29/6/08

¿Qué me pasa,Doctor?



What's up,Doc?,Peter Bogdanovich,1972,EEUU,Barbra Streisand,Ryan O'Neal,Madeline Kahn.

El ex-crítico cinematográfico Bogdanovich con su tercera película(tras su debut El Héroe anda suelto y su famosa La Última Película) rinde homenaje a las disparatadas comedias clásicas americanas de los años 30 y 40 en general y a La Fiera de mi Niña,película arquetípica de Howard Hawks,en particular.

Con un guión escrito por Robert Benton y David Newman ayudados por Buck Henry,basandose en una historia del propio Bogdanovich que sabe capturar el espiritu del cine al que se pretende rendir tributo,el hilo argumental es,quizás demasiado débil para llegar a las cotas de Hawks o Sturges pero la destreza técnica de Peter Bogdanovich y su frenético sentido del ritmo hacen salir el producto airoso y consigue una buena cantidad de risas,en especial en las escenas del cocktail en el hotel y la persecución final(que bebe directamente de The Bank Dick o Bullitt) con el gag del espejo y la perfecta integración de las calles de San Francisco en ella.

Todo comienza cuando a un hotel de San Francisco llegan varias personas con idéntico modelo de maleta,en concreto hay cuatro maletas de color rojo y estampadas en tela escocesa;pero,claro,el contenido es diferente:en una,un espía transporta documentos secretos robados,en la segunda,una rica anciana oculta sus numerosas joyas,la tercera es propiedad de la alocada Judy Maxwell(Barba Streisand)y le sirve para guardar su escasas ropas y,por úlimo,en la cuarta Howard Bannister(Ryan O'Neal)lleva unas rocas antiquísimas sobre las cuales está realizando un estudio musicológico que le va a llevar a conseguir un millonario premio que la Fundación Larrabee otorga anualmente...a partir de aquí la peli se desarrolla según los cambios de manos y las confusiones con las bolsas de viaje sin olvidar la fuerza motriz de la obra:la relación Judy-Bannister,personajes totalmente opuestos puesto que ella es un terremoto en acción que vive con el caos y él es un intelectiual tímido y despistado.

De esta relación se originan los robos y confusiones de equipaje,las persecuciones de coches y todas las situaciones divertidas del film que desembocan en la escena de la sala del juzgado con todos los personajes presentes:desde Bannister hasta Judy,pasando por la prometida de aquél,Eunice(Madeline Khan,en su primer papel de peso),el millonario excéntrico Larrabee,Hugh Simon,el rival por el premio de Bannister,etc,etc.

Barbra Streisand canta"You're the Top" en los créditos iniciales y finales(en estos "al alimón" con O'Neal)y"As time goes by"en una escena que recuerda Casablanca.Además,la película también es un claro homenaje a los dibujos animados de la Warner(sólo hay que fijarse en el titulo de la misma que parafrasea a Bugs Bunny)...y nos hace un guiño desfavorable a la película que lanzó a la fama a Ryan O'Neal,Love Story, con el diálogo final entre Judy y Howard.


28/6/08

Robocop



Robocop,Paul Verhoeven,1987,EEUU,Peter Weller,Nancy Allen,Ronny Cox.

En un futuro distópico,la vieja Detroit(aunque la peli está rodada en Dallas) está inmersa en una gran crisis violenta donde los asesinatos de policias están a la orden del dia y las autoridades deciden poner en manos de la corporación OCP el departamento de policia,privatizandolo de este modo;OCP pretende construir una nueva ciudad,Delta City,en el lugar de Detroit.Para acabar con la oleada de crimenes OCP construye a instancias de su vicepresidente Dick Jones(Ronny Cox)el robot ED-209:su presentación constituye un terrible fracaso,y otro de los ejecutivos de la compañia,Bob Morton(Miguel Ferrer)convence al presidente de la misma,para que de luz verde a su proyecto:Robocop.

Alex Murphy(Peter Weller)es un policia transferido a uno de los distritos más peligrosos de la ciudad y en su primera misión junto con Anne Lewis(Nancy Allen) es salvajemente asesinado por la banda de Clarence Boddicker(Kurtwood Smith);OCP empleará su cerebro,su cara y restos de materia orgánica para desarrollar a Robocop,policia ciborg que empleará métodos expeditivos contra el crimen.

Pero el proyecto del policia mitad hombre-mitad máquina cuenta con algunos obstáculos:la rivalidad que se erige entre Jones y Morton,el primero con conexiones con el crimen que no dudará en emplear para acabar con Robocop y el segundo que tiene un estilo de vida amoral;además,no podemos olvidar la humanización del robot.

Película de tremendo éxito,es el segundo trabajo de Verhoeven en USA tras Los Señores del Acero y constituye una inteligente crítica al Reaganismo y toda su violencia,consumismo y política neoliberal a ultranza.Aunque haya gente que la tilda de fascista y violenta,el film es una mordaz sátira de las políticas de privatización(la policia pasa a estar controlada por OCP,una compañia privada),del consumismo y del papel de los mass media en la sociedad(los anuncios y noticias que "interrumpen" la acción desprenden un corrosivo humor negro:una familia se nos presenta enfrasacada en un juego de mesa cuyo objetivo final es la destrucción nuclear del planeta o se nos informa que una plataforma espacial con fines pacíficos ha destruido por error una cantidad ingente de bosque);además de mostrar la humanización progresiva del ciborg(curiosamente uno de los personajes más humanos de la película)frente a la deshumanización de la sociedad encarnada en los ejecutivos de OCP:Jones con relaciones con los criminales como ya se menciona más arriba,y Morton al que no le afecta tan siquiera la muerte de uno de sus colaboradores más cercanos,amén de buscar los servicios de las prostitutas o consumir cocaina para celebrar sus éxitos profesionales.

