28/5/08

La Semilla del Diablo


Rosemary's BabyRoman Polanski, EEUU, 1968, Mia FarrowJohn CassavetesRuth Gordon.


Película de miedos atávicos, estremecedora y desgarradora que nos hace pensar en que nunca conocemos totalmente a la gente que está a nuestro alrededor ya que cualquiera podría ser, por ejemplo, Steven MarcatoLa Semilla del Diablo es una cinta imprescindible que nos deslumbra a cada nueva visión con la portentosa atención a los detalles de Polanski (como, por ejemplo, cuando el nonato le da una patada a Rosemary y ésta exclama "¡Está vivo!" cogiéndole la mano a su marido, Guy, y dirigiéndola hacia su vientre, éste retrocede atemorizado).

Rosemary y Guy Woodhouse son un matrimonio joven y feliz que quiere tener un hijo -aunque él, un extraordinario Cassavetes, muestra más interés en su carrera interpretativa- y se muda a un famoso edificio de Nueva York (el exterior del Edificio Bamford de la película es el célebre Dakota). Una vez están viviendo allí traban amistad con una pareja de vecinos, los ancianos Castevet, que empieza, por una parte, a colmarlos de atenciones y, por la otra,  a trabar una estrecha relación con Guy. Éste decide tener el hijo ya y Rosemary se queda embarazada una noche en la que tiene una extraña pesadilla...

Polanski adaptó la novela de Ira Levin (uno de los raros casos en los que la película es superior al libro en que se basa) que se convirtió en "best-seller" y debutó de este modo en Estados Unidos con una obra terrorífica que muestra a una Farrow con la que nos identificamos plenamente, padeciendo con ella todos sus temores respecto a su embarazo, su desconfianza hacia su nuevo ginecólogo y respecto a los Castevet y su extrañeza ante la sorpresiva ascensión profesional meteórica de su marido. Por el camino, la propuesta deja imágenes imborrables en el recuerdo: el susto de la cabina, la irrupción de una Rosemary capaz de todo por recuperar a su hijo portando un cuchillo en la mano en el salón de sus vecinos...suspense máximo y terror garantizado con unas extraordinarias interpretaciones (mencionar que aparece Elisha Cook, Jr, actor en importantes films de cine negro).

Cuidada en los mínimos detalles, como ya se dijo más arriba, valga de muestra un ejemplo: para dar mayor realismo a la actuación de Mia Farrow en la escena en que habla por teléfono con Donald Baumgart -actor que se queda ciego de repente, circunstancia que permite a Guy conseguir un importante papel en una obra que iba a interpretar aquél- contrató a Tony Curtis sin que Farrow lo supiera de modo que ella durante el rodaje escuchaba una voz familiar pero no la identificaba, consiguiéndose así un efecto mayor de confusión en su interpretación.

Tuvo una secuela para la TV en 1976 con Ruth Gordon de nuevo en el papel de Minnie Castevet y Levin escribió años más tarde El Hijo de Rosemary (1997), actualmente se prepara un innecesario "remake".

El Fantasma de la Ópera


The Phantom of the OperaRupert JulianEdward Sedgwyck, 1925, EEUU, Lon ChaneyMary Philbin, Norman Kerry.

Sólo por el momento en que ella desenmascara al Fantasma vale la pena verla, además de por Lon Chaney quien diseñó su propio maquillaje (al igual que en su anterior película El Jorobado de Notre Dame) y por los escenarios, sobretodo los de las catacumbas-sótano de la Ópera con todas sus trampas.

Adaptación de la excelente novela de Gastón Leroux que mezcla aventuras, misterio, terror y romanticismo, producida por Carl Laemmle, la dirigió Rupert Julian en principio pero tras su pobre preestreno, éste renunció y el proyecto se puso en manos de Sedgwyck e incluso Chaney llegó a participar co-dirigiendo algunas escenas. Finalmente la Universal decidió quedarse con el tercer montaje al que en 1929 añadió diálogos y efectos de sonido y nuevas escenas (como Chaney ya no trabajaba para la productora su voz la puso un actor de la compañía).

