniones sobre el multifacético Jerry Lewis,la película es irregular,alternando momentos jocosos con otros no tan afortunados pero manteniendo en su conjunto más elementos positivos que negativos(siempre y cuando el espectador no esté situado en el polo de Aquellos a los que no les gusta Jerry Lewis,claro).Muestra de la polémica que surge cuando se nombra a este artista,el filme cuenta con hiperactuación pero con algunos hallazgos muy acertados y "slapstick" perfectamente ejecutado.