Dada la violencia explícita que nos muestra(dos de las muertes más notables de la historia del cine salen en Robocop:la de un villano,Emil Antonowsky, y la ejecución del propio Murphy que el director justifica para conseguir una mayor implicación subjetiva con el ciborg y para crear mayor animadversión hacia Boddicker y su banda)),Verhoeven decidió suavizarla y eliminar algunos momentos,recientemente se ha editado una versión en DVD íntegra.

Fascistoide o no,Robocop es una de las mejores películas de ciencia ficción de la historia que se apoya en un interesante guión de Michael Miner y Edward Neumeier que propone temas muy candentes aún hoy en dia,una poderosa banda sonora de Basil Poledouris con un brillante tema central y la utilización de efectos especiales clásicos como el stop motion en las escenas con el robot ED-209 puesto que la animación con ordenador aún no había desembarcado en Hollywood de manera definitiva.

El gran éxito que cosechó hizo proliferar multitud de productos Robocop:series de TV animadas y no animadas y dos películas más(Robocop con guión del gran Frank Miller basándose en su propio comic sobre el personaje),comics,video juegos,etc:parece ser que se prepara un remake del que aún no ha trascendido ningún tipo de información salvo su anuncio para el 2010.

27/6/08

El Hermanito


The Kid BrotherJ.A.Howe & Ted Wilde, 1927, EEUU, Harold LloydJobyna Ralston.

El tercer genio de la comedia silente, Harold Lloyd, se aleja con su personaje clásico del hombrecillo de gafas tímido del medio urbano en el que lo había situado en casi todas sus películas anteriores para ambientar en el bucólico mundo rural esta aventura plagada de gags que, según sus propias palabras, es su mejor filme.

Lloyd se rodeó de un numeroso equipo de guionistas con la pretensión de crear multitud de gags e incluirlos en esta película. Al final algunos de estas situaciones se utilizaron en otras obras del cómico y otras acabaron incluyéndose en esta historia en la que Harold es el hijo pequeño del rudo y fortachón "sheriff" de HickoryvilleJim Hickory, el hombre que hizo famoso el pueblo, y tiene como hermanos a los también rudos y fortachones Leo y Olin, de tal modo que es una especie de Ceniciento relegado a ejercer las tareas domésticas, eso sí, con un ingenio superlativo como demuestra a través de la escena inicial en la que un curioso mecanismo le ayuda con la colada.

Estando ausentes el "sheriff" y sus dos hijos mayores Harold concede un permiso para actuar a una especie de circo ambulante tras una confusión en la que él parece ser el "sheriff". Su padre al regresar le exige que deshaga el entuerto y prohíba al circo montar su espectáculo...esto da paso a una escena con la que se muestra el carácter débil de Harold que acaba siendo ridiculizado por el jefe de la troupe pero conoce a la chica de la que se enamora (interpretada por la pareja clásica en las aventuras de LloydJobyna Ralston, en la que sería su última película juntos). Por una serie de circunstancias ella acaba en casa de Harold y se crea una escena alargada al máximo al más puro estilo Lloyd con una sucesión de gags a través del juego del gato y el ratón entre Harold y sus hermanos...también antológica es la escena en la que Harold y la chica se despiden y él queriendo retrasar el momento va trepando a un árbol enorme mientras ella se va alejando de manera que se combina el humor y la emoción de un modo sublime.

La parte final de la película se desata cuando alguien roba el dinero de la comunidad que guardaba el "sheriff" en su casa y éste es acusado del robo...Harold se ve obligado entonces a salvar el honor de su padre y marcha en pos del dinero, acabando en un barco con el ladrón (Sandoni, el forzudo del circo) y haciéndonos disfrutar y reír con un buen número de situaciones (quizás la más famosa sea la del mono y los zapatos).

El Hermanito es similar a una película muda anterior, Tol'able David, en su linea argumental pero en clave de comedia y está considerada como por muchos la obra mejor acabada, más compacta y equilibrada de Harold Lloyd  aunque algunos tenemos El Hombre MoscaCasado y con Suegra o, incluso, la sonora Cinemanía en mayor estima. En cualquier caso, El Hermanito es una buenísima excusa para acercarse al cine de Lloyd y a su personaje rabiosamente optimista a pesar de las adversidades con las que se va encontrando en cada paso que da.

25/6/08

Napoleón





NapoléonAbel Gance, 1927, Francia, Albert DieudonnéVladimir RoudenkoAbel Gance.

Importante hito en la evolución de la historia del cine por la gran cantidad de avances formales y técnicos que el iluminado cineasta Abel Gance supo encontrar, Napoleón estaba concebida como un ambicioso proyecto que iba a constar de 6 películas y que abarcaría la vida del militar y Emperador de Francia. Sin embargo, debido al alto coste todo quedó en esta innovadora película que comprende el período vital del ilustre personaje desde sus días de colegial hasta su triunfal Campaña de Italia de 1896. Las restantes partes previstas quedaron sin consumarse y comprendían episodios como la Campaña de Egipto, la coronación como Emperador de todos los franceses, la invasión de RusiaLa Batalla de Waterloo y su exilio final.

Gance, un visionario, un adelantado a su tiempo que anteponía la imagen, el poder visual del cine a la historia que contaba, rompió moldes con esta obra magna: primer film grabado con sonido estéreo, rodaje con cámara en mano o situándola a lomos de caballos o en lo alto de un enorme péndulo (asombrosa la escena en la Convención en la que la muchedumbre canta La Marsellesa y con el movimiento de la cámara y sus oscilaciones sustituye al sonido), entintado de escenas (tonos azules para la noche, tonos anaranjados para la Batalla de Toulon), experimentación con el montaje (en la tormenta que sorprende a Napoleón se observa simultáneamente cómo en la Convención una muchedumbre se rebela contra Robespierre y su Reinado del Terror) y sobre todos los descubrimientos destaca uno: Gance mismo lo denominó Polivisión.