Germen de los clásicos de terror de principios del sonoro que produjo la Universal (DráculaFrankenstein) y parábola del mito de Fausto, la historia acaba decayendo y pierde toda la fuerza del libro pero se salva por algunos momentos brillantísimos como los ya mencionados, (en especial una de las imágenes más famosas de la historia del cine: la primera vez que aparece la cara de Erik) o la escena del baile de máscaras inspirada en Poe y Su Máscara de la Muerte Roja (rodada en una técnica primitiva de Technicolor), la del Fantasma vigilando suspendido en la estatua a los enamorados en el tejado y la de la caída de la araña en plena representación, así como el momento final de la persecución del infortunado Erik por parte de la muchedumbre.

27/5/08

Una Familia Tronada



Flodder,Dick Maas,Hol,1986,Nelly Fridja,Huub Stapel,Tatjana Simic.

Dick Maas,director y guionista holandés que alcanzó cierta fama con El Ascensor y Amsterdamned en los '80,nos ofrece esta comedia un tanto cafre(la muerte del abuelo,el perro)que a pesar de estar llena de tópicos tiene un par de momentos divertidos y no cae en los chistes escatológicos de las comedietas americanas de la época,todo lo contrario se esfuerza en buscar una idea original con posibilidades aunque no sepa sacarle provecho.
Todo empieza cuando desde el Ayuntamiento de la ciudad se intenta llevar a cabo un experimento sociológico en el que trasladan a una familia peculiar que vive en los bajos fondos a una lujosa zona residencial;la familia consta de varios miembros:Ma Flodder,la madre borrachina,que fuma puros y destila alcohol de manera ilegal en su propia casa y que desconoce las mínimas normas de etiqueta,lleva las riendas de la familia;el hijo mayor,delincuente habitual y que se lía con una vecina casada que está harta de la vida monótona que lleva con su marido militar;el siguiente hijo,otro delincuente habitual,que también se siente atraido por dos de sus nuevas vecinas;la hija mayor(la espectacular Tatjana Simic, se la intentó lanzar como la rival de Sabrina,aquella cantante?italiana en nuestro pais)ninfomana y provocativa,engatusa a un vecino y lo chantajea;el abuelo inválido obsesionado con los trenes;una hija adolescente que parece ha heredado el carácter fuerte de la madre;un perro grande que persigue a una Yorkshire.Además adquieren protagonismo un par de "pijos" del barrio que se enzarzan en una enemistad con sus peculiares vecinos,el militar cornudo que intenta expulsar a los Flodder del barrio, el técnico del Ayuntamiento creador del experimento y el matrimonio de la casa colindante.

Como digo,todos los tópicos pseudosexuales para adolscentes están presentes,todas(o casi todas) las situaciones cómicas son previsibles pero al menos Maas se esfuerza en darle cierto pretexto argumental al tema.





Siete Ocasiones



Seven ChancesBuster Keaton, 1925, EEUU, Buster Keaton, T.Roy Barnes, Ruth Dwyer.


Antológica secuencia final, la persecución es la parte más famosa de la película pero no hay que olvidar sus innumerables gags anteriores...con una historia un tanto surrealista (Jimmie Shannon, un"broker" que tiene una empresa en bancarrota y con acuciantes problemas legales, es llamado por un abogado que le notifica la muerte de su abuelo quien le deja en herencia 7 millones de dólares siempre y cuando Jimmie sea capaz de casarse antes de las 7 de la tarde en el día de su 27 cumpleaños) Keaton construye una película en dos partes. En la primera, más pausada, Jimmie corteja a su novia a lo largo de los años (mostrado con el crecimiento del perro y el paso de las estaciones) sin atreverse a declararse en matrimonio y cuando se decide ella cree que se quiere casar por cobrar la herencia y lo rechaza. Con la ayuda de su socio y amigo el protagonista comienza una infructuosa búsqueda de esposa, salpicada con hilarantes momentos (gag de la mujer forzuda, declaración a una mujer que su amigo hace por él, cuando se declara él mismo a una chica que se da la vuelta y tiene un bebé en brazos ("¿Es suyo?-Sí-¿Y piensa criarlo?"), la peluquería en la que Jimmie estira de la cabeza de la mujer creyendo que es un maniquí, etcétera) y poco exitosos resultados que su amigo intenta solucionar con una descabellada idea: anunciar en el periódico que la primera mujer en llegar a la iglesia se casará con un millonario. Esta premisa da paso a la segunda parte de la película, trepidante y frenética que se inicia cuando Keaton se duerme en el templo y al despertar se encuentra rodeado de mujeres que no se habían percatado de su presencia...toca huir de toda esa turba descontrolada en una magistral secuencia en la que Keaton despliega todo su ingenio y todo su arsenal físico esquivando enormes rocas rodantes en el descenso a toda pastilla de la montaña, intentando camuflarse entre un grupo de policías o mostrando al héroe en una calle cuando cree que está a salvo y nosotros vemos como se van añadiendo mujeres a sus espaldas para proseguir la persecución.

La excelente segunda parte de la obra recuerda a El Héroe del Río cuando se desata la espectacular tormenta, pero aunque 7 Ocasiones es considerada una obra menor en la filmografía de Keaton por parte de la mayoría de críticos, para mí es una de mis tres películas favoritas de él ya que que es capaz de integrar las dos partes de manera notable en un círculo que se cierra al llegar Jimmie a casa de su novia para casarse: no sólo está huyendo de las mujeres sino que tiene que llegar antes de las 7 consiguiendo Keaton con la combinación de estos dos objetivos en la persecución mayor sensación de rapidez en el paso del tiempo y es capaz, además, de llevar el "slapstick" hasta cotas muy difíciles de superar...obra maestra fresca,  como el primer día, para reír a carcajadas.

26/5/08

Voces de Muerte






















Sorry,Wrong NumberAnatole Litvak, EEUU, 1948, Barbara StanwyckBurt Lancaster.

Cine a caballo entre el drama y el negro con unas sensacionales interpretaciones de Stanwyck, Lancaster y el resto del reparto y con una tensión "in crescendo" a medida que la propia protagonista va deshaciendo la madeja de la historia.

Adaptación de una exitosa obra para la radio de Lucille Fletcher que interpretó Agnes Moorehead (sí, la madre de Embrujada) en varias ocasiones (desde su estreno en 1943 hasta 1948), es una buena muestra de suspense presentando a una joven inválida (Leona Stevenson, hija de un magnate hecho a sí mismo) en su habitación (prisión) cuyo único contacto con el mundo es el teléfono. Preocupada por el retraso de su marido (Henry Stevenson) en llegar a casa, decide llamarlo a su oficina y oye una conversación en un cruce de las líneas en la que se habla de un asesinato que se cometerá esa misma noche a las 23'15h. Alarmada por lo que acaba de escuchar llama a la policía y como las pistas son muy vagas, le dicen que se tranquilice y decide intentar localizar a su marido...la secretaria de éste le dice que se fue a almorzar con una joven atractiva llamada Sally y no sabe nada más,. Leona recuerda que Sally era la antigua novia de su marido...Las llamadas son continuas y nos permiten ir conociendo los personajes, sus relaciones y el argumento: cuando Leona habla con su padre sabemos que ella lo maneja como a una marioneta al igual que hace con Henry, cuando habla con Sally ésta le confiesa que ha almorzado con Henry para advertirle de la investigación de la que está siendo objeto por parte de su marido (ayudante del fiscal), en la conversación con su médico Leona niega las evidencias que muestran que su problema es psicológico y con la llamada del Sr.Evans (un anónimo empleado de su padre) las piezas del puzzle van encajando...