Este revolucionario sistema requería de tres proyectores para la exhibición de la película en tres pantallas que configuraban un enorme tríptico en el centro del cual se veía una imagen y a sus lados otras consiguiéndose así un efecto envolvente en la acción, es decir, tres imágenes diferentes eran proyectadas de manera sincronizada permitiendo observar tres acciones simultáneas: ¡Gance se adelantó en un cuarto de siglo al Cinerama!.

Existe una copia restaurada en el 2000 por Kevin Brownlow con metraje descubierto en París y que utiliza el entintado original, que alcanza las casi 6 horas de duración y que debería exhibirse en los cines para poder contemplar en la gran pantalla esta monumental obra cinematográfica por la audiencia general pero la dificultad técnica de acondicionar una sala con triple pantalla y preparar los tres proyectores necesarios parece que reserva al Napoleón de Gance para grandes momentos. A destacar que ya en la restauración de 1980, Carmine Coppola compuso una eficaz partitura para acompañar al filme en sus exhibiciones.

20/6/08

El Trueno Azul



Blue Thunder,John Badham,1983,EEUU,Roy Scheider,Malcolm Mc Dowell,Warren Oates.

Frank Murphy(Roy Scheider) es un policia de Los Angeles inmerso en plena crisis personal,seleccionado para probar en una misión la nueva adquisición del departamento,un helicóptero sofisticado y equipado con la más avanzada tecnología:El Trueno Azul,capaz de escuchar y grabar conversaciones que se producen en el interior de los edificios o "ver" a través de las paredes y armado,además, con una espectacular equipación militar parece que está destinado a convertirse en el arma definitiva de vigilancia y control por parte de la policia.

Tras el oscuro asesinato de Diane Mc Neely,concejal del ayuntamiento de la ciudad,Murphy comienza a investigar por su propia cuenta y riesgo contando con la ayuda de su joven compañero Lymangood y su novia Kate;en el curso de esta investigación Murphy descubre los intereses y movimientos de un grupo de poderosos(THOR)que pretenden crear disturbios y el caos generalizado para perpretar una especie de golpe de estado en la ciudad,valiéndose del Trueno Azul para restaurar el orden y asumir el poder y el mando de la urbe.

Pieza clave en esta conspiración es el Coronel Cochrane(Mc Dowell)quien está enemistado de manera accérrima desde los tiempos de la guerra de Vietnam con Murphy;ambos mantendrán una espectacular batalla final en los cielos de Los Angeles como climax final que cierra la película incluyendo una increible persecución con dos F16;por cierto este momento cumbre de la película se hizo con helicópteros radiodirigidos.

En definitiva se trata de un exitoso policiaco con todos los típicos y tópicos del género,desde el malo malísimo,antipático,grosero y desagradable,pasando por el protagonista individualista que hace la guerra por su cuenta,saltándose las leyes y normas que se le ponen por delante y que posee un aire místico y un pasado marcado por una experiencia tráumatica,hasta el personaje del compañero bisoño e inocente del héroe que acaba ganando la estima y el respeto de éste; pero plantea sin llegar a desarrollar temas tan importantes como el derecho a la intimidad o cualquier otro derecho civil frente a la necesidad de seguridad ciudadana o la implicación de estamentos o grupos de poder en el origen de la delincuencia o del terrorismo.

El siempre eficaz Badham(Fiebre del Sábado Noche,Juegos de Guerra o Cortocircuito)consigue un producto comercial(como expuso el NY Times antes de estrenarse la película,ésta tenia muchas posibilidades de acabar convertida en videojuego)que mantiene un gran número de seguidores y que dio paso a una serie de TV cuyo papel principal rechazó Scheider;aire comercial que difiere del propósito inicial del guionista Dan O'Bannon consistente en definir al personaje central de Murphy como una especie de esquizofrénico llegando,incluso,a la destrucción de parte de la ciudad con el helicóptero.

Además de Scheider,destaca en el reparto Warren Oates quien poco después de rodarla murió,dejandonos una correctísima interpretación final en el recuerdo.


Rufufu



I Soliti IgnotiMario Monicelli, 1958, Italia, Marcelo MastroianniVittorio GassmanTotó.

Obra maestra del cine italiano, claro exponente de la comedia a la italiana con un reparto de lujo, Rufufu es una sátira mordaz de Rififi del gran Jules Dassin pero con identidad plena y propia.

Un ladronzuelo, Cossimo, es detenido cuando intenta robar un coche y busca la ayuda de sus amigos MarioFerriboteTiberio y Capanelle para que carguen con el robo en su lugar puesto que él tiene en mente un gran golpe. Al final, el grupo encuentra a Peppe, un boxeador al que no le van muy bien las cosas, para que se declare culpable y cumpla prisión en lugar de Cossimo...Peppe acaba encarcelado por méritos propios. Una vez en la cárcel, Cossimo le confiesa a Peppe su plan y éste lo traiciona y al salir en libertad reúne a la banda de Cossimo para llevar a término el atraco.

El objetivo del robo es desvalijar la caja fuerte de la casa de empeños Monte di Pieta y para ello la banda traza un plan científico milimétricamente calculado que se nos explica con el recurso de una voz fuera de campo, la cual según avanza la cámara por los lugares por los que deben pasar los ladrones la noche del atraco desmenuza los pasos a seguir por aquellos. Para cometer el atraco buscan ayuda en Totó, ladrón con experiencia y, además, Peppe tendrá que conquistar a la criada de la vivienda colindante al piso que ocupan las oficinas de la casa de empeños. Cada situación provocan un gag antológico: el de la colada que simula la banda en la terraza de Totó para despistar a la policía y el del "cenicerazo" que recibe Peppe durante el baile en el que flirtea con la criada, respectivamente.

Por supuesto al atraco es un completo desastre en su ejecución pero su comicidad es abrumadora. Desde que el grupo se reúne en la esquina de la calle en la que se encuentra la casa, el espectador está ansioso por ver en que situación se verán envueltos los personajes que ya han quedado definidos por Monicelli como auténticos perdedores y la expectación no queda defraudada: desde que entran por la ventana de la carbonera hasta el final el atraco no tiene desperdicio.