Narrada en tiempo real utilizando "flash-backs" que construyen las posiciones de los personajes en la historia y nos los perfilan, es un prodigio de Litvak que captura todo el suspense de la historia con todas sus posibilidades: mujer que no puede valerse por sí misma encerrada en una habitación, encadenada a su cama, expuesta, oprimida por cualquier ruido que se convierte en fuente de terror. La dirección del director de origen europeo y la interpretación de la Stanwyck (fue nominada al Oscar) transforman a la Leona arrogante y caprichosa inicial en un personaje que despierta todas las simpatías del espectador: comprendemos que necesita ayuda psicológica (y material).

El final es un final lógico (que no voy a desvelar) y clásico puesto que la última frase de la película es la que da título a la misma.

TRON



TRONSteven Lisberger, 1982, EEUU, Jeff Bridges, Bruce BoxleitnerDavid Warner.


Producción de la Disney con la colaboración de Moebius (uno de los mejores creadores de la historia del cómic: John Difool y su Incal y en otra línea más realista Blueberry con guión del malogrado Charlier) y de Syd Mead (también participó en Blade RunnerTRON es una de las primeras películas que incorpora efectos por ordenador, de hecho no fue nominada a los Oscar en la categoría de Efectos Especiales ya que se consideraba su uso como "trampa" por parte de la Academia.
Con una línea argumental endeble: el joven programador Kevin Flynn es despedido de la empresa en la que trabaja -ENCOM- al apropiarse Ed Dillinger de sus creaciones y hacerlas pasar como propias consiguiendo un puesto de máxima responsabilidad. Tiempo después Dillinger crea el Programa de Control Maestro (PCM)/Control Central (CC) y Flynn trabaja en su propia casa recreativa pero intentando una y otra vez entrar en los ordenadores de ENCOM para demostrar su autoría sobre muchos de los programas y las malas artes de Dillinger, pero CC aborta todos estos intentos y pone sobreaviso a Dillinger quien decide bloquear todos los posibles accesos a los sistemas de la corporación; esto provoca que otro programador (Alan Bradley) no pueda desarrollar su programa TRON (que permitiría una comunicación de los sistemas de ENCOM con el exterior y un mayor control sobre ésta pero independientemente del CC), solicitando permiso a Dillinger para poder proseguir su trabajo cosa que éste deniega, acto seguido CC discute con Dillinger y toma el mando...mientras Alan que sale con Lora, la ex-novia de Flynn, decide ir a hablar con éste. Flynn se da cuenta que es su gran oportunidad y decide con la ayuda de sus amigos entrar en el edificio de ENCOM pero CC controla un láser en el que trabaja Lora que desintegra objetos y lo dirige hacia Flynn quien se ve introducido en el mundo de los programas informáticos y de los vídeojuegos, allí conoce a TRON y se inicia una espectacular aventura visual con carreras de motos, luchas con discos, etcétera. TRON se convierte en una película visualmente potente, minímamente entretenida a pesar de su inconsistente guión y con el innegable atractivo del uso de los efectos por ordenador aunque ahora parezcan un poco desfasados...una visión de los vídeojuegos desde dentro de los vídeojuegos.
Recibida por la crítica con división de opiniones (parte la consideró innovadora y por eso la valoró positivamente y parte la consideró aburrida) tuvo un éxito menor entre el público, situación que cambió a lo largo de los años, teniendo en la actualidad un estatus de película de culto e innumerables secuelas en el campo de los videojuegos y, atención, se prepara una secuela para la pantalla con guión de Adam Horowitz (uno de los escritores de la serie de TV Lost) y la posible participación de Jeff Bridges.
Como curiosidad resaltar que en el guión original de Lisberger los "buenos" iban de amarillo y los "malos" de azul, por ello en la famosa escena de las motos Ram, Clu y Tron conducen motos naranjas, amarilla y roja y los pilotos leales a CC conducen motos azules.

25/5/08

Una Cana al Aire

Skin Deep,Blake Edwards,1989,EEUU,John Ritter,Vincent Gardenia,Alyson Reed.

Edwards escribe y dirige esta comedia con el gran John Ritter(maestro del slapstick, famoso por su personaje de Jack Tripper en la serie de TV Apartamento para Tres y fallecido en 2003 cuando rodaba la serie 8 Simple Rules for dating my teenage daughter de una afección congénita del corazón no diagnosticada),en la que redunda en las relaciones hombre/mujer(Mis Problemas con las Mujeres,10,etc) y reflexiona sobre la edad y el paso del tiempo.

Zach Hutton es un escritor de prestigio al que le dejan su esposa y su amante a la vez cuando descubren que las engaña con una tercera mujer y,como consecuencia empieza una nueva vida dedicada al alcohol y a perseguir mujeres que lo lleva a liarse con una culturista(buenísimo cuando ésta se desnuda y Ritter le dice "me siento como la mujer de Schwarzenegger" y cuando a la mañana siguiente se encuentra haciendo aerobic),la novia de un rockero(la escena más famosa de la película es la de la pelea de condones de colores)y a pasar una serie de circunstancias hilarantes como el tratamiento de shock que le "dispensa"una ex-amante.

Película menor aunque divertida,es una de mis favoritas de Edwards y destaca Ritter en el papel de mujeriego(con éxito,la verdad)que no puede cambiar como bién le insinúa su terapeuta cuando le cuenta la fábula del escorpión y la rana,y es que a Hutton le gusta todo o casi todo, de las mujeres,en fin que Edwards consigue unas buenas risas(carcajadas en algún momento)para no perder la costumbre en su última buena película.

¿Qué hiciste en la Guerra,Papi?





What did you do in the War, Daddy?, Blake Edwards, 1966, EEUU, James Coburn, Dick Shawn, Aldo Ray.


Sicília, Italia, 1943,el General Bolt ordena al Capitán Cash que tome el mando de la Compañía Charlie y capture el pueblecito de Valerno. Cuando el Capitán llega para ejecutar esta orden se encuentra con un batallón cansado de la guerra e indisciplinado a más no poder liderado por el Sargento Christian y el Sargento Rizzo. A pesar de ello, el capitán se obstina en cumplir con su deber...lo que no se espera es que el Capitán Oppo, jefe de las tropas italianas esté dispuesto a no presentar batalla y a rendirse con una única condición: la celebración de una fiesta en el pueblo donde correrá el vino a raudales. A partir de aquí todo se complica para el pobre Cash pero menos mal que el Sargento Christian está dispuesto a echarle una mano...


Con este hilo argumental el director Blake Edwards construye una película entretenida que nos depara buenos momentos: la desaparición del Mayor Pott en las catacumbas es muy divertida, el principio en el que los americanos invaden el pueblo y a los italianos parece molestarles más que interrumpan su partido de fútbol, los diferentes choques entre la rigidez disciplinaria de Cash y sus sargentos o con su alter-ego Oppo, la batalla simulada o la aparición de los alemanes para apoyar a sus aliados italianos, etcétera. Entretenida aunque irregular a lo largo de sus dos horas de duración (cosa bastante frecuente en la filmografia de Edwards) se deja ver merced también al correcto trabajo de sus actores (puede que ésta sea la mejor interpretación de Dick Shawn -quien, por cierto, murió años después sobre el escenario y el público presente tardó en percatarse de ello ya que los espectadores creyeron que el óbito era parte de la actuación- que para la ocasión se tuvo que vestir de mujer o hacer de borracho y ello sin intentar perder ni un ápice de autoridad frente a sus hombres).