Notable éxito de público y crítica dos años después el reparto, a excepción de Totó y Mastroianni, se volvió a reunir para realizar una secuela que no dirigió Monicelli. Y aún tuvo otra secuela en 1987, también italiana. Por otra parte, Louis Malle realizó un "remake" en 1984, Crackers.

Rufufu es una comedia imprescindible que demostró la vena cómica de Gassman, lanzó la carrera de Mastrioanni y nos presentó, en un breve papel, a la Cardinale (su segundo film). Está rodada con reminiscencias del neorrealismo italiano para describir la vida en los suburbios mediante la utilización de escenarios naturales de la ciudad de Roma. Una gran partitura de Piero Umiliani acompaña la historia a la perfección.

19/6/08

Papillon





Papillon,Franklin J.Schaffner,1973,EEUU,Steve Mc Queen,Dustin Hoffman.

Basada en una novela autobiográfica de Henri Charrière alias "Papillon" aunque con algunos cambios significativos en el guión de Dalton Trumbo para dramatizar la acción,Papillon pudo ser una crítica al sistema penitenciario francés de principios del siglo pasado pero se queda simplemente en una cinta de aventuras mínimamente entretenida aunque con partes desiguales y un sello comercial(cuando el protagonista convive con la tribu buscadora de perlas carece de interés y el personaje del cazador de hombres con la cara tatuada es difuminado enmedio de la acción,por poner dos ejemplos).

Charrière narra en su libro los años de cautiverio que pasó condenado por un crimen que no había cometido en la Guayana Francesa y la famosa Isla del Diablo de la cual fue el único hombre en conseguir escapar,aunque según parece muchas de las fugas o intentos y muchas de las aventuras que escribió estaban basadas en acontecimientos sucedidos a otras personas,de hecho hace escasos años surgió un señor,Charles Brunier,en París reclamando ser el Papillon auténtico.Polémica aparte la novela obtuvo un gran éxito.

La película comienza con Charrière"Papillon"(Steve Mc Queen) entablando relación con Louis Dega(Dustin Hoffman)el falsificador más famoso de Francia durante el transcurso de la travesía en barco que los conduce junto con el resto de presos a los penales de la Guayana Francesa;Papillon ejercerá de guardaespaldas del intelectual Dega quien oculta una suma de dinero considerable ,para protegerlo del resto de convictos a cambio de que Dega financie la fuga de ambos una vez llegados a Suramérica.

A partir de aqui,la cinta sólo tiene interés en observar al héroe obstinado en su idea de escapar aún poniendo en riesgo su propia vida,las relaciones que se establecen entre los personajes quedan en un segundo plano(en especial la de los dos protagonistas es difusa y no demasiado clara);aún así solo por ver a McQueen caracterizado como hombre prematuramente envejecido como consecuencia de los castigos sufridos en su cautiverio y las escenas de la celda de castigo vale la pena acercarse a la película,eso si,desde un punto de vista donde prime el sentido del espectáculo tan característico de Schaffner,director que venía del medio televisivo y que nos dejó algunas obras interesantes(sobretodo El Planeta de los Simios y Patton)y que dominaba el" scope" a la perfección.


18/6/08

Kill Bill Vol.2

Kill Vol.2,Quentin Tarantino.2004,EEUU,Uma Thurman,David Carradine.

Más diálogo,menos acción,en esta segunda parte de la aventura que protagoniza La Novia culmina el objetivo final de venganza:matar a Bill.El Vol.1 nos dejaba a la Novia con parte de su objetivo cumplido:Vivica A.Fox y Lucy Liu caían eliminadas,pero aún quedaba el resto del Escuadrón y,por supuesto,su ex-mentor y ex-amante,Bill.

Primero Thurman/La Novia se dispone a ejecutar a Budd,el hermano de Bill,ex-asesino que ahora trabaja en un tugurio de Texas como guardaespaldas,después en una esperada lucha se enfrentará a Elle Driver para una vez muerta ésta,viajar hacia Méjico en busca de Bill.

Homenaje de Tarantino a las películas setenteras de artes marciales,"blaxplotation" y a los "spaghetti western" Kill Bill consta de dos partes muy diferenciadas:la primera contiene espectaculares peleas(quizás la última con los 88 Locos un poco excesiva)y la segunda encaja todas las piezas de la historia.Para mi,el segundo volumen es largo,aburrido y solo se salva el personaje de Michael Madsen y la anticlimática escena final;el resto parece una peli hecha por Tarantino para Tarantino.

La película se puede leer desde varias ópticas:como producto elaborado desplegando las posibilidades narrativas del cine,esteta y en clave de reconocimiento hacia la cultura pop o el cine setentero(en las tres corrientes mencionadas antes) es una buena película(excelente si solo consideramos el primer volumen)y,si uno quiere centrarse en la historia y la sustancia de la misma estamos ante una película fallida...acerquémonos a ella como producto de entretenimiento y si tenemos la suerte de tener alguna coincidencia con los gustos de Tarantino o de conocer algunas de las fuentes a las que hace múltiples referencias a lo largo de la pelicula,mucho mejor.

12/6/08

Garras Humanas


The UnknownTod Browning, 1927, EEUU, Lon ChaneyJoan Crawford.

Inquietante, sobrecogedora, con una espectacular interpretación de ChaneyGarras Humanas es la obra maestra de Browning en la que crea una atmósfera opresora y recrea el mundo del circo y de los "freaks" rechazados por la sociedad con los que se sentía tan familiarizado (en su infancia él mismo vivió en un circo).

Alonzo es un hombre sin brazos que se gana la vida actúando en un circo: su número consiste en lanzar cuchillos con los pies a su ayudante, Nanon, quien también es la hija del dueño, Zanzi. Inevitablemente, Alonzo se siente atraído por Nanon quien sufre una extraña fobia: no puede soportar que los hombres la toquen y como Alonzo no tiene brazos entablan una relación de amistad pero el lanzador de cuchillos quiere algo más y guarda un oscuro secreto, en realidad es un ladrón que se oculta de la policía y tiene brazos, incluso posee dos pulgares en su mano derecha.

Una noche Zanzi descubre el terrible secreto de Alonzo y éste lo estrangula, Nanon es testigo del asesinato pero solo puede ver que el asesino tiene dos pulgares en una de sus manos, no puede verle la cara. Alonzo, obsesionado con ella decide dar un paso más allá y en una operación se extirpa los brazos...cuando regresa al circo Nanon le explica que ha superado su fobia gracias a Malabar, el forzudo del circo que también rondaba a la joven y que ahora  mantiene una relación sentimental con ella. En una sublime escena Chaney ríe y llora al mismo tiempo.

Alonzo planea el siguiente paso: asesinar a Malabar. Para ello empleará en el transcurso de su nuevo número dos caballos atados a una especie de rueda de molino que el forzudo tiene que sujetar mediante cuerdas mientras avanzan en direcciones opuestas. Pero Nanon para evitarlo interviene y, para salvar a su amor, Alonzo se interpone entre un caballo y ella, siendo salvajemente pisoteado por el animal en un final con una tensión límite.

Browning escribió el guión con ayuda de Waldemar Young (quien también colaboró en la anterior película del director como coguionista, The Show) de esta cinta corta, concisa y directa, aterradora que sorprende al espectador desde el primer momento dejándolo intranquilo y anodadado. Chaney consigue que tengamos simpatía por el malvado Alonzo con una interpretación llena de matices que requiere el personaje puesto que es un ser torturado por una obsesión (sus sentimientos hacia Nanon) y está lleno de odio hacia la sociedad (y hacia el que se interpone entre él y Nanon). Chaney colaboró con un hombre sin brazos en la realidad, Paul Desmuke, en algunas escenas en las que tenía que utilizar los pies como manos y ocultó sus brazos mediante un corsé.

Una de la últimas grandes películas del cine silente, por no decir la última ya que El Cantor de Jazz se estrenó cuatro meses después, tuvo una buena acogida en taquilla (la presencia de Chaney era un seguro respecto a esto), y desarrolla una historia que plantea situaciones en las que el propio Browning profundizaría cinco años más tarde en Freaks (su obra más famosa junto con Drácula): triángulo amoroso, ambientación circense, entre otras.
Película estremecedora que no nos ha llegado íntegra -falta metraje en su parte inicial- y que nos presenta a un monstruo humano, un villano con sentimientos muy humanos con el que nos llegamos a identificar y, además, explora en la parte de la mente oculta y mórbida de las personas. En un primer momento Browning pensó que Alonzo matara a su fiel ayudante, Cojo, y al cirujano que le amputa los miembros pero, finalmente, cambió de idea: mejor, así Alonzo es más ambiguo y el efecto de la cinta es, si cabe, más demoledor. Es, precisamente, por esa ambigüedad que lanza sobre el espectador por lo que la película se conforma tan turbadora, escalofriante, amenazadora, espeluznante e...imprescindible.

11/6/08

El Maquinista de la General



The GeneralBuster Keaton & Clyde Bruckman, 1927, EEUU, Buster KeatonMarion Mack.

Actualmente reconocida como la mejor película de Keaton cuando se estrenó obtuvo un fracaso de público y crítica que supuso la pérdida de la libertad creativa de la que el genial cómico había gozado hasta ese día y, consecuentemente, el principio del fin del gran cineasta.

Basada en hechos reales (un grupo de soldados de la Unión se infiltraron en las lineas confederadas durante la Guerra de Secesión para robar un tren siendo apresados y ejecutados y, por cierto, la Disney también adaptó este acontecimiento en la década de los 50) pero cambiando la perspectiva y el final de la historia (aquí el protagonista es un sudista y todo termina con final feliz) y contando con un alto presupuesto (la escena del puente y el descarrilamiento del tren es la más cara de la historia del cine mudo) combinado con  afán perfeccionista respecto a la recreación histórica y a la integración de los innumerables gags en la trama, The General nos presenta a un empleado ferroviario al que su novia (Annabelle Lee, clara referencia a Poe) convence para alistarse en el ejército confederado al estallar la Guerra Civil. Pero a Johnny Gray lo rechazan argumentando que puede ser más válido para la Confederación en su actual puesto de trabajo. Así, rechazado por el ejército y por su novia que cree que es un cobarde, nuestro héroe se ve envuelto en una absurda persecución: la que él mismo emprende cuando roban su otro amor (la locomotora que él conduce de manera habitual bautizada como The General). Asistimos a partir de entonces a una película con un sentido del ritmo portentoso, una minuciosidad en el desarrollo del gag en conjunción con el argumento insuperable y a la exposición de una gesta épica en clave de comedia de un personaje guiado por una determinación extrema, tanto humana como poética expresada a través del amor que siente hacia la locomotora y, sobretodo, hacia Annabelle.

Esta película de persecuciones perfectamente simétrica (se trata de una persecución de ida y vuelta con variaciones en los gags siempre presentes) quizás no sea la más divertida de Buster Keaton (uno se rie más con 7 Ocasiones, El Colegial o El Moderno Sherlock Holmes), ni la más emotiva si la analizamos por partes pero si la consideramos en conjunto es la obra más completa de Keaton, puede que por ello para el genial Cara de Palo sea su mejor película.


10/6/08

Amanecer



SunriseF. W. Murnau, 1927, EEUU, George O'BrienJanet Gaynor.

Una historia fuerte pero sencilla en la que un granjero es seducido por una mujer de ciudad que pasa las vacaciones en el pueblo y lo incita a que mate a su esposa. El hombre prepara el plan y cuando se dispone a ejecutarlo se arrepiente y su mujer huye aterrorizada hacia la ciudad. Él la persigue implorando perdón, ambos llegan a la gran urbe y se reconcilian. De regreso a su casa en el pueblo les sorprende una tormenta y ella desaparece en el lago. Los habitantes del pueblo emprenden su búsqueda mientras la amante, creyendo que el hombre ha llevado a término el plan de asesinar a su mujer, se presenta en su casa pero el granjero la intenta estrangular, acto que no realiza al escuchar la algarabía producida por sus vecinos: han encontrado a su esposa inconsciente pero viva. El amanecer nos muestra al granjero cuidando de su esposa y de su hijo.