Edwards la rodó un año después de La Carrera del Siglo (fracaso de público y crítica en su momento) y dos años antes que El Guateque y, si bién éstas dos son consideradas como buenas comedias y han conseguido el favor del público definiéndolas como parte de lo mejor del director (no en vano son dos de sus más famosas obras), ¿Que hiciste en la Guerra, Papi? sigue siendo una película menor aún por descubrir en su currículum pero altamente recomendable.

El Moderno Sherlock Holmes



Sherlock, JrBuster Keaton / Roscoe "Fatty"Arbuckle, 1924,  EEUU, Buster KeatonKathryn McGuire.

Ritmo trepidante, trufada de de trucos de magia que ponen de relieve la dicotomía ficción-realidad (se trata de una película dentro de otra) a través de la que el personaje puede salir de su existencia y alcanzar sus sueños (ser detective y conseguir el amor), está plagada de multitud de "gags" a lo largo de sus 44 minutos de metraje y plantea uno de los eternos debates del cine, presente desde los días de Louis Feuillade: el cine para evadirse o, simplemente, para pasar un buen rato e incluso, para vivir una vida que en la realidad no la puedes vivir es igual de válido (y virtuoso, puesto que esta obra es un prodigio de guión, está magníficamente construida) y constituye uno de los objetivos de él mismo.

Buster Keaton es un proyeccionista de cine acusado injustamente de robar el reloj del padre de su novia al caer en una trampa que le tiende otro pretendiente de aquella y se le prohibe verla más, desesperado va a trabajar y se duerme...en su sueño atraviesa la pantalla del cine (memorable escena cuya influencia llega a Woody Allen en su Rosa Púrpura del Cairo) y se convierte en detective presto a resolver un caso. Espectaculares las escenas en las que aterriza en su nueva "vida" (montañas nevadas, mares enfurecidos) y comienza para el espectador una serie de "gags" ininterrumpida hasta el final al más puro estilo Keaton que llegó a romperse el cuello cuando rodó uno de ellos, cosa que no supo hasta años después.

Aclamada por la crítica es de las 2 o 3 mejores películas de Keaton y contiene influencias surrealistas reconocidas hasta por Buñuel. Técnicamente innovadora hay que considerarla como una de las mejores excusas para acercarse al cine mudo. Keaton parece decirnos mediante la risa que es posible convertir nuestros deseos y sueños en realidad.

El Cristal Oscuro



The Dark Crystal, Jim Henson/Frank Oz, 1982, EEUU, Marionetas

Hace 1000 años los Urskeks vivían en un mundo feliz...hasta que El Cristal Oscuro se rompió y con él todo el orden establecido. Los Urskeks se dividieron en Los Místicos, apacibles, entregados a la meditación, y los Skeksis, malvados que gobiernan el Mundo desde su castillo. Pero existe una Profecía que dice que un Gelfling reunirá todos los pedazos del Cristal el día en que los Tres Soles sean uno, reestableciendóse la paz y la armonía de nuevo. Por ello, los Skeksis se encargaron de exterminar a esta raza, excepto a uno, el cual es criado por Los Místicos y se convertirá en el protagonista de esta historia para niños y adultos del gran Jim Henson, creador de, entre otros, Los Teleñecos y Barrio Sésamo.

Es la primera película "real" en la que no aparece ningún ser humano en pantalla, todos los personajes son marionetas manejadas por Henson y su equipo. Pese a que se emplearon casi cinco años en construir todo el universo que se muestra tuvo una acogida tibia por parte del público, no olvidemos que compitió con E. T.  El Extraterrestre y también puede que -quizás- por su tono oscuro, tétrico no acabó de ser una película para niños, es más que posible que, incluso, a más de uno los monstruos y algunos personajes provoquen algún miedo. La historia tampoco ayuda en este sentido y, bueno, los adultos puede que tampoco estuvieran preparados aún para ver una pelicula de marionetas dirigida a ellos. Aún así, en algunos lugares como Japón y Francia sí tuvo éxito. Por su parte, la crítica la recibió como un film carente de interés y "Tolkiano" y ello pese a conseguir varios galardones técnicos, tanto en certámenes (Gran Premio del Festival de Films de Ciencia-Ficción de Avoriaz) como otorgados por prestigiosas organizaciones (el Saturn para films de Ciencia-Ficción,Terror y Fantasía).