Este melodrama sirve de marco para una de las películas más importantes de todos los tiempos, para muchos una de las diez mejores de la historia del cine. Síntesis del realismo y el simbolismo del Expresionismo alemán, con escasos rótulos explicativos ahondando en la línea que Murnau exploró en anteriores ocasiones (realizó tres años antes El Último sin ellos) y con la incorporación de técnicas innovadoras como el trabajo de cámara para definir la perspectiva (que influyó poderosamente en Welles y su Ciudadano Kane) y/o la iluminación para mostrar el contraste de la vida en el campo y en la ciudad (la película está llena de dicotomías: atardecer/amanecer, pueblo/ciudad) o el uso de efectos sonoros, incluyéndose una banda sonora integrada en la narración por primera vez en la historia. Muy destacable el uso de las exposiciones en la conocida y maravillosa escena del beso en la ciudad: cuando los dos protagonistas están paseando cogidos de la mano el paisaje que vemos en el fondo va cambiando de urbano a naturaleza con su aire bucólico, en el momento en que se besan oímos efectos sonoros en forma de claxon, gritos, etcétera y con un nuevo cambio del decorado observamos que la pareja se está besando en medio de la calle y ha formado un pequeño atasco (mostrando el contraste entre el ritmo de vida plácido del campo y las prisas de la ciudad e integrando el sentido del humor en la historia). O, por poner otro ejemplo, cuando el hombre está en su habitación torturado por sus pensamientos de asesinato, indeciso, se le aparece la imagen de su amante, abrazándolo (aferrándolo) con sus brazos alrededor del cuello y convenciéndolo de la ejecución del plan tramado por ambos.

Estos dos ejemplos sirven para comprobar la magnitud de esta película que empleó decorados construidos ex profeso para enfatizar la perspectiva colocando objetos grandes en primer plano y miniaturas en el fondo en algunas escenas.Quizás esto disparó el coste del proyecto, lo que unido a su fracaso en taquilla provocó que William Fox se replanteara la relación inicial con Murnau en la que le ofreció total independencia creativa y comenzara a interferir en el proceso de creación de las posteriores películas que le produjo hasta que rescindió el contrato que les ligaba.

En la primera celebración de la gala de los OscarAmanecer ganó varios, entre ellos, el de mejor producción artística excepcional (Alas de Wellman ganó el de mejor producción, estas dos categorías serían el equivalente al Oscar de Mejor Película que se otorga en la actualidad) pero su posible carrera comercial fue eclipsada por El Cantor de Jazz, film considerado el primer largometraje sonoro que fue estrenado unos día más tarde que la película de Murnau, si bien ésta tiene una calidad y una dimensión artística muy superiores a aquella y además fue la primera en utilizar efectos sonoros como ya se mencionó más arriba.

Amanecer, que se abre con una especie de subtitulo (Una canción para dos seres humanos) constituye un hito en la historia del cine y tiene un valor artístico impresionante en su vertiente técnica pero sin olvidar que la trama en la que se inserta es el embrión del triángulo amoroso y de la mujer fatal utilizados en el cine negro y muchas películas posteriores. Obra magna que utiliza las técnicas al servicio de la narrativa y cuya influencia en el cine posterior es notable, Amanecer es de obligada visión para todos aquellos que se consideran amantes del cine.




9/6/08

El Eslabón del Niágara




The Last Embrace,Johnatan Demme.1979,EEUU,Roy Scheider,Janet Margolin,Cristopher Walken.

Harry Hannan es un agente de la CIA que ve como asesinan a su esposa y cae en un estado catatónico.Una vez se recupera,se reincorpora al trabajo con un rol menor y sufre de paranoia creyendo que sus propios compañeros lo quieren matar y que,además,se encuentra en el centro de una conspiración religiosa que persigue el mismo fin,esto se agudiza cuando conoce a Ellie Fabian,una estudiante a la que le han alquilado el apartamento en el que él vive.

A partir de la novela de Murray Teigh Bloom, El 13º Hombre, en la que aparecen ingredientes de trata de blancas,Demme construye una película truculenta y efectista en un intento de conseguir éxito comercial que se salva por algunos momentos,la presencia de Roy Scheider(el hombre del eterno bronceado,recientemente fallecido por una infección derivada del tratamiento al que estaba siendo sometido para superar el cáncer de médula espinal que le diagnosticaron hace un par de años)y la estética "hitchcockiana" puesto que se trata de un claro homenaje al maestro del suspense,siendo en conjunto un film decepcionante.

Quizás las ansias de Demme por obtener un taquillazo tras independizarse de Corman(productor de sus primeros films) le llevaron a buscar inspiración en Hitchcoch,pero su película acaba convirtiéndose en un pálido reflejo de Vértigo,incluso la musica compuesta por Miklos Rozsa está claramente inspirada en Bernard Hermann(habitual colaborador de Hitchcock).Para rematar el tono comercial la película tiene un final inconsistente..en fin,si se quiere pasar un rato distraído/a con la condición de ser fan de Hitchcock,de las pelis de suspense y/o espias o del gran Roy Scheider es una opción pero muy lejana en su calidad a otro homenaje "hitchcockiano" como la notable Doble Cuerpo de Brian de Palma(ésta si sabe integrar elementos propios con el cine de Hitchcock).Sirva como tributo/homenaje a Scheider.

6/6/08

Snatch:Cerdos y Diamantes

Snatch,Guy Ritchie,GB,2000,Jason Statham,Brad Pitt,Vinnie Jones.

Cuando Frankie "Cuatro Dedos" hace escala en Londres en su viaje con el gran diamante que tiene que entregar a "Avi"Denovitz en Nueva York,no se imagina la sucesión de acontecimientos que se van a desatar.

Peleas de boxeo sin guantes,granjas de cerdos,gitanos irlandeses,ex-agentes de la KGB y más se cruzan en el camino del diamante por una u otra causa...con un ritmo trepidante Ritchie teje una serie de tramas paralelas al anhelo de tener el diamante,muy original estéticamente y en el uso del montaje(en el atropello del "Navaja" alcanza su máxima expresión)con una galeria de personajes buenísima y excelentemente interpretados con su punto histriónico algunos(magnífico Alan Ford) y con gran capacidad de sorpresa y buenos momentos(el atraco a la casa de apuestas del "Ladrillo" es memorable).

Ritchie reúne al equipo de su exitoso primer largometraje(Juegos,Trampas y Dos Pistolas Humeantes) pero ya con Columbia detrás y crea una comedia negra fresca y notable que ofrece una visión personal del mundo de los bajos fondos londinenses.Descubre el talento de Vinnie Jones(ex-jugador de fútbol muy polémico por su juego duro y sucio,en un partido lo expulsaron a los 5 segundos) para actúar y experimenta con el cine y sus técnicas consiguiendo crear un universo propio e imprimirle un sello personal a la película.

La banda sonora es muy potente,Ritchie encargó a varios artistas la composición de temas y utilizó algunos clásicos(Bobby Bird,el acompañante habitual de James Brown,suena en algún momento) para condimentar la historia tal y como hace Tarantino cuya influencia es palpable en la obra.

Ganadora de varios premios,tuvo un gran éxito de público y crítica,si bien parte de esta le achacó a Ritchie su falta de evolución ya que guarda similitudes evidentes con su anterior película,aún así está considerada como un producto entretenido y bien valorado.Para mi,es altamente recomendable y más si no se ha visionado nada de este director que parece que ya no ha reencontrado su toque mágico:sus dos siguientes trabajos a Snatch fueron un corto y un largo a la mayor honra de su esposa Madonna.

4/6/08

El Gran Desfile

The Big ParadeKing Vidor, 1925, EEUU, John GilbertRenée Adorée.

Con un extraordinario John Gilbert supone el primer alegato antibélico hecho en Hollywood, un poco diluido por su carga comercial -en definitiva se trata de una comedia romántica- y que consta de dos partes totalmente diferenciadas. En la primera, una comedia clásica, los soldados americanos llegan a Francia y esperan a entrar en combate. Los protagonistas se conocen y entablan relaciones de amistad o de amor (en el caso de Jim y Melisande), la segunda mitad es la parte bélica en la que los soldados entran en acción en el frente.

La relación entre los dos amantes está exquisitamente descrita (a destacar la escena del chicle que contrapone las costumbres americanas y las francesas), tiene un par de gags buenos (en especial el del tonel) y las escenas de batalla están trabajadas (el ejército le prestó a Vidor material real de la I Guerra Mundial que el director intercaló en la película).

Uno de los mayores éxitos del cine mudo en taquilla, su valor artístico es innegable puesto que ha influido en muchísimas películas de guerra, en especial sobre ese otro clásico de los años 30, Sin Novedad en el Frente, y retrata los horrores de las contiendas bélicas aunque sea en un segundo plano ya que lo primordial es la historia de amor.

Jim es un hijo de ricos sin oficio ni beneficio que se alista para combatir en la I Guerra Mundial por la insistencia de su novia.Una vez llega a Francia traba amistad con dos soldados americanos de clase trabajadora y conoce a una mujer francesa de la que se enamora. La estancia en el pueblecito francés es narrada en tono de comedia que se rompe de manera brusca con la partida del contingente de soldados hacia el frente, allí Jim vive el horror y la insensatez de la guerra y ve como sus dos amigos mueren en el combate. Desesperado, clama contra las injusticias de la guerra en medio del campo de batalla y en una magnífica escena se encuentra con un soldado alemán en el interior de un cráter (idéntico recurso emplea Milestone años más tarde en su obra maestra citada, Sin Novedad en el Frente) con quien comparte un cigarrillo. Herido en combate, intenta localizar a su amada Melisande sin éxito y es repatriado a los EEUU. Allí se encuentra, mutilado como está, perdido y desorientado y, siguiendo el consejo de su madre, regresa a Francia para encontrar el sentido de su vida al lado de Melisande.

3/6/08

Las Aventuras de Buckaroo Banzai a través de la 8ª Dimensión




The Adventures of Buckaroo Banzai across the 8th Dimension!,WD Richter,1984,EEUU,Peter Weller,John Lithgow,Ellen Barkin.

Producto curioso mezcla de ciencia-ficción/comedia/aventuras que parece que esté hecha por un grupo de amigos y que no pasa de ser un tebeo minimamente entretenido,Buckaroo Banzai se ha convertido en película de culto.

Esta delirante historia cuenta con un elenco de actores que han adquirido cierta fama:Peter Weller,Ellen Barkin,Jeff Goldblum,Cristopher Lloyd,John Ligthow(en una excéntrica interpretación de un científico poseido por el líder de los aliens "malos")y es bastante extraña quizás debido a su compleja linea argumental.

Buckaroo Banzai es un neurocirujano,físico,experto en artes marciales,estrella de rock(su banda son The Hong Kong Cavaliers que también son el grupo de científicos que le ayudan en sus investigaciones),héroe de comic y muchas otras cosas más,que descubre la puerta de entrada a la 8ª Dimensión gracias a un artefacto;en la Tierra están atrapados desde 1938 un grupo de alienígenas(Lectroides Rojos)que necesitan de ese aparato para poder volver a su planeta originario(Planeta 10),actualmente trabajan en una empresa armamentística vinculada al gobierno y los humanos los ven bajo una apariencia caucasiana;sin embargo,en el Planeta 10 viven los Lectroides Negros que no están dispuestos a que regresen aquellos a su Planeta(los Lectroides Negros serían los buenos,para entendernos),una de las mejores cosas de la película es la apariencia que escogen los Lectroides Negros en la Tierra:los humanos los ven como Rastafaris.En fin,la cosa se complica y,entre otras historias paralelas que se van planteando,Buckaroo hasta llega a conocer y enamorarse de la hermana gemela de su fallecida mujer...