Sin ser una gran película se deja ver y se ha convertido en obra de culto. Es un buen ejemplo de la capacidad creativa de su alma máter en una vertiente más adulta. Preparémonos para la secuela que se anuncia para el 2009: El Poder del Cristal Oscuro, que con todos los avances tecnológicos (ya se ha confirmado que utilizará efectos con ordenador) y la colaboración de Brian Froud, co-diseñador de la primera parte, y de David Odell, co-guionista con Henson de la misma, promete mezclar innovación y fidelidad a su original a partes iguales. Veremos.

En resumen, El Cristal Oscuro es un buen espectáculo visual, original e innovador en el campo de las marionetas aunque con una historia inconsistente que le pasa factura. Aún así, es recomendable acercarse a ella y pasar un buen rato, especialmente en compañía de la prole propia o ajena.




23/5/08

Avaricia


Greed, Von Stroheim, 1924, EEUU, Gibson GowlandZasu PittsJean Hersholt.


Von Stroheim nos desvela la naturaleza humana en esta obra maestra mutilada por intereses económicos del estudio MGM de la que existe una versión restaurada a partir de fotos de la producción, que se intercalan con continuidad en la cortada "versión original", realizada por Rick Schmidlin en 1999 y que llega a las casi 4 horas de duración, lejos aún del montaje original de Von Stroheim de más de 9 horas y que pretendía hacer una adaptación literal de la novela en que se basa (Mc Teague, de Frank Norris) pero que, no obstante, nos permite observar el duro retrato de la condición humana que esboza el director de origen austriaco en unas antológicas escenas como la de Trina contando las monedas mientras ella y su marido Mac Teague viven en las más absoluta pobreza, la misma Trina acostándose y acariciando su dinero en la cama,  escamoteándole el cambio a Mc Teague cuando va a comprar carne (la más barata, por supuesto) o preocupada por saber de donde habrá conseguido el dinero para emborracharse su marido tras una violentísima discusión ambos. La visceralidad y virulencia de las peleas entre los otrora amigos Marcus y Mc Teague (en especial la que se produce cuando van de pic-nic), originadas en la evolución psicológica del primero a lo largo del film, se reflejan a la perfección y constituyen unos momentos de tensión brutales. El proceso de enamoramiento de Mc Teague también destaca,  sobremanera cuando se queda a dormir sólo en la habitación de Trina y cuando realiza una limpieza de boca en su consulta a su amada). Eestamos ante, por un lado, una obra de arte imprescindible que nos alumbra con un rayo de esperanza en la relación del Sr.Grannis y la Srta.Baker, dos personajes que encuentran el amor en su madurez, sin esperarlo ya y, por el otro, ante el caso más paradigmático de película perdida en la historia del cine (Von Stroheim a instancias del estudio consintió en intentar reducir el metraje hasta las 3 horas largas pero los productores se negaron y consiguieron hacerse con el control del film y, a pesar de la oposición del director, dejarla en 2 horas y 20 minutos...el resto se destruyó por un conserje que creyó que no tenía ningún valor al estar almacenada de cualquier manera).

Cabe destacar el fracaso de público y crítica que cosechó (al menos a Mayer y a Thalberg no les salió bien la jugada ni aun así) y la leyenda de su más que costoso rodaje (en tiempo y en dinero) ya que Von Stroheim empeñado en una adaptación fiel (en el sentido literal del término) del libro, rodó en integridad en los escenarios donde se desarrolla la acción de éste: San Francisco, Death Valley, llevándose todo el equipo técnico y humano para allá.

El Ladrón de Bagdad


The Thief of BagdadRaoul Walsh, EEUU, 1924, Douglas FairbanksAnna May Wong.

La imaginación y la fantasía al poder de la mano de un Fairbanks total (productor, guionista y actor) que lo borda en su papel saltimbanqui y gamberro de ladrón vividor en una Bagdad mágica diseñada y construida por Menzies. La película mantiene su frescura y su encanto de cuento de las mil y una noches y destaca por sus efectos especiales (alfombras voladoras, caballos alados, cuerdas que se mantienen suspendidas en el aire) que son un logro para la época y por su increíble ambientación, amén del ritmo que le imprime Walsh y la interpretación de Fairbanks quien utiliza con maestría su cuerpo para mostrar toda la fanfarronería y el espíritu aventurero de un personaje que lo consolida como el arquetipo de héroe por antonomasia ("Everybody's hero" le llamaron en determinado momento) tras haber interpretado a El Zorro o a Robin Hood entre otros. Espectáculo visual fascinante que desprende un toque de romanticismo a partir de la atracción que un ladronzuelo de Bagdad siente por la Princesa y que lo lleva a hacerse pasar por Príncipe y a superar una prueba (competir con los pretendientes en conseguir el mejor regalo para ella) que sirve de base argumental para llevarnos por caminos y cielos llenos de aventuras y misterios. Tuvo varios "remakes" (el más exitoso el de 1940), incluso con dibujos animados, e inspiró al mismísimo Alex Raymond en su ambientación de Flash Gordon y en la creación de su villano Ming (basado en el Príncipe mongol).



22/5/08

El Doctor Mabuse


Dr.Mabuse, Der Spieler, Alemania, 1922; Dir.: Fritz Lang; Interp.: Rudolf Klein-RoggeAlfred Abel.

Medio policíaco, tercio de thriller y el resto de varios géneros (incluso tiene una escena inicial de especulación bursátil y llega a tocar el tema de las ciencias paranormales -hipnosis-) es la primera pelicula del villano Mabuse, personaje que Lang retomaría posteriormente en dos obras más y que está influenciado por el universo Pulp en general (de ahí su mezcolanza de géneros) y por Fantômas en particular (los disfraces son una característica común a ambos personajes).
Consta de dos partes (en total sobre las 4 horas de metraje) en las que Mabuse extorsiona, rapta y mata él mismo utilizando sus múltiples personalidades y a su banda. Al final, los fantasmas de sus víctimas se le aparecen en el sótano en el que empleaba a unos ciegos para falsificar dinero y se vuelve loco en una inolvidable escena en la que objetos inanimados cobran vida...Lang construye una película sumamente entretenida y ágil que fue un notable éxito de público en su época.

La Carreta Fantasma

Auténtica joya del cine, Körkarlen nos presenta una cruda historia en la que un hombre alcohólico y sin conciencia inicia un proceso de destrucción hacia los demás (su atormentada esposa, una voluntaria) y hacia sí mismo con una ambientación mezcla de realismo social y de cuento de terror; sobre David Holm recae la maldición de conducir la Carreta Fantasma durante los 12 meses posteriores a su muerte ya que según la leyenda el último pecador en morir el 31 de Diciembre (y él lo es puesto que ha vivido sin ningún tipo de contemplación hacia los demás, así se lo demuestra su antiguo camarada como si fuera Mr.Scrooge, exponiéndolo a todos los efectos de sus actos) debe cargar con esa pesada tarea de ir recogiendo a los muertos.
Técnicamente innovadora, emplea dobles exposiciones y consigue una estética visual poderosa (la escena en la que el protagonista observa su propio cadáver y las imágenes de la Carreta son buen ejemplo) aunque tiene un componente religioso (está basada en una novela del mismo titulo escrita por Selma Lagerlöf) que la conduce a un final un tanto decepcionante, es una película imprescindible.

Körkarlen, Victor Sjöström, 1921, Suecia, Victor Sjöström, Hilda Borgström, Tore Svennberg.