Todo el galimatias de la historia pudo ser debido a que la idea original del guionista Earl Mc Rauch se concibió añadiendo elementos continuamente(incluso el héroe en un principio tenía otro apellido,Bandy,y los aliens se denominaban de otras maneras tales como Lizards o Lepers)sin fijar otra base que el intento de homenajear/parodiar las películas de Kung Fu setenteras.

A pesar de todo esto,ha adquirido,como he dicho antes,"status" de peli de culto con varios comics inspirados en ella y otros,editados por Marvel, que adaptan la película.Aunque parezca realizada deprisa y corriendo y cuenta con unos efectos especiales baratos,Buckaroo es un concepto sumamente elaborado por Richter quien pretendía rodar una secuela(atención a los titulos finales en plan video-clip en los que se anuncia ya su rodaje)y concibió un universo propio "Banzaiano";por ejemplo,en la creación de los estilos y aspectos de los personajes se emplearon dos años,se decidió utilizar música electrónica para integrar mejor los efectos de sonido empleados(y eso que Banzai tiene un grupo de rock),todo esto,demuestra los cuidados de Richter sobre su criatura(aunque en los titulos finales el nombre que aparece pintado en un muro sea Bukkaroo,será un autoguiño,uno de tantos que parecen haber en la peli?

En la versión estrenada en cines se suprimió la escena inicial en la que sale el villano Hanoi Xan saboteando el experimento del Dr.Hikita,padre espiritual de Buckaroo,villano que iba a ser el "malo"de la segunda parte y en la que actuaba Jamie Lee Curtis como la madre de Buckaroo;la crítica vapuleó a la película y del público no obtuvo mucha respuesta:también hay que recordar que es el año de estreno de Cazafantasmas,Indiana Jones y El Templo Maldito y/o de Star Trek III,y que Buckaroo no tuvo una promoción dirigida al gran público muy intensa(aunque si hacia otros sectores,llegando a repartir cintas para el pelo en convenciones de fans de Star Trek)ni definida(era una película tan inclasificable que el estudio no sabía como promocionarla).Al final la secuela nunca se hizo y tampoco un proyecto de serie de TV de la Fox llegó a nada;en fin,vale la pena conocerla aunque hay que verla con la mente abierta y dispuesta a no pedir demasiado.

2/6/08

La Quimera del Oro




The Gold RushCharles Chaplin, 1925, EEUU, Charles ChaplinGeorgia HaleMack Swain.

Las escenas del baile de los panecillos, la comida de la bota como si fuese un manjar exquisito, la alucinación de Big Jim derivada del hambre que provoca que vea al vagabundo como un gigantesco pollo o la de la cabaña al borde del precipicio desnivelándose a cada movimiento de los personajes están grabadas en la memoria colectiva pero hay una parte de La Quimera del Oro que no es tan recordada (a pesar de tener también algunos "gags" buenísimos): el segmento en el que el protagonista es objeto de burla por su adorada Georgia y sus amigas, plena de patetismo y que se contrapone a la otra parte de la película, más humorística...constante a lo largo del metraje este viraje de alegría y miseria es lo que hace de ella una obra imprescindible.

Chaplin se inspiró en el visionado de unas fotografías de la fiebre del oro en Alaska y en el caso de los Donner, que recurrieron al canibalismo para poder sobrevivir en condiciones tan duras, para realizar la película por la que, según dijo, quería ser recordado. El rodaje fue largo y penoso, en su afán perfeccionista lo alargó en el tiempo e invirtió una suma de dinero considerable para la época: llevó al equipo de rodaje a la Montañas Rocosas para rodar exteriores de los que sólo se utilizó la secuencia inicial (una fila de buscadores de oro trepa por la ladera de una montaña). Además, Chaplin tuvo problemas personales puesto que la que iba a ser actriz protagonista, Lita Grey, su amante menor de edad, se quedó embarazada, siendo sustituida por Georgia Hale y teniendo el realizador que casarse para intentar evitar un escándalo que al final explotó al descubrirse toda la historia.

La película, como ha quedado expuesto, se divide en dos partes: la primera nos deja los "gags" del pollo, de la bota y ciertas reminiscencias de Jack London; en ella el vagabundo entabla una relación de amistad con otro buscador de oro, Big Jim, tras su permanencia en la cabaña de un tercer hombre (Black Larson, asesino buscado por la policía) quien tras un sorteo para salir en busca de comida los deja en la casa.

En la segunda, que se inicia con la despedida de Big Jim (en busca de su mina de oro) y del vagabundo (en pos de su destino), éste encuentra al amor de su vida en la ciudad: una bailarina del saloon local, Georgia, pero ésta ya tiene novio. Chaplin desarrolla una película con grandes muestras de patetismo y de dureza, descarnada y humana en la relación de los personajes.

El desenlace nos lleva a la famosa escena de la cabaña al borde del precipicio con Big Jim y el vagabundo buscando la mina del primero (amnésico tras una pelea con Larson)...su búsqueda da resultados y ya millonarios embarcan en un barco para regresar a sus lugares de origen. En un brillante epílogo Chaplin nos demuestra que Georgia no es tan fría y que está enamorada del vagabundo sin saber que éste ahora es un hombre rico: una memorable escena en la que ella intenta que no lo detengan porque cree que es un polizón al que están buscando es el broche de oro al film.

La Quimera del Oro contituyó un enorme éxito de público y crítica y el reencuentro de Chaplin con su más famoso personaje , Charlot, tras realizar Una Mujer de París sin que él mismo actuara en 1942. El propio Chaplin compuso la música y añadió voces en "off" para la reedición de esta